Adrian Chesterman estudió bellas artes en la Norwich School of Art y la ilustración en el Royal College of Art de Kensington, en Londres. Desde que dejó el R.C.A., Chesterman ha trabajado en casi todas las esferas del mundo del arte.

Como ilustrador, ha trabajado para casi todo el mundo, en casi todo, en casi todas partes. Las ilustraciones publicitarias de "Jurassic Park" para Stephen Spielberg en Los Ángeles, los decorados de "Sunset Boulevard" para Andrew Lloyd-Weber en Frankfurt. Entre los encargos publicitarios, se incluyen "Coca Cola" en Atlanta, "Southern Sun hotels" en Ciudad del Cabo y ilustraciones de videojuegos para "Nintendo" en Chicago. Diseños y visualizaciones para parques temáticos originales en los Emiratos Árabes Unidos y en China, juegos de "Spiderman" para MGA en Los Ángeles y, durante los últimos diez años, la división de motores aeronáuticos de Rolls Royce en Londres le ha pedido que ilustre cerca de 50 páginas para la revista "Flight".

Entre sus proyectos recientes, se incluye la creación de la gigantesca ilustración del rompecabezas más grande del mundo, encargado por Educa Boras en Barcelona. De un tamaño increíble de 33,600 piezas y midiendo 2 metros por 6, representa una escena de la jungla repleta de detalles. También hemos realizado una serie de portadas para la serie de libros de bolsillo "Armchair Reader" publicada por Publications International en Illinois, así como las 21 portadas de "Famous Five", la serie clásica de Enid Blighton. Saatchi & Saatchi's en Sídney acaba de encargar una serie de ilustraciones de Toyota Landcruiser para el salón del automóvil de Sídney 2015 y Seaworld en los Estados Unidos acaba de encargar un cartel para su nuevo parque acuático temático "Turtle World" en San Diego.

Chesterman también ha ilustrado portadas de libros para Jackie Collins, Jack Higgins y Dick Francis, numerosos libros infantiles sobre dinosaurios y una enciclopedia ilustrada para niños. Ha ilustrado innumerables portadas de álbumes de música, incluyendo "Bomber" para Motorhead, "The meaning of Life" para el equipo de Monty Python y "The Road to Hell" para Chris Rea. También ha ilustrado un videoclip animado para "Baby's coming back" de Eurythmics e incluso construyó y pintó una guitarra real en forma de calavera para el nuevo grupo romántico "Adam and the Ants".

El retrato es otra de las direcciones artísticas de Chesterman. Entre los comisionados anteriores se encuentran el príncipe Adan Czartoryski-Bourbon, primo del rey Juan Carlos de España, Mikael Baryshnikov, el bailarín de ballet, un cierto capitán de la guardia galesa, algunos actores de Hollywood, innumerables niños, gatos, perros y un caballo llamado George. Oh... y un retrato desnudo de "Wolf", el "gladiador" de la televisión, que terminó, de alguna manera, en la página 5 de un diario nacional, pero cuanto menos se diga, mejor.

Chesterman tuvo su primera exposición de pinturas en Liberty's en Regent Street mientras aún estaba en el Royal College of Art. Luego expuso en el Centro Pompidou en París y en la Gallerie Schèmes en Lille, Francia, en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo en Olympia, en Spinks, en el Kensington Town Hall y en el BBC Centre en Londres, en la galería Batey en Singapur, en la galería Madison en Los Ángeles y en muchos países de España. Ha participado en The Riverside Show, 01 for London, Artrage y otros programas artísticos en el Reino Unido, así como en programas de televisión en España.

Akira Amaya, nacida en 1987 en Japón, es una artista que se ha destacado en el mundo de la ilustración digital con un estilo distintivo que celebra la belleza y la ternura. Desde muy joven, Akira quedó fascinada por el poder de las imágenes para contar historias y crear mundos cautivadores. Creció en un pequeño pueblo pintoresco de Japón, donde a menudo se la encontraba con un lápiz en la mano, dibujando los paisajes y personajes de su rica imaginación.

A lo largo de los años, Akira ha desarrollado un estilo único, caracterizado por colores vivos, patrones lúdicos y una calidad 'cute' inimitable. Sus obras son una mezcla armoniosa de la cultura pop japonesa y de influencias contemporáneas, capturando a menudo momentos de alegría e inocencia.

A pesar de su reticencia a hablar de su formación académica, Akira ha demostrado claramente una comprensión profunda de las técnicas de ilustración digital. Ha sabido combinar su talento natural con un dominio técnico, lo que le permite crear obras tanto expresivas como técnicamente impresionantes.

Akira comenzó su carrera compartiendo sus creaciones en plataformas en línea, donde rápidamente ganó una base de fans dedicada. 

Akira Amaya sigue cautivando e inspirando con su estilo distintivo, demostrando que el arte digital puede ser tanto profundamente personal como universalmente atractivo. Su trayectoria es un testimonio del poder de la perseverancia, la creatividad y la pasión por el arte.

Alan es un artista independiente que comenzó como artista de guiones gráficos para una agencia de Londres, antes de regresar a sus raíces en el noreste para seguir una carrera en diseño gráfico. Aunque le gustaba trabajar en diseño para grandes clientes, a Alan siempre le encantó la ilustración. 13 años después, tras trabajar como tatuador, llegó a las puertas de Advocate Art. Desde que se unió a Advocate Art hace un año y medio, Alan ha tenido la oportunidad de trabajar en una variedad de proyectos, incluidas las novelas gráficas Ben 10 Omniverse para Viz Media, así como ilustraciones de libros infantiles para editoriales como Harper Collins y Watts. Puede disfrutar de muchos estilos dependiendo del cliente, pero con un gran interés en el mundo del cómic, se siente cómodo trabajando en obras gráficas y tiras cómicas atrevidas. Trabaja en un estudio en un ático con su fiel compañero, Ollie, el schnauzer miniatura (de tamaño miniatura, gigante en personalidad y apetito), y sus dos hijos Wilf y Teddy.

Traducido con DeepL.com (versión gratuita)

Alicia Patson, una ilustradora estadounidense de 38 años, se ha destacado en el mundo del arte digital encantado. Nacida en 1990 en los Estados Unidos, Alicia desarrolló una temprana pasión por el dibujo y la pintura digital. Su estilo único combina elementos de fantasía con un toque de realismo, lo que la hace popular en diversas esferas artísticas.

A lo largo de los años, Alicia se ha especializado en la creación de obras digitales que capturan la imaginación, a menudo inspirándose en la naturaleza y lo sobrenatural. Sus ilustraciones son famosas por su capacidad para transportar a los espectadores a mundos fantásticos, mezclando hábilmente el sueño con la realidad.

Actualmente, Alicia vive en San Francisco, donde continúa empujando los límites de su arte, mientras inspira a una nueva generación de artistas digitales.

Alida Akers es originaria del centro-sur de Kentucky, en los Estados Unidos. Nunca habría tenido la oportunidad de vender sus obras a coleccionistas de arte en Australia, Nueva Zelanda, Francia, España, Dinamarca, Reino Unido, Canadá, Japón y en otros estados de los Estados Unidos si no hubiera sido expuesta en Internet.
Recibí mi primera formación artística formal en la Western Kentucky University, donde obtuve un título en educación y bellas artes, con una doble especialización en pintura y dibujo. Recibí una formación artística de otro tipo durante mis estudios de posgrado en la Case Western University en Cleveland, OH, donde estudié ilustración médica.
Actualmente, dedico la mayor parte de mi tiempo en el estudio a tres series de pinturas diferentes. La primera, Ode to the Deco Cottage, se inspira en las fantásticas cerámicas art déco de la diseñadora británica Clarice Cliff. Estas pinturas están realizadas en acrílico sobre lienzo y presentan paisajes fantásticos con colores vivos. La segunda serie se titula Moorcroft Musings y se inspira en la pintura de la era Arts and Crafts y los primeros esmaltes de la cerámica Moorcroft. La tercera serie, titulada Storybook Cottage Series, está realizada en acuarela y se inspira en los libros de cuentos y las tarjetas de felicitación de época. Representa pequeñas cabañas con techos rojos que simbolizan el hogar y el refugio, ofreciendo un respiro pacífico del mundo exterior.

AMANDINE JUNG, MUCHO MÁS QUE COLOREAR, UNA AVENTURA, COMPARTIR Y UN TOQUE DE FANTASÍA…

Nacida en 1987, en Bretaña, en el país de las hadas y los korrigans, Amandine Jung se deja hechizar por los cuentos y leyendas, canciones infantiles disparatadas, los dibujos animados de todo tipo. Ella conserva su alma de niña en un mundo que imagina oscuro y poético. En su imaginación, el sol puede desaparecer para dar paso a la luna, Blancanieves puede morder una manzana perlada, y una pequeña musaraña vuela curiosamente en el cielo. Pasar de una simple imagen en la mente y lograr darle forma es un proceso creativo difícil. Amandine juega con la pintura, los trazos y sus ideas. Se nutre de la más mínima palabra, de una pequeña nota de música, de un suave olor especiado, del sonido de la lluvia cayendo sobre el suelo, de las hojas del otoño que cantan en los bosques bretones, de la luna que la hace soñadora, de la imagen más simple y su imaginación desbordante hace el resto.

Desde 2018, la artista se lanza al mundo del coloreado y revela un nuevo talento para la creación de libros de coloreado para adultos. En 2020 lanza su primer libro “Blancanieves, la Princesa Envenenada“, seguido en 2021 por “Cenicienta y el Baile de Halloween“, en 2022 “Pinups, Edición Especial 2022” marca el comienzo de su consagración, su nombre comienza a resonar en todas partes.

En octubre de 2022, para Halloween, Amandine Jung propone una nueva aventura con su primera novela “Crisálida, Cuento 1: El Coma Negro“. Nos hace viajar en un cuento poético y fantástico en el Reino de la Luna, un mundo sin sol dominado por la noche eterna.

Noviembre de 2022, en su tercer libro de coloreado, Amandine Jung se sumerge en el famoso cuento de Hans Christian Andersen. Esta vez, es entre la tierra y el mar que Amandine nos invita a viajar. A través de sus ilustraciones, impregnadas de su visión única y onírica, redescubre este maravilloso cuento de nuestra infancia: “La Sirenita”. Página tras página, mientras bailan pinceles y lápices, revive la encantadora y trágica historia de la pequeña Ondina, que inspiró muchos escritos, de ayer a hoy.

Autodidacta, me embarqué en la aventura de la ilustración hace poco.

Desde finales de 2019, colaboro con autores que desean ilustrar su libro y, en paralelo, también ofrezco dibujos que se inscriben en dos colecciones;

• la colección «de los Abrazos»
• y la colección «Un instante en el viento».

Todas las pinturas originales se realizan a partir de acrílico y acuarela. Las ilustraciones de las 2 colecciones se reproducen en papelería de Arte en forma de tarjetas, marcapáginas, cuadernos de bolsillo y en juguetes de madera (rompecabezas, dominós y memo) y se venden a través de un centenar de socios con los que trabajo.

Lanzo mi primer libro como editorial en noviembre de 2022. Para esta primera obra, que es un libro cooperativo, podrán descubrir la expresión de 24 autores que han escrito relatos inspirados en mis ilustraciones. Este libro estará destinado a la juventud, íntegramente fabricado en Francia y será en gran formato con 27 ilustraciones a página completa.

Deseo que la aventura pueda prolongarse por mucho tiempo, gracias por haber leído estas pocas palabras

Nacido en Buffalo, Nueva York, en 1945, Andy siempre ha tenido un amor por el arte y la creación de tierras de bienestar imaginativas. De niño, a menudo divertía a los niños del vecindario con sus maquetas de arcilla de ciudades con estructuras arquitectónicas únicas.

La pintura con los dedos en el jardín de infancia fue su primer y último encuentro con una formación artística formal y todavía hoy utiliza esta técnica para alisar y difuminar la pintura. El amor de Andy por el arte y la creatividad fue compartido y alentado por su tía, pintora y dibujante de arquitectura. Aunque tuvo trabajos no relacionados con el arte, como obrero siderúrgico, vendedor de seguros de vida, investigador de campo, gerente de alquiler de autos y vendedor de piezas electrónicas, esto no pudo sofocar la pasión y el deseo que Andy tenía de perseguir su sueño.

Alrededor de los treinta años, después de probar varias técnicas de mejora personal, Andy comenzó a tener sueños sucesivos de tierras increíbles de paz, belleza y tranquilidad donde se podía patinar en el paisaje sobre aire puro o elevarse en el cielo para ver la esplendor debajo. Había un follaje magnífico y único y una arquitectura increíble. Tuvo muchos de estos sueños, lo que lo llevó a compartirlos con el mundo a través de su arte. Fue a partir de sus sueños que pudo desarrollar su estilo único.

Una vez establecido su estilo, comenzó a mezclar su imaginación y experiencias. Veía algo y lo transformaba inmediatamente en su propio estilo original de paisaje de sueño. La técnica del glacis, que consiste en superponer finas capas de color, resultó ser la mejor para lograr este efecto de luz suave. Los colores parecen brillar desde dentro, lo que refuerza el aspecto onírico. Andy comenzó a exponer y vender sus obras gradualmente, al principio.

La demanda de sus obras aumentó hasta el punto que en 1991, dio el salto para convertirse en un artista a tiempo completo y no ha mirado atrás desde entonces. Viajar se convirtió en un medio agradable de descubrir nuevas ideas y vender sus obras. Su paleta se amplía a medida que viaja. Comenzó a pintar los cálidos colores de las rocas rojas de Arizona y los fríos colores tropicales de las playas de Maui.

La experiencia de nuevos lugares lo ha ayudado a profundizar su comprensión de la vida - su armonía, sus diversas formas de expresar la belleza, su cambio constante y el milagro de la energía subyacente.

Hoy en día, Andy es miembro de la National Acrylic Painters Association (NAPA), con sede en Inglaterra, y miembro de la Buffalo Society of Artists. Sus obras de arte están bien representadas.

La obra de Andy está en constante evolución, manteniendo esa calidad onírica. Si se le preguntara qué piensa de su pintura, respondería: "¡Mis sueños definitivamente se han hecho realidad!".

Creado a principios del siglo XX por los hermanos Max y Dave Fleischer, Fleischer Studios fue un pionero en el arte y la técnica de la animación. El estudio fue responsable de la creación y animación de algunos de los personajes más icónicos de la animación estadounidense, incluyendo a Betty Boop y Koko el Payaso. También es reconocido por haber animado a dos personajes de historietas extremadamente populares: Popeye (creado originalmente por Elzie Segar) y Superman (creado originalmente por Jerry Siegel y Joe Shuster).

Los artistas de Fleischer Studios no solo eran animadores, sino también innovadores. Famosos por su revolucionaria combinación de acción real con animación, sus ingeniosos dibujos animados con la célebre "pelota rebotadora", sus escenarios urbanos oscuros y a menudo surrealistas, así como sus caricaturas musicales que incluían imágenes de archivo de los artistas de jazz más populares de la época, entre ellos las primeras filmaciones de Cab Calloway. Además, fueron responsables de varias invenciones, como el rotoscopio de Max y el proceso "set-back". La influencia de Fleischer Studios sigue presente hoy en día en diversos ámbitos, desde los videos musicales hasta el karaoke y la animación japonesa.

Hola, me llamo Brigid. Soy una artista profesional a tiempo completo (es una frase que haría saltar de alegría a mi yo de doce años).

No soy muy buena escribiendo este tipo de biografías, así que pensé en responder algunas preguntas frecuentes que me hacen. Si tienes alguna pregunta para mí, no dudes en contactarme.

¿Fuiste a una escuela de arte?

Para mí, es un poco una pregunta de sí y no. Obtuve una beca para la Corcoran School of Art, pero desafortunadamente, no pude permitírmelo, incluso con esa beca. En su lugar, asistí a un colegio comunitario por un tiempo y también asistí al Maryland College of Art and Design. Aunque no obtuve un título, tuve en mi familia a artistas profesionales increíbles durante mi infancia. Mi tatarabuelo, George Bockius, tuvo una influencia considerable en mi desarrollo artístico. Mis padres también me apoyaron, y pude tomar clases de arte privadas durante mi infancia, donde aprendí todo sobre acuarela, óleo, acrílico y muchas otras cosas. Desafortunadamente, después de años de pintura tradicional, desarrollé una sensibilidad desagradable a los productos químicos, por lo que tuve que pasar al arte digital por el bien de mi salud. Aprender arte digital fue tomando cursos en línea, leyendo libros y practicando mucho. En 2016, me convertí en maestra de Corel Painter*, lo cual fue bastante genial.

¿Cómo empezaste?

Comencé mi carrera como diseñadora gráfica usando Corel Draw y Adobe Photoshop. Diseñaba documentos para sitios web y medios impresos, mientras continuaba mis estudios de arte en paralelo. Finalmente, descubrí el mundo de las licencias de obras de arte y me di cuenta de que podía usar mis habilidades de diseño gráfico para crear obras de arte que pudieran interesar a un mercado más amplio. Trato de crear colecciones de obras de arte diversificadas que cubran diferentes estilos y temas mientras sigo las tendencias y mantengo un atractivo coherente. ¿Y sabes qué? Aquí estoy, veinte años después, con una carrera exitosa en el campo de las licencias de obras de arte.

Probablemente te estés preguntando cómo gano dinero, ¿verdad?

Bueno, me gano la vida como artista diversificando los estilos y temas de mis obras y vendiéndolas de diferentes maneras.

Primero, vendo mis obras bajo licencia a fabricantes. De hecho, las empresas que fabrican objetos como rompecabezas, kits de puntos de diamante, calendarios, patrones de punto de cruz, joyas, ropa, decoración de interiores y muchas otras cosas, me pagan para usar mis diseños en sus productos. De ahí proviene la mayor parte de mis ingresos.

¡Pero eso no es todo! También vendo mis creaciones en mi tienda Etsy. Me he asociado con un impresor profesional para crear productos geniales como camisetas, bolsitas con cierre (perfectas para las bolsas de tarot), tazas de café, arte mural, camisas, artículos de cocina y bolsas tote. Cuando compras en mi tienda Etsy, estos artículos se entregan directamente en tu puerta.

*Corel Painter es un programa de pintura digital para PC y Mac. Es el primer programa de pintura digital del que me enamoré. Ahora pinto exclusivamente con Procreate en iPad.

Carissa comenzó a dibujar a una edad temprana, inspirándose en libros ilustrados, cómics y sus películas animadas favoritas. Estudió diseño gráfico y animación en Brisbane, Australia, pero se enamoró de la ilustración cuando trabajaba en su primer libro infantil. Ahora vive en Melbourne, donde le gusta explorar los cafés de las calles y ver caer las hojas de otoño, mientras hace todo lo posible para mantenerse abrigada. Pasa la mayor parte de sus días dibujando en su tableta o computadora, con una taza de café caliente y un buen podcast o audiolibro sonando de fondo. Aunque trabaja digitalmente, su obra de arte está inspirada en los estilos de ilustración tradicionales de los libros infantiles clásicos que leía cuando era niña. Le encanta crear personajes divertidos en escenarios coloridos y, si puede, normalmente intenta dibujar un gato o un perro en algún lugar de la página.

Soy un snorkaholic. La primera vez que me puse una máscara y descubrí el mágico mundo submarino de los arrecifes, quedé enganchado para siempre. Es la experiencia del esnórquel lo que realmente me abrió los ojos a la diversidad de la naturaleza en su conjunto. Siempre estoy inspirado por el asombroso color, la complejidad y la belleza de la fauna que he observado a lo largo de mis años de viaje en el Caribe. Mis imágenes están compuestas de elementos que un amante de la naturaleza podría encontrar durante un paseo matutino o una tarde de buceo en apnea.
Crecí en Inglaterra y, cuando era pequeña, tomé clases de arte privadas en el campo donde creé estudios detallados de la fauna y la flora en diversos medios. Mi padre, también artista, me inspiró y alentó desde el principio. Comencé a pintar cuadros del Caribe en 1992, para prolongar el recuerdo de mis visitas a las Antillas.


Tengo formación en diseño gráfico, lo que me ayudó a desarrollar mi sentido de la composición, un elemento importante en todas mis pinturas. En diseño gráfico/litografía, estaba limitado en mi uso del color. Pintar los trópicos me permitió liberar mi creatividad. Me gusta trabajar en grande. Rara vez trabajo por debajo de 18 x 24 pulgadas, y la mayoría de mis pinturas están en papel de acuarela de 22 x 30 pulgadas y de 300 libras.

Estoy comprometida con la educación sobre la naturaleza y la conservación, por lo que dono parte de mis beneficios a proyectos de preservación de la fauna y los arrecifes. Espero que mis obras decoren y hagan apreciar la increíble variedad y fragilidad de los biosistemas que pinto. La mayoría de las especies representadas aquí son autóctonas de las Antillas, y muchas de ellas están en peligro.

C.R.Bjork es un pintor acrílico "Colorista" nacido y criado en el sur de California, que firma su nombre CBjork en todas sus obras. Su arte es principalmente fantástico y pop-surrealista, pero también tiene aspectos americanos con algunos elementos de realismo. Comenzó su carrera artística pintando Beanie Babies que fueron presentados en numerosas revistas de colección. Posteriormente, se hizo conocido por sus obras postimpresionistas que representan California, la naturaleza, los animales, las escenas de Las Vegas y la expresividad de Halloween. Su arte del Tiki Hula ha sido uno de sus principales intereses, ya que le permite combinar muchas expresiones, con personajes divertidos y elementos de la naturaleza. Su arte del Tiki-Hula está inspirado en su propia imaginación. CBjork nació a mediados de los años 70 y creció amando Disney, así como series de televisión como Hechizada, Mi Bella Genio, Los Munsters y Los Pitufos, por nombrar solo algunas. El objetivo principal de su arte es entretener a los demás y entretenerse a sí mismo, vivir unas vacaciones con una simple pintura. Algunas pinturas tienen mucho significado, otras son simples escenas alegres. CBjork tiene muchos proyectos para el futuro en lo que respecta a sus colecciones de arte.
El estudio de CBjork está actualmente en construcción y se encuentra en su casa, en Ventura, California. Algunas de sus obras pueden ser admiradas localmente en Aloha en Main street.

Ciro Marchetti es un diseñador gráfico británico de origen italiano que, después de obtener su título en el Croydon College of Art, en Inglaterra, a mediados de los años 70, trabajó en Europa, América del Sur y en los Estados Unidos.
Desde 1992, está basado en Miami FL como presidente de Graform International, un grupo de diseño con oficinas afiliadas en Caracas y Londres.
Esta función lo lleva a participar directamente en varios proyectos y servicios, especialmente en materia de embalaje, identidad corporativa, impresión y multimedia, para varios clientes nacionales e internacionales.

Mi misión es crear obras de arte significativas que, espero, te inspiren.

Soy madre de cuatro hermosos hijos y esposa de Michael.

Vivo en un pequeño rancho en el sur de California con dos perros, cinco gallinas, un gallo y dos pavos.

Acepto pedidos para uso personal o comercial.

En los últimos años, he tenido mucho éxito al publicar mis obras en todo el mundo. Gracias a esto, he encontrado formas de compartir lo que Dios ha hecho en mi vida.

Algunas obras de arte terminadas actúan un poco como un diario escrito... describiendo lo que pensaba, sentía o rezaba. Alegrías, penas, expectativas - en cada una de mis obras.

En 1998, fui repentinamente golpeada por una enfermedad grave y me quedé ciega - es una larga historia, pero digamos que tuve un milagro. Me habían dicho que no viviría para ver a mi hija alcanzar la adultez y luego, por la gracia de Dios, y la intercesión de San Padre Pío de Pietrelcina, fui milagrosamente curada. Antes de eso, nunca había hecho arte propiamente dicho (excepto lo que uno hace cuando es niño o con sus propios hijos) - luego, después de mi curación milagrosa - Dios me condujo al trabajo que hago ahora. Él tenía un plan para mí. Si quieres la historia completa de mi milagro, no dudes en contactarme. <3

Dedico este sitio y mi trabajo a Cristo - quien me ha dado todos los éxitos y bendiciones y me ha permitido mantener a mi familia a través del trabajo que más amo.

Hola, me presento, Amandine de mi apodo Nini, tengo 33 años, mamá de dos hijos. Vivo en el sur de Francia.
He estado apasionada por la arteterapia desde hace 5 años, me gusta poner color a las ilustraciones ya sea con lápices de colores o acuarela. También me gusta el dibujo, me lancé en 2021 y he creado varios libros de colorear.

Cinthya Álvarez es una ilustradora de Asturias, en el norte de España. ¡Le apasiona la fantasía, la naturaleza y mucho más! Desde que se graduó en diseño gráfico e ilustración, Cinthya ha trabajado en diversos proyectos, convirtiéndose en una artista muy versátil. Cuando no está dibujando, la encontrarás buscando postales antiguas, leyendo historias de vampiros o saliendo con sus amigos. 

Hola, me llamo Daniel Rodgers,

Soy un ilustrador y artista independiente especializado en ilustraciones realistas. Como verás en este sitio, me gusta trabajar en temas variados, desde tarjetas de Navidad tradicionales hasta ilustraciones fantásticas y de ciencia ficción. Sobre todo, encuentro muy satisfactorio inyectar un elemento de historia en mi trabajo.

Vivo en Inglaterra con mi esposa y mis dos hijos.

Hola, soy Danielle Katz, la artista detrás de Colored Wings Studio. Siempre he sido apasionada por el anime y el arte digital, y con el tiempo, he desarrollado mi propio estilo que combina colores vibrantes, detalles intrincados y personajes expresivos.

Creo mis obras de arte utilizando IA y Photoshop, desafiándome constantemente para dar vida a ideas frescas e inspiradoras. Mi trabajo ha encontrado un hogar en DeviantArt, donde comparto mis creaciones con una comunidad creciente de fanáticos que aman el arte inspirado en el anime tanto como yo.

Hoy, estoy encantada de colaborar con Oraloa, que transforma mis ilustraciones en magníficos kits creativos. Es una sensación increíble saber que mi arte puede ser recreado de una manera tan única e interactiva.

Cuando no estoy trabajando en nuevas creaciones, me encanta explorar diferentes estilos artísticos a través del anime y los videojuegos, conectar con otros artistas y descubrir nuevas fuentes de inspiración. Mi objetivo es crear arte que resuene con las personas y despierte su imaginación.

Para mí, el arte es un lugar donde voy para perderme en un mundo de sueños. Mi mente se sumerge en una escena donde mis pensamientos egoístas no pueden ir y donde mi imaginación es libre. El tiempo se detiene porque siento que me dejo llevar a un lugar al que pertenezco" David Maclean

Se dice que o uno se convierte en artista, o nace artista. David Maclean nació artista. David, artista digital desde hace 15 años y artista tradicional durante los 25 años anteriores (pintura y pincel en un caballete), vive actualmente entre viñedos y huertos con su esposa Maryse, con quien está casado desde hace más de 30 años, y tienen tres hijos adultos. David está representado por una de las principales agencias de licencias de arte del mundo (con sede en Londres, Inglaterra), y se ha convertido rápidamente en uno de los artistas más solicitados en el último año. Sus obras ahora están presentes en todo el mundo. La madre de David recuerda muy bien ir a recogerlo después de su primer día de escuela para llevarlo directamente a una tienda de suministros de arte. Ella había visto lo que había creado en clase, con los ojos brillantes y orgullosos, y sabía que debía ayudarlo a seguir su talento. Pregúntale y te dirá: "Era su destino, él era un artista." Y eso es lo que pasó.

Dominic Davison nació en Londres en 1972 y ahora vive en Buckinghamshire, Reino Unido, donde se inspira para sus escenas idílicas y románticas. Ha estado creando arte durante muchos años y durante este tiempo construyó una base de seguidores leales, que ahora se extiende por todo el mundo.

Antes de unirse a MGL, trabajó como artista independiente y su trabajo se publicó en revistas como '3D Artist' y 'Advanced Photoshop'. Esto incluye tutoriales y galerías de doble página.

También escribe una columna habitual para '3D Artist'. Sus influencias son variadas e incluyen maestros del paisaje como Barend, Cornelis, Koekkoek, Ruisdael y Constable. Los artistas contemporáneos que lo inspiraron incluyen a Keith Melling, Charles H. White y Terry Redlin.

Sus hobbies incluyen el cine, los videojuegos, las galerías de arte y hacer música.

Elara Hartley es del Reino Unido, un país lleno de folklore y rica historia, que impregna su arte. Inspirándose en gran medida en los vibrantes mundos de la ciencia ficción, la literatura fantástica y el anime, Elara crea historias que se encuentran entre lo real y lo imaginario.

Su arte es un terreno de un conjunto de figuras cautivadoras, cada una con ojos grandes y expresivos. , que cuentan historias de mujeres poderosas que navegan por reinos de fantasía y escenarios futuristas. La presencia de animales, tanto míticos como domésticos, en sus obras, realza aún más el encanto narrativo, reflejando el afecto de Elara por la naturaleza.

Elara utiliza principalmente arte digital para sus creaciones. Comienza dibujando a mano o utilizando software especializado, explorando diferentes técnicas y estilos. Luego, podrá utilizar la inteligencia artificial para refinar y mejorar sus ilustraciones. La IA le permite agregar detalles precisos, experimentar con diferentes paletas de colores y realizar cambios sutiles que enriquecen sus obras. Este proceso le permite combinar su talento artístico con herramientas tecnológicas avanzadas para crear ilustraciones únicas y cautivadoras.

Aunque aún está emergiendo en el mundo del arte, el estilo distintivo de Elara y su tema consistente la convierten en una voz única. Continúa creando, acurrucada en su estudio rural, con su imaginación alimentada por su entorno, su vasta colección de novelas fantásticas y la compañía de sus mascotas.

Nací en Rusia. Mi padre era soldado, piloto de combate. Entonces, como habrás comprendido, nos movíamos mucho. Pasé mi infancia y juventud de un lugar a otro.
De Estonia a Letonia, incluso del Ártico a Ucrania y siete años en Siberia.

Vivo en Madrid (España) desde 2002. Mi marido es español y yo también amo este país.

Siempre he dibujado y pintado, desde mi infancia. Tuve este regalo. En 2004 también comencé a esculpir hasta que descubrí Photoshop. Desde entonces he trabajado exclusivamente en este campo. Creo que es un resumen de todo lo que he hecho antes.

¡La fotomanipulación es mi pasión pero también mi trabajo!

Graduado de la facultad de artes y diseño de la UNAM en México.
He trabajado en proyectos de Música (México y Luxemburgo), en proyectos educativos (México y Japón) y también, en portadas de libros (México, Estados Unidos y Francia). También he colaborado con autores en un libro infantil y recientemente, he ilustrado colecciones de poesía (Noruega y Suecia).
Mi universo artístico toma elementos de la astronomía, los sueños y la cultura mexicana. La condición humana y su relación con la naturaleza son temas recurrentes en mis dibujos, pero siempre con un enfoque onírico y melancólico.

Fabiana Attanasio es una ilustradora italiana que vive cerca de Roma, Italia. Se licenció en Ilustración en la Escuela Internacional de Cómics e ilustra libros infantiles y libros para colorear que han sido publicados en todo el mundo. Le encanta la sensación de los pinceles y los lápices, pero también trabaja con medios digitales. Ha ilustrado varios otros libros de la serie Mythographic, incluidos Paradise y Deep Blue.

Finbar Coyle es un ilustrador y diseñador de personajes de la costa este de Irlanda. Su temprana pasión por el arte lo llevó a estudiar animación en la Escuela Nacional de Cine de Irlanda, donde se graduó en 2007. Desde entonces, ha trabajado como diseñador de personajes para importantes estudios cinematográficos de animación en varias series de televisión infantiles. Su amor por la animación y el desarrollo visual está influenciado por héroes artísticos como Cory Loftis, Max Ulichney y Annette Marnat.

Su experiencia en diseño de personajes es evidente en su estilo de ilustración; personajes fuertes y conceptos de ilustración vívidos son su principal especialidad.

En 2020, Finbar empezó a trabajar como autónomo y se mudó a Alemania para trabajar como diseñador e ilustrador. Finbar ahora trabaja desde su estudio en Colonia y cuando no está ilustrando o dibujando, está ocupado aprendiendo alemán y dando largos paseos por el parque local para encontrar inspiración para su próximo dibujo o ilustración.

Soy una gran soñadora, el dibujo, el diseño gráfico entraron en mi vida como medio de expresión.
Me encanta entrar en mi universo, es como un paréntesis.

Después de mi bachillerato, tuve la suerte de estudiar arte, aproveché mi oportunidad para lanzarme, aunque no siempre es fácil, no me arrepiento.

La pasión de Gerald por el dibujo y la pintura comenzó desde la infancia.

Después de dejar la escuela, asistió a la North Cheshire School of Art and Design, en Inglaterra, donde estudió dibujo del natural, arte en general, cerámica y fotografía. Después de completar sus estudios, realizó un aprendizaje en imprenta y, aunque adquirió experiencia, decidió que no era exactamente la carrera que le convenía. Después de pasar algunos años trabajando por su cuenta como artista, decidió retomar los estudios a tiempo completo y se inscribió en la Universidad de Plymouth, en Devon, Inglaterra, donde estudió diseño gráfico. Luego estudió ilustración en la Universidad de Falmouth, en Cornualles, Inglaterra.

Durante sus estudios, ganó un concurso diseñando etiquetas de vino y realizó la portada de su primer disco. Tras completar sus estudios con honores, se estableció como artista independiente a tiempo completo. Su primer trabajo consistió en producir ilustraciones de portadas mensuales para una revista. Luego produjo una gran variedad de ilustraciones para editores de libros y revistas. Trabaja junto a escritores y poetas. Ha realizado portadas de discos para discográficas y músicos. Ha trabajado para empresas de marketing, organismos de protección de la naturaleza y atracciones turísticas, etc. En los últimos años, ha proporcionado a empresas de rompecabezas y juegos su arte colorido, detallado e imaginativo.

Soy un artista estadounidense autodidacta y trabajo desde mi estudio en Idaho Falls, Idaho. Desde 2006, vendo mis obras de arte en línea, en eventos y a través de productos con licencia.

Pasé mi infancia en el norte de California, donde descubrí mi pasión. Como muchos artistas, ¡siempre he estado obsesionado con dibujar y colorear! Todo iba bien cuando recibí un nuevo libro para colorear y una nueva caja de lápices de colores. El dibujo siempre ha sido parte de mí: mi primer trabajo independiente remunerado fue cuando tenía 11 años (un dibujo a lápiz de colores de un águila calva para el hijo de mi profesor de ciencias como regalo de cumpleaños); Yo era el artista dedicado en cada proyecto de grupo escolar; y después de la escuela, yo era la chica que llamaba a tu puerta tratando de venderte marcapáginas dibujados a mano por 50 centavos cada uno. Cuando no estaba en la escuela, haciendo la tarea o haciendo las tareas del hogar, dibujaba, escribía, leía o hacía algo. Soy un artista completamente autodidacta y recibí mi título asociado en Comercio en 2007. ¡Estoy encantada de poder compartir mi talento con el mundo y ganarme la vida con ello!

Mis obras originales son creadas por mano, a lápiz acuarelable y tinta sobre tabla de ilustración, utilizando materiales y técnicas tradicionales. Las dimensiones varían desde miniatura (2,5"x3,5" hasta 11"x14", aunque podría ser un poco más grande). A veces trabajo con acrílicos sobre madera, lo que me permite pintar un poco más grande y utilizar diferentes técnicas. También hago todos mis gráficos para Internet y uso de productos, produzco muchas de mis propias impresiones y productos de estudio, y publico mis propios libros para colorear y tarjetas coleccionables. Actualmente, otorgo licencias de mi obra de arte a empresas externas para su uso en productos como gráficos de punto de cruz, artículos de papelería, sellos de goma y más. ¡Me encanta poder presentar mis obras de arte en productos que sé que la gente usará y disfrutará!

Los fanáticos han estado coleccionando mis obras de arte en sitios como eBay y Etsy durante muchos años, y cientos de mis pinturas e impresiones originales se encuentran en muchas colecciones personales de todo el mundo. ¡Mis fans son muy importantes para mí, porque no estaría donde estoy hoy sin su apoyo! Espero un futuro maravilloso en el que tendré la oportunidad de obtener licencias de otros productos, ilustrar libros y pintar otros personajes y obras de arte divertidos para que todos disfruten :).

Comencé a pintar inspirándome en el paisaje cuando me mudé al campo, embarazada de mi primer hijo. Encontré un mundo por explorar, lleno de mujeres poderosas conectadas con la naturaleza que nos dejaron un mensaje. En mis pinturas, el ciclo vida-muerte-vida aparece como un recordatorio para conectarse con el proceso cíclico de la naturaleza; plumas, flores, cráneos y animales de poder inspiran mi trabajo.
En 2016, comencé a exponer en galerías en los Estados Unidos e hice varias exposiciones individuales, mis obras están en las casas de coleccionistas de todo el mundo, algo que me hace creer en lo que hago y continuar.

Bienvenue dans mon univers fantastique, un monde où l’imaginaire prend vie !

Chaque illustration que je crée est bien plus qu’un simple dessin : c’est une porte ouverte vers un ailleurs doux, vibrant et enchanteur. Mon art est une invitation à l’évasion, à la rêverie et à la reconnexion avec soi-même.

Profondément inspirée par les principes de l’Art Thérapie, je conçois chaque image comme un espace d’expression libre, un refuge visuel où les couleurs dansent avec les émotions. Ici, les teintes se mêlent aux sensations pour apaiser l’esprit, nourrir l’âme et offrir un moment de pause bien mérité dans le tumulte du quotidien.

J’espère que mes créations sauront toucher votre cœur, vous apporter sérénité, inspiration et émerveillement. Peut-être y trouverez-vous une part de vous-même, ou un souvenir, ou simplement un instant de bonheur suspendu.

Merci de faire partie de cette aventure colorée et magique !

Se graduó de la escuela secundaria de arte de Brno (1973) y de la AVU de Praga (1982).

En su trabajo, primero se centró en los cómics y las creaciones libres, luego en las ilustraciones de libros. Ha colaborado con varios editores checos y extranjeros, enfocándose en los géneros de ciencia ficción y fantasía.

Su trabajo está representado en las antologías de arte digital Spectrum, Expose, Exotique y Phantasia.
Con sus ilustraciones, también contribuyó a los libros "How to Draw and Paint Dragons" y "The Dragon Chronicles - Labyrinth of Fire".

Jasmine es una pintora tradicional en acrílico, que combina elementos de realismo con elementos fantásticos y surrealistas. Las referencias históricas y espirituales se mezclan con cuentos de hadas y la belleza de la naturaleza. Sus vírgenes de ojos líquidos, que son su sello distintivo, evocan una amplia gama de emociones y reacciones a las imágenes circundantes. Su objetivo es aportar un poco de magia e intriga al mundo ordinario con cada pintura!

Las imágenes de Jasmine aparecen en muchos libros y revistas, así como en innumerables líneas de productos derivados como Bradford Exchange, Hamilton Collection, las muñecas Ashton-Drake y sus líneas de productos Disney. Sus pinturas figuran en colecciones públicas y privadas en todo el mundo.

Jasmine nació en 1979 y comenzó a exponer profesionalmente en 1997.

Jody tiene un estilo de pintura diversificado que se ha desarrollado a lo largo de los años y miles de cuadros. Sus primeras obras eran encantadoras ilustraciones para niños que vendía en las exposiciones de arte del Noroeste para pagar sus estudios.

La técnica de acuarela de Jody es autodidacta. Su título de ingeniera se refleja en sus composiciones y demuestra el amor de Jody por las matemáticas y la geometría. Ella mezcla sin problemas estos elementos con sus visiones interiores imaginativas para crear su estilo único.

A menudo le preguntan por qué utiliza símbolos aborígenes, autóctonos y geométricos. Sus estudios permanentes le han llevado a descubrir muchas culturas antiguas y la belleza de sus diseños. Al trabajar respetuosamente con estas imágenes, Jody participa en el significado de nuestra historia y reintegra sus símbolos en nuestra cultura moderna.

Propongo que la humanidad comparte una realidad común, justo más allá del alcance de la vista normal. Las imágenes son emociones, aquellas que son invisibles pero sentidas... inaudibles pero conocidas. Hay momentos en los que tenemos una conciencia aguda de la existencia... como la sensación de exaltación cuando se está al borde de una montaña, o en la cima de una media luna. La aventura física de cada hombre es única, pero el lenguaje abstracto de los sentimientos, y nuestra realización de la existencia es nuestra experiencia común. Mis pinturas son parte de mi aventura personal. La memoria simplifica el decorado. Ya no veo el borde de la montaña, pero veo los sentimientos que ha suscitado.

El arte es una tradición que ayuda a definir quiénes somos y nos brinda una visión de lo que podemos llegar a ser. Mi pintura es mi expresión y mi demanda por un mundo más hermoso, más pacífico y más armonioso.

Les deseo una infancia sin fin,

John O'Brien nació en Filadelfia, Pensilvania, en 1953 y se graduó en el Philadelphia College of Art en 1975.

Durante su carrera, ha trabajado con muchas editoriales de renombre, ilustrando más de 100 libros para niños, 8 de los cuales también escribió.  Ha ilustrado publicaciones como The Wall Street Journal, The Washington Times, Global Finance y Worth, y ha contribuido a muchas otras colecciones, antologías y libros de texto.  También disfrutó de una larga relación con la revista Highlights for Kids, para la que creó numerosas portadas e ilustraciones de interiores.

John también tuvo una larga carrera como dibujante para numerosas revistas, incluida The New Yorker, para la que creó 17 portadas y más de 200 ilustraciones de interiores.  Sus dibujos también han aparecido en The New York Times, Esquire, Fast Company y Omni, entre otros.

John reside en Delran, Nueva Jersey, durante la primavera y el otoño.  En verano viaja a North Wildwood, Nueva Jersey, donde trabajó como salvavidas para la Patrulla de Playas de North Wildwood de 1970 a 2015. John pasa los meses de invierno en Miami, Florida.

Toca música tanto profesionalmente como para entretenimiento, principalmente Dixieland y Celtic.  Le gusta especialmente el banjo y la concertina, pero también toca el piano, el bajo y la guitarra.

John tiene una hija, Tess, que se graduó en LaSalle College en Filadelfia.

Comencé a pintar al pastel en 1985, como una progresión natural del dibujo, que practicaba desde que tengo memoria. Dos años después, me mudé a las Islas Caimán, donde viví con mi familia durante catorce años. Los colores del Caribe estimularon mis sentidos artísticos y me invitaron a capturar el mar turquesa y las bugambilias de color rosa brillante en papel y lienzo. La comunidad artística de las Islas Caimán me acogió, coleccionistas privados e instituciones compraron mis obras, y participé en numerosas exposiciones de artes visuales y exposiciones colectivas, ganando varios premios. Las Islas Caimán son un territorio británico dependiente y mi estatus dentro de la comunidad artística me dio la oportunidad y el honor de conocer a miembros de la familia real.

Comencé a usar acrílico hacia el final de mi estancia en las Islas Caimán, y ahora que vivo en Inglaterra, pinto casi exclusivamente con esta técnica. Los acrílicos combinan la fuerza del color con la simplicidad técnica, y gracias a su durabilidad, sé que cuando envío originales alrededor del mundo, llegan en perfecto estado.

Una de las ventajas de vivir en Europa es poder viajar a países como Italia y Francia. Me siento afortunado de haber podido pintar algunas escenas pastorales de la Toscana y la Provenza entre mis obras más típicamente tropicales para galerías del Caribe y coleccionistas en los Estados Unidos.

En 2013, comencé a pintar escenas de Kauai para exponerlas y venderlas a través de la Galería Palms. Fue un gran privilegio para mí ser seleccionado como el primer artista internacional de la galería, y no puede haber mejor inspiración para un artista que tener como tema los paisajes más naturalmente hermosos del planeta, y una galería en medio de todo eso donde sus obras pueden ser expuestas y apreciadas. Hoy, mis días comienzan con un lienzo en blanco frente a mí y con imágenes de impresionantes cascadas, montañas escarpadas, playas inmaculadas y palmeras que se balancean, que esperan ser pintadas.

Originaria de Iowa, Julia Catleen es una artista especializada en el arte digital, cuyo talento y pasión por las ilustraciones coloridas la han convertido rápidamente en una figura emergente en el mundo del arte contemporáneo. Nacida en 1997, Julia mostró desde muy joven una afinidad particular por el dibujo y la creación.

Desde su adolescencia, se inclinó hacia lo digital, un medio que le permitió explorar nuevas formas de expresar su visión del mundo. Las herramientas digitales le abrieron un infinito de posibilidades, permitiéndole mezclar técnicas tradicionales y modernas, creando así un estilo distintivo y reconocible entre mil.

Sus obras, a menudo impregnadas de una vibrante paleta de colores, cuentan historias que atraviesan géneros y épocas, combinando lo antiguo y lo moderno, lo real y lo imaginario. Su característica principal es sin duda su capacidad para evocar emociones intensas a través de la simplicidad de formas y la complejidad de los colores.

En 2023, a la edad de 26 años, Julia se unió a los artistas de Oraloa. La integración en este grupo le permitió ampliar su red y colaborar con otros artistas talentosos, enriqueciendo así su propio trabajo.

Además de su carrera como artista, Julia es también una ferviente defensora de la educación artística, convencida de que el arte digital ofrece oportunidades inigualables para la nueva generación. Regularmente organiza talleres y seminarios, compartiendo su conocimiento con los jóvenes talentos emergentes.

Hoy en día, Julia Catleen continúa empujando los límites de su arte, buscando constantemente evolucionar e innovar. Con el apoyo del colectivo Oraloa y el creciente reconocimiento de la comunidad artística, el futuro parece brillante para esta artista de Iowa con un talento indudable.

Julia Spiri es una artista con un estilo y talento únicos. Ella pone tantos detalles en cada dibujo que es muy agradable colorearlos y darles vida. Si te gusta el mundo de la fantasía y la magia, su arte es para ti.

Julia trabaja como artista independiente, y la pintura es su trabajo a tiempo completo. Julia tiene una licenciatura en bellas artes. Durante muchos años, ha pintado retratos e ilustraciones. Ha ilustrado una serie de libros para colorear y libros de cuentos para niños. Su estilo está influenciado por el arte fantasioso, el arte fantástico y el pop surrealismo.

Julia vive cerca de Barcelona en España, y tiene 3 grandes pastores alemanes.

Julianne Pacers nació en la ciudad animada de San Francisco, California, en 1992. La cultura artística dinámica de la metrópoli y la proximidad de maravillas naturales como el océano Pacífico y las montañas de Sierra Nevada la han influenciado profundamente desde una edad temprana. La mezcla de la vida urbana y la esplendor natural se ha convertido en un tema recurrente en sus obras, transformándola en la artista que es hoy.

Formación
Julianne llevó su pasión por el arte a un nivel superior al asistir a una prestigiosa escuela de arte en los Estados Unidos, donde se especializó en ilustración y pintura. El riguroso programa de la escuela y el mentoría de artistas consumados la ayudaron a perfeccionar sus habilidades y le inculcaron un profesionalismo que se refleja hoy en sus obras.

Estilo artístico
El estilo único de Julianne combina su pasión por los animales con su sentido de la ilustración. Es conocida por sus retratos detallados que no solo capturan la apariencia física de los animales que pinta, sino también su espíritu y personalidad. Sus obras a menudo integran elementos de su hábitat natural o fondos abstractos que atestiguan la resonancia emocional del sujeto.

Julie Courchesne se inspira en los placeres sencillos de la vida. Crea obras que evocan la memoria de una época y que te hacen sonreír. Además, la fusión del dibujo y la pintura aporta una perspectiva única a las pinturas. Todas sus obras presentan un aspecto de ligereza, de efecto boceto y cobran vida con colores vivos y texturas únicas.

Desde su primera infancia, el arte ha sido parte de la vida de Julie y fue durante su carrera en la escuela secundaria que tomó sus primeras lecciones de pintura al óleo. Con el tiempo y los estudios universitarios, el arte y la pintura quedaron temporalmente de lado. Sin embargo, al finalizar sus cursos volvió a su pasión y exploró un nuevo medio, el acrílico, que todavía utiliza hoy.

Para Julie, su verdadero crecimiento es el resultado de una visita. a una galería de arte en la ciudad de Quebec en 2013. Inmediatamente se sintió atraída por este campo artístico. A partir de entonces la pintura ocuparía un lugar muy especial en su vida. Desde entonces, ha utilizado un método autodidacta y pinta a diario.

Julie es una artista apasionada para quien una vida sin pintura sería inimaginable, gris y vacía. El arte le da equilibrio en su vida diaria y utiliza este apego para liberar su creatividad y expresar sus emociones. Esta llama, que el arte representa a sus ojos, le permite escapar, detener el tiempo y vivir plenamente el momento presente.

Kovallino es un artista japonés especializado en el dibujo manga. Nació el 3 de enero de 1978 en Kumamoto, Japón. Comenzó su carrera en la industria del manga en 1994 al presentar historias cortas para un concurso organizado por una famosa revista japonesa. Ganó el concurso y comenzó a publicar historias cortas en muchas revistas alrededor del mundo.

Mi nombre es Lisa Hudson, una artista digital australiana de 29 años. Desde muy joven me fascinó el arte y la tecnología, lo que naturalmente me llevó hacia el mundo del arte digital. Mi amor por los animales es a menudo una fuente de inspiración para mis obras. Creo imágenes que capturan no solo la belleza y el espíritu de los animales, sino también escenas que reflejan su interacción con el mundo natural.

Me apasiona especialmente el potencial del arte digital para crear conciencia sobre la conservación de la vida silvestre. A través de mis creaciones, busco establecer una conexión emocional entre el público y el mundo animal, con la esperanza de crear conciencia y un mayor respeto por nuestro entorno natural.

Mi viaje no es solo una búsqueda artística, sino también un viaje personal que me permite explorar y celebrar la profunda conexión que compartimos con todas las formas de vida.

Lucia van den Berg, originaria de un pequeño pueblo de los Países Bajos, descubrió su amor por el arte en su infancia, inspirada por los magníficos campos de tulipanes y los molinos de viento que rodeaban su casa. Los colores vivos y la belleza tranquila de su patria se convirtieron en una fuente constante de inspiración para su arte. Las representaciones encantadoras del campo holandés de Van Gogh la influyeron profundamente, al igual que los complejos motivos y el simbolismo de las obras de Gustav Klimt.

Sin embargo, la pasión de Lucia por el arte no se limitaba a los paisajes locales. De joven adulta, emprendió numerosos viajes, explorando diversos paisajes alrededor del mundo. Sus obras, creadas principalmente con lápices de madera y a veces combinadas con arte digital, reflejan los diversos entornos que encontró.

Su obra "Macaw Family" se inspira en su estancia en América del Sur, donde fue cautivada por los colores vibrantes y los sonidos de la jungla. "Mountain Escape" y "Field of Fragrance" dan testimonio de sus viajes a Canadá y Francia, respectivamente, mientras que "Sakura no Tancho" fue inspirada por una visita a Japón, donde se enamoró de la belleza serena de la arquitectura japonesa tradicional y de los árboles simbólicos que son la grulla y el cerezo en flor.

A pesar de su talento, Lucia sigue siendo una artista relativamente desconocida. Siempre ha preferido la tranquila soledad de sus viajes y la comodidad de su pequeño estudio en los Países Bajos a los reflectores. Continúa viajando y creando, impulsada no por el deseo de reconocimiento, sino por la alegría de capturar la belleza del mundo en su arte. Sus obras, que son instantáneas de un tiempo y un lugar, son apreciadas por aquellos que tienen la suerte de encontrarlas.


País de origen: Países Bajos

Influencias: Vincent Van Gogh, Gustav Klimt, su herencia neerlandesa, sus viajes y su pasión por la exploración del mundo natural.

Makiko nació en Nagoya, Japón. Después de estudiar diseño en la Universidad de Chicas de Nagoya, trabajó como diseñadora independiente para varias empresas de impresión textil.
Fue a Estados Unidos para estudiar inglés y diseño gráfico, donde conoció a su esposo y se estableció en Bélgica desde entonces. Siguió el curso de ilustración mientras criaba a su hijo.
Desde hace casi 25 años, trabaja como ilustradora independiente para tarjetas de felicitación y publicaciones para niños en Europa y Japón.
Le gusta la naturaleza y los animales, y su inspiración proviene del movimiento inocente de los animales y los niños. Y para ella, los animales son un buen medio para transmitir un mensaje y una emoción.
Le gusta ser parte de este mundo mágico.

Maria Chetkareva es una ilustradora que se distingue por su capacidad para crear mundos mágicos y de ensueño que capturan la imaginación. Gracias a su talento para las paletas de colores vivos y su estilo complejo, sus obras ofrecen una visión de lo místico, provocando un sentimiento de asombro y admiración.

Desde una edad temprana, Chetkareva mostró un gran interés por el arte, sumergiéndose a menudo en el dibujo y la pintura. Sus padres, ambos artistas, desempeñaron un papel crucial en la adquisición de sus habilidades. Su amor compartido por la narración le permitió adquirir una profunda apreciación de las historias, que más tarde se convertirían en la columna vertebral de su ilustre carrera.

Después de la escuela secundaria, obtuvo un título en bellas artes, perfeccionando su arte bajo la tutela de algunos de los mejores artistas de la industria. Tras graduarse, la Sra. Chetkareva se embarcó en la ilustración profesional, fusionando su pasión por el arte y la narración. Canalizó sus visiones únicas en la creación de ilustraciones elaboradas que transportan sin esfuerzo a los espectadores a diferentes dominios.

Marie Antoinette es una joven artista filipina nacida y criada en Manila. Desde una edad temprana, mostró un gran interés por el arte y pasó la mayor parte de su tiempo libre dibujando y pintando. Después de graduarse de la escuela secundaria, Marie Antoinette decidió continuar sus estudios en una escuela de arte renombrada en Filipinas, donde estudió técnicas de ilustración y pintura.

A lo largo de los años, Marie Antoinette desarrolló su propio estilo distintivo en ilustración, combinando influencias tradicionales filipinas con estilos modernos y contemporáneos. Rápidamente se hizo un nombre en la industria de la ilustración para adultos y niños, y ha trabajado en numerosos proyectos para clientes locales e internacionales.

Marie Antoinette es conocida por su atención al detalle y su capacidad para capturar la esencia de una historia o personaje a través de sus ilustraciones. También es conocida por su trabajo con colores vivos y brillantes, que atraen la atención de los niños mientras cautivan la imaginación de los adultos.

Además de su trabajo como ilustradora, Marie Antoinette también está activa en la comunidad artística filipina y trabaja con organizaciones para ayudar a promover las artes y la educación artística. También organiza talleres de ilustración para los niños locales para alentarlos a seguir sus pasiones artísticas.

Hoy en día, Marie Antoinette es considerada una de las ilustradoras más talentosas y prometedoras de la escena artística filipina, y continúa inspirando y maravillando a la gente con su trabajo creativo y colorido.

Ilustradora, artista pintora, poetisa... ¡Soy polifacética, artista alegre y llena de color en el alma! Después de estudios literarios, y luego de obtener mi maestría en Enseñanza, me redirigí hacia mis pasiones de infancia para dedicarme completamente a ellas. Fue durante mi primer permiso parental que retomé el dibujo, para la gran felicidad de mis dos hijos.
Autodidacta, he explorado muchísimas técnicas y dibujado mucho, para luego crear "a mi manera".
¿Mi estilo? Cercano al arte naíf... ¡Es colorido, vivo, lleno de contrastes, deliberadamente desproporcionado, mágico, a veces divertido, a veces poético! Gran amante de los animales, me encanta representarlos... y en particular a Mimie, mi pequeño gato blanco y negro, que se ha convertido en la efigie de mi empresa y de mi marca "Marion-nette Illustrations", creada en 2017.
Cada una de mis ilustraciones son imaginadas y creadas con mucho amor y pasión. A menudo digo que mi arte, «es la expresión de mi corazón que desborda». Más que una simple imagen, es una herramienta poderosa de transmisión de valores y recursos.
A veces, atravesamos momentos difíciles, y es entonces cuando particularmente necesitamos ternura, aceptación, perdón, alegría, destellos y ojos que brillan. ¡Eso es lo que deseo transmitir a través de mis ilustraciones!
Hoy, estoy feliz de poder compartirlas con ustedes, a través del diamond painting, el punto de cruz, el pixel hobby Oraloa, y los rompecabezas.

Amante de las artes desde mi más tierna infancia, fue de manera natural que me dirigí hacia la ilustración para la literatura juvenil, con el fin de hacer viajar a pequeños y mayores con la punta de mis lápices. 

Muy curiosa, infinitamente soñadora, un poco afortunada...

He disfrutado aprendiendo y practicando muchas técnicas diferentes, acuarela, pastel, collage, tinta china, fotografía... y muchas otras que me ofrecen un horizonte bastante amplio. 
Me gusta combinar varias técnicas, porque en materia de Arte como en la vida no hay mayor fuerza que la mezcla.

Melanie Oliveira, nacida en 1997 en el corazón de Suiza, siempre ha estado apasionada por el arte y la expresión. Desde muy joven, encontró su voz en las diferentes formas de arte que encontró. Su trayectoria en el mundo de la creatividad ha sido tanto fascinante como única.

El amor de Melanie por el arte se desarrolló durante sus años de formación. Animada por sus padres amantes del arte, estuvo expuesta a diversas formas de arte, incluyendo la pintura, la escultura y las artes digitales. Sin embargo, su fascinación por los retratos artísticos la distinguió de sus compañeros. Capturar los detalles complejos del rostro y del alma humana a través de su arte se convirtió en su pasión, llevándola a dedicar su vida a ello.

Michael David Ward es un artista y escritor japonés-estadounidense con experiencia en la industria de alta tecnología. Artista consumado en varios géneros, es también diseñador gráfico e industrial. Además de sus actividades artísticas, Michael es un escritor de ciencia ficción y fantasía.

Ha creado numerosas imágenes conmemorativas para Paramount Studios, Lucas Arts y New Line Cinema sobre franquicias icónicas como Star Trek , Star Wars y Lost in Space . Sus obras de arte y diseños de personajes han sido licenciados por muchas empresas para diversos productos. Su trabajo también ha aparecido en numerosas revistas, incluida Heavy Metal Magazine , y ha ilustrado portadas de libros. Sus pinturas originales y sus grabados de edición limitada se coleccionan en todo el mundo y se han exhibido ampliamente en galerías y exposiciones en Estados Unidos, Europa y Japón.

Sus obras están incluidas en las colecciones de celebridades como Gene Roddenberry, George Lucas, Jeff Bezos, William Shatner, Leonard Nimoy, Nichelle Nichols, Jonathan Frakes y muchos otros actores y compañías. Michael también fue seleccionado como artista destacado en una serie de exposiciones llamadas Marine Art Expos , en asociación con la Sociedad Cousteau, que tuvieron lugar en Monterey, California y Maui, Hawaii.

Algunos de sus trabajos se han visto en programas de televisión como Third Planet from the Sun , Star Trek 25th Anniversary Special , el documental Trekkies e incluso apareció en la atracción Star Tours en Disneyland. Su trabajo también llamó la atención de 20th Century Fox y MGM Animations, donde algunas de sus creaciones fueron adquiridas como propiedades de entretenimiento.

Michael continúa ilustrando y escribiendo, participando en muchos proyectos creativos. Su filosofía: ¡La creatividad es intrínseca a nuestro ser!

"Marianne Berger, también conocida como Mine Azimutée, es una ilustradora francesa independiente. Comenzó en 2008, pero su pasión por el dibujo se remonta a mucho tiempo atrás...

¡Tan pronto como pudo sostener un lápiz! Entró en el mundo de la ilustración dibujando libros infantiles, y hoy trabaja para una amplia variedad de clientes y medios: edición infantil, ilustración textil, creación de logotipos, retratos personalizados para particulares, etc.

Según Marianne, cuando tienes la oportunidad de hacer este trabajo, puedes diversificar constantemente tus proyectos creativos y, por lo tanto, ¡estar feliz de levantarte cada mañana para dibujar! Seguramente su amor por los animales y la naturaleza ha influido en su estilo gráfico, que ella misma define como “suave y poético... siempre con un pequeño toque de humor”.

Y cuando deja los lápices, Marianne se dedica a su segunda pasión, ¡el Karate! "

Valérie Moigne alias Misstigri es una artista independiente con sede en Nantes donde también tiene una pequeña tienda.
Después de un Bac F12 en artes aplicadas y un BTS en Arquitectura de interiores, continuará con un ciclo largo en Bellas Artes con opciones de diseño. A pesar de un intento en arquitectura, su pasión por la imagen prevalecerá y la llevará a establecerse como diseñadora gráfica independiente en 2000. Este trabajo, dirigido por las restricciones de los clientes, la llevará a buscar una vía de escape comenzando a pintar, y dará nacimiento a personajes femeninos que se convertirán en su marca de fabricación "Las Misstinguettes".


Hoy en día, tanto diseñadora gráfica, ilustradora y pintora, obtiene su inspiración tanto de la pintura con influencias como Klimt, Mucha, Shiele o Pignon Ernest, como del cómic a través de Bilal, Manara, Dautremer, o incluso la moda (Lacroix, Gaultier o Miyaké,…) y el cine de animación (Burton, Miyazaki,…).


Su técnica comienza primero con la elaboración de un boceto que luego reproduce a la escala del lienzo. Como una maestra de escuela, construye con tiza las líneas principales del dibujo. Retoca, iguala y luego borra con el reverso de su bata todo lo que perturba la legibilidad... La base está en su lugar.
La piel, la ropa, el cabello y luego las sombras gruesas en acrílico. Las sombras precisas, los volúmenes y los matices al pastel muy graso. Un pequeño toque de precisión para los acabados con posca (rotulador de gouache) y pintura 3D (tulip). Si la señorita que cobra vida se lo pide, adorna su atuendo con plumas, encajes o cintas...


Hoy ha adquirido una gran notoriedad y es considerada como una referencia por derecho propio por muchos...

Monica Morisson, ilustradora originaria de Manitoba, Canadá, nació en 1985. El recorrido artístico de Monica comenzó desde su infancia, siendo su potencial artístico evidente desde el principio. Las horas interminables pasadas dibujando y pintando, asociadas a un talento innato y un sentido agudo del detalle, hicieron evidente que sus habilidades superarían con creces los límites de un simple pasatiempo.

El trabajo de Monica se distingue por su comprensión innata del asombro infantil y su capacidad asombrosa para representar emociones y relatos complejos mediante elementos visuales simples pero cautivadores. Sus creaciones son a menudo descritas como fantasiosas, vibrantes y llenas de una energía palpable, evocando un sentimiento de encantamiento.

La artista Nadezhda Strelkina nació y creció en el pueblo de Fedoskino, cerca de Moscú. Strelkina es su apellido de casada, mientras que en su juventud se llamaba Burbysheva. La familia Burbyshev dio varias generaciones de artistas famosos a Fedoskino. A finales del siglo XIX y principios del XX, el bisabuelo de Nadezhda poseía una pequeña fábrica llamada Taller Burbyshevskaya, que producía tabaqueras de laca pintada, estuches de cigarrillos de plata, copas, etc. La revolución de 1917 hizo imposible el emprendimiento privado y el "taller de los Burbyshevs" cerró sus puertas. Sin embargo, la dinastía de Zakhar Timofeevich Burbyshev fue perpetuada por sus hijos, Semyon y Dmitry, quienes fueron los principales artistas del artel Fedoskino en la época soviética. El padre de Nadezhda Strelkina, Viktor Semyonovich Burbyshev, estaba entre los mejores artistas de la fábrica de miniaturas de Fedoskino y trabajó allí durante más de 40 años. Graduada de la escuela de pintura en miniatura de Fedoskino, Nadezhda también continuó la dinastía de artistas.

Su talento para la pintura se manifestó muy temprano. Ella considera que sus principales maestros en el arte son los antiguos maestros clásicos. Inspirada por ellos, así como por los cuentos de hadas y las leyendas espirituales rusas, crea imágenes que despiertan en el espectador sentimientos benevolentes y luminosos. El estilo artístico de Nadezhda es único y hace que sus obras sean inmediatamente reconocibles. Su manera de pintar es muy delicada y es famosa por su representación suave y delicada de los rostros, como si irradiaran desde el interior. Es la encarnación del ideal ruso de la belleza femenina. Las obras de Nadezhda Strelkina se conservan en el museo de la fábrica de Fedoskino y en muchas colecciones privadas en Rusia y en el extranjero. En 1997, las obras de Nadezhda fueron comercializadas bajo licencia en los Estados Unidos y adquirieron de inmediato una inmensa popularidad. La mayor sociedad de recuerdos "The Bradford Exchange" lanzó una serie de cajas de música, platos de porcelana, decoraciones de árboles de Navidad, etc., llamada "Sinfonía de ángeles". Por esta serie, Nadezhda recibió la copa de cristal "Nuevo nombre del año".

Desde entonces, Nadezhda colabora con diversas empresas. Sus obras pueden verse en diversos productos (tarjetas postales, calendarios, rompecabezas, decoraciones de árbol de Navidad, platos de colección, cajas de música, etc.) en prácticamente todos los países del mundo. Gracias a la posibilidad de ganar dinero vendiendo sus imágenes bajo licencia, Nadezhda pudo no vender los originales de sus obras de arte y, habiendo acumulado una gran colección, pudo realizar su viejo sueño: abrir su propio museo privado en la patria de las cajas de laca rusas, en el famoso pueblo de Fedoskino. La colección del museo incluye más de 40 obras de miniaturas de laca (cajas, cofres, paneles murales), creadas por Nadezhda en los últimos 20 años.

DE DÓNDE VENGO

Soy pintora autodidacta. Comencé a pintar al óleo explorando diferentes técnicas. Al no descubrir lo que buscaba, continué dibujando para mi propio placer y me volqué hacia el diseño gráfico durante más de 20 años, donde exploré diferentes estilos visuales. Fue allí donde apareció mi estilo. Este cambio me llevó a regresar al campo y dedicar mi tiempo a mi vida familiar.

LO QUE ME INSPIRA

Este otro camino me permitió encontrar un estilo de expresión artística que refleja mi lado colorido, espontáneo y suave. Inspirada por el reino animal y el humano, me gusta pintar mis temas en un decorado de movimiento y vegetación muy colorida. Un decorado que maravilla y transporta al sueño, a través del universo mágico que emerge de él. Deseo tocar esa chispa de magia presente en cada uno.

POR DÓNDE EMPIEZO

Mis obras siguen estos pasos de realización: comienzo produciendo un dibujo automático, luego me dejo inspirar por la gama de colores a utilizar y finalmente, termino con un trazo negro en tinta china.

ESTILO ARTÍSTICO

Mi arte oscila entre el Pop Art, lo psicodélico y el arte naíf. Mis obras expresan la Alegría y nos despiertan al Espacio del vacío por sus colores vivos aplicados en plano con pintura acrílica. Estimo que los trazos negros que rodean cada forma crean una distracción para la mente, que genera una calma interior. Según yo, los trazos negros representan el 0,001%* de nuestra realidad material, mientras que los colores en plano son el Espacio. Creemos estar separados del Espacio cuando la separación es solo una ínfima parte de la realidad, tal como la entendemos.

CARACTERÍSTICAS

Mis obras se distinguen por la ausencia de segmentos rectos y la presencia de movimiento continuo. Contienen una multitud de formas, que van desde círculos, muchos de los cuales son concéntricos, hasta corazones y flores que se combinan para formar diferentes símbolos míticos.

* Según la física cuántica nuestra realidad material representa solo el 0,001%, el 99,999% es el Espacio del vacío cuántico, es decir, lo ilimitado.

« ¿Qué decir de mí ?

Nací en Bélgica, donde todavía resido.

Mi gusto por la creación y el dibujo me viene de mi madre, quien me inició desde joven en diferentes pasatiempos creativos y la lectura.

Una vez que empecé a dibujar, no paré. Garabateé en todo y cualquier cosa, incluso en mis hojas de clase.

Mis influencias son numerosas : El cómic y un poco más el universo del manga, los videojuegos, el cine y las series, y por supuesto, mis lecturas. Soy una apasionada de los cuentos, mitos y leyendas que son fuentes inagotables para mi imaginación.

En cuanto a mis estudios, comencé con un año en dibujo antes de continuar en las artes digitales, de las cuales soy graduada.

Pero posteriormente, me centré en la ilustración y el cómic donde puedo imaginar mejor, expresarme y sentirme yo misma.

En cuanto a mi trabajo, aunque coloreo la mayoría de mis ilustraciones por ordenador, sigo siendo una usuaria incondicional del formato papel para mis bocetos, y a veces pruebo con la acuarela.

No sé qué más decir, espero que mi trabajo os toque y os guste.

Agradezco a Oraloa por la nueva experiencia y la aventura que me ofrece con esta colaboración.

Hasta pronto,

Naruokami »

Nathalia es una artista brasileña nacida en Brasilia y criada en una familia de artistas. Creció admirando el arte de su madre, quien era pintora y escultora, y comenzó a dibujar y pintar desde muy joven.

Después de obtener su diploma de la escuela secundaria, Nathalia decidió seguir su pasión por el arte estudiando ilustración en la universidad. Perfeccionó sus habilidades en dibujo, acuarela y pintura, y desarrolló un estilo único.

El arte es la herencia de Natasha Wescoat, originaria de Michigan y proveniente de una familia de artistas, incluyendo a la pintora Georgia O'Keefe. Natasha comenzó a pintar con acrílico a tiempo completo en 2004, después del nacimiento de su segundo hijo. Desde el inicio de su carrera, ha vendido más de 1,000 obras originales a colecciones privadas y profesionales en todo el mundo. Sus obras han sido presentadas en el programa Extreme Makeover: Home Edition y la exitosa comedia "The Middle", así como en películas de Hollywood como "Marley & Me".

Su trabajo es objeto de enseñanza artística en todo el mundo, desde el jardín de infancia hasta la universidad, y la historia de su carrera ha sido citada en el bestseller del New York Times y del Wall Street Journal "Crush It", en la revista The Professional Artist y en el documental de WCMU sobre Michigan "One Person, One Idea".

Natasha también ha sido invitada como conferenciante/artista en eventos nacionales como SXSW Interactive, TEDxDetroit y Thriving Artist Summit. Natasha expone regularmente sus obras en galerías a lo largo del país y el mundo, desde lugares prestigiosos como el Ritz-Carlton hasta galerías populares de la costa oeste como Thinkspace, 111 Minna gallery. Su trabajo está licenciado para artículos del hogar y objetos de colección, disponibles en tiendas como Macy's, Nordstrom, Target, Bed Bath & Beyond, y muchas más. Natasha es ambiciosa en todas sus empresas creativas, ya que también es la fundadora de la Art Career Academy y autora de su primer libro para niños, "Charlotte Lively and The Not-So-Wicked Witch" (Charlotte Lively y la bruja no tan malvada).

Nicky Boehme, originaria de California, siempre supo que la pintura sería su vocación. Dibuja y pinta desde que era niña. Nicky recibió formación artística técnica en el Oakland Art Institute en California y posteriormente se convirtió en directora artística para varias agencias de publicidad nacionales. Fue en esa época que recibió numerosos premios por sus obras de arte, grabados y carteles como ilustradora y diseñadora gráfica.
Sus años de experiencia en pintura le han permitido adquirir conocimientos en iluminación dramática y la capacidad de transportar al espectador a un lugar particular a través de sus obras de arte, impresiones y carteles. A través del ojo de la mente, las pinturas de Nicky Boehme te llevarán a una aventura romántica, ya sea un pequeño puerto aislado o un refrescante arroyo de montaña.
Como artista miembro de la American Society of Marine Artists, Nicky Boehme participó en la 8ª exposición nacional patrocinada por el Mariner's Museum de Newport News, en Virginia. Sus obras de arte, grabados y carteles forman parte de numerosas colecciones privadas y empresariales en todo el país.

Fanny Offre es diseñadora gráfica por computadora, ilustradora y autora de varios álbumes infantiles. También produce tarjetas, pintura sobre lienzo, pintura sobre tela, joyería, etc.
Se presenta en su sitio: "Pies en la tierra, cabeza en las nubes y lápiz en mano.
Graduado en infografía desde 2015, soy sobre todo autodidacta y un experto en todos los oficios.
Me divierto con las técnicas: lápices, pintura, tinta, acuarela y digital. A menudo utilizo materiales para crear mundos diferentes, tanto oscuros como coloridos.
...tras ilustraciones que cuentan historias, historias que buscan ilustraciones...
Es bastante natural y obvio que recurra a la literatura infantil que amo desde hace mucho tiempo.

Nacida en Leningrado en 1966. Olga Suvorova es hija del Artista de Honor de la RSFSR Igor Suvorov. Es representante de la dinastía de artistas Suvorov, que incluye a las tres generaciones de artistas de San Petersburgo: el padre de Olga, Igor Suvorov, Natalia y la hija de Olga, Ekaterina.

En 1998, Olga Suvorova se graduó en la Academia de Artes de San Petersburgo, que lleva el nombre de Ilya Repin, y en el taller de A. Mílnikov.

Olga Suvorova creó su propio estilo de pintura: retratos históricos disfrazados de personajes al estilo de diferentes épocas, como el Renacimiento y el Rococó. Su obra recuerda al movimiento de arte popular del siglo XX en San Petersburgo, "Mir Iskusstva" ("El mundo de las artes"), que se inspiró en el arte y la cultura del siglo XVIII.

El artista participa constantemente en exposiciones en Rusia y en el extranjero. Sus obras se encuentran en colecciones privadas en Inglaterra, Estados Unidos, Alemania, China, Rusia y otros países.

Soy un artista...

Eso significa que vivo en un mundo fantástico, poblado de expectativas poco realistas...

Aquí estoy entonces...

A veces pintor, a veces ilustrador

Pero creador en cada instante...

Cada día es un magnífico viaje animado por la pasión...

Y para concluir con estas palabras:

"Sueño mi pintura y luego, pinto mi sueño" (Van Gogh)

Bienvenido a mi universo

Line P.

El artista automotriz Bruce Kaiser ha sido un apasionado de dibujar, dibujar, diseñar y pintar automóviles desde que podía sostener un lápiz. Le encanta pintar hot rods, drag cars, muscle cars, deportivos, Indy y Fórmula 1. cualquier tipo de coche, siempre que sea fresco, ruidoso y rápido. Creció en los años 60 en el autocine local A&W, primero en su bicicleta y luego con sus primeros autos. Era la época dorada de los grandes autos musculosos en Detroit y las vistas y los sonidos de los autos calientes bajo las luces de una hamburguesería local todavía influyen en Bruce hoy. Bruce se esfuerza por capturar en sus pinturas estas perfectas noches de verano tal como las recuerda. La pista de drag local celebraba carreras de drag los viernes por la noche y pasó muchas noches allí tratando de capturar la emoción de los coches divertidos y los corredores de drag de los años 60 y 70 bajo las luces, en películas y ahora con pinceles y pintura. Sus pinturas representan grandes autos musculosos y hot rods como GTO, Camaros, Hemi-Cudas, Novas, Chevelle SS, Mustangs, 32 Ford Coupes, Yenko Camaros, Super Bees, 40 Ford Coupes y muchos otros. A Bruce le gusta mostrar los autos en sus pinturas tal como los recuerda cuando era niño, no como autos musculosos nuevos e impecables, sino como autos que han sido modificados y competido en carreras, como un Chevelle SS con Chargers o un Chevy 55 con guardabarros recortados. . Muchas de sus pinturas de hot rods y muscle cars están a la venta en forma de copias limitadas, firmadas y numeradas.

Comenzó su carrera artística como artista publicitario y diseñador gráfico después de graduarse en el Art Institute of Boston. Después de trabajar durante 16 años en una agencia de publicidad local, se independizó y actualmente crea arte publicitario e ilustraciones para numerosos fabricantes de equipos de street rod, muscle car y autos de carrera. Su arte comercial, que incluye cortes, vistas despiezadas, dibujos lineales e ilustraciones en color, ha aparecido en la mayoría de las principales revistas de street rod y muscle car y los diseños de sus catálogos han ganado numerosos premios Professional Affiliations.

El proceso de pintura
Las pinturas de Bruce están pintadas del mismo tamaño o mayor que la impresión artística terminada. Le gusta pintar en grande para poder capturar los detalles que hacen que sus pinturas sean especiales. Bruce se esfuerza por hacer que sus pinturas sean lo más precisas técnicamente posible y pasa mucho tiempo investigando cada tema (lo cual es la parte divertida, porque luego puede mirar sus revistas viejas). Las pinturas se realizan utilizando una acuarela opaca llamada "Designers Gouache" sobre un tablero de ilustración profesional suave. El tablero de ilustración suave tiene un diente muy fino que le da una textura agradable a las pinceladas mientras mantiene un borde afilado para los detalles finos. Se utiliza un pincel neumático para homogeneizar el acabado de un automóvil. Utiliza gouache de diseñador por los colores vibrantes y los detalles precisos que logra. A Bruce le encantan los anuncios de automóviles de los años 60 y las representaciones arquitectónicas realizadas con esta técnica. Una de las desventajas de las acuarelas opacas es que resulta difícil realizar cambios o corregir errores.

Bruce comenzó a exhibir su obra de arte en la primera exhibición de bellas artes Hot Rod Heritage en 1986 en la feria SEMA en Las Vegas, donde desde entonces ha sido un artista destacado. También fue uno de los artistas destacados en la exposición de arte del patrimonio Hot Rod de la galería Automania en Rochester, Michigan. Su cuadro "Jim Hogg County" fue el primero en aparecer en la portada de la revista Street Rodder. También escribió e ilustró artículos que aparecieron en las revistas Street Rodder y Custom Rodder. Group Promotions le encargó crear la ilustración de portada del libro "Road Rockets", uno de los títulos de una colección de edición limitada de las famosas novelas Hot Rod para adolescentes de principios de los años 60 del autor Henry Gregor Felsen. También realiza diseños automotrices y representaciones conceptuales para fabricantes de automóviles personalizados como Posies Rods y Customs.

Bruce también hizo letras, gráficos y murales para autos de carrera, camionetas y tanques de bicicletas, retocó los detalles "cromados" de carrocerías divertidas y realizó trabajos de pintura con llama para hot rods "en el pasado". Además de su arte automotriz, Bruce disfruta creando pinturas de ciencia ficción y aeroespaciales y ha sido publicado en la revista National Space Society. Le apasiona la F1, Indy Cars, NASCAR y Drag Racing. También le gustan los grandes clásicos americanos y europeos, los coches deportivos y los coches de carreras antiguos. Bruce vive al norte de Albany, Nueva York, con su esposa Tina y sus dos perros Westie, y tiene un hijo, Warren. Él y su esposa disfrutan jugueteando con su colección de autos viejos y llevando su Rambler Rogue del 67 reconvertido (¡401 y 2-4bbls!) a viajes, espectáculos y cruceros.

Nací en las Bocas del Ródano y pasé mi infancia entre los bonitos bosques de Borgoña, el país de mi madre, y los matorrales de Marcel Pagnol.
Cuando era pequeña quería serBlancanieves , Cenicienta, perderme en el país de las maravillas o, a veces, saber mover la nariz como mi querida bruja mientras soñaba despierta frente a las ilustraciones de Sarah Kay.

Pensativo, hacía mucho tiempo que había inventado un mundo mágico donde podía refugiarme en mi tiempo libre.

“Luego se quedó dormida en un sueño muy, muy largo…”

Dibujé como dibujan todos los niños pero sin saber que se convertiría en una verdadera pasión.

Soy autodidacta y comencé dibujando especialmente paisajes y naturalezas muertas. Me atraía mucho el dibujo pero nunca estuve del todo satisfecho con mis "temas de estudio".
Un día dibujé un pequeño duende en un paisaje y me pareció tan natural que seguí adelante. este camino.
Desde entonces he dedicado mi dibujo a todos estos pequeños personajes que me acompañaron en mi infancia y a quienes tuve tanto placer de volver a encontrar. Ahora me gusta darles vida en una hoja de papel.
Seguí combinando mi pasión por el dibujo con el mundo mágico así como mi pasión por ciertas épocas de la historia.

Mis inspiraciones son bastante variadas, pero a menudo giran en torno a la magia o la fantasía, ya que aprecio igualmente la suavidad de las ilustraciones de Meredith Dillman o Delphine Gache como las dibujos más oscuros de Tim Burton o Barbara Canepa.

Llevo 20 años trabajando en el ámbito de la formación profesional para adultos y soy ilustrador freelance declarado desde 2008. Equilibro mi tiempo entre un trabajo muy enriquecedor humanamente, mi vida familiar y mi pasión por el dibujo.

Mantener una parte de la magia y la infancia es vital para mí.

Terminaré con mi cita favorita:

“Lo que hace al poeta ¿No es el amor, la búsqueda desesperada del más mínimo rayo de sol que juega en el suelo de parquet de la habitación de un niño”
François Mauriac. 

Mi trabajo como ilustrador

Soñé mis grabados como besos de príncipe,

un poco ingenuos e infantiles, le hablan a tu niño interior, ese que en el fondo de ti nunca ha crecido.

Incrustados de melancolía, te hablan de mundos perdidos, de las melodías desaparecidas de tu infancia.

A veces morderás la manzana envenenada, otras veces es una rana la que te despertará.

A menudo, son pequeñas hadas del bosque que te miran profundamente a los ojos y dicen:

“Recordar”

Mis ilustraciones están realizadas utilizando diferentes técnicas, ya sea tradicional, acuarela, acrílico y lápiz de colores; o en pintura digital en Photoshop. Siempre trato de destilar magia y suavidad en mi forma de pintar, ya sea tradicional o digital.

Originario de Lac Beauport, Quebec, Richard Cameron Morneau es un artista de corazón. Desde su tierna infancia, este artista crea en diferentes formas (dibujo, pintura, escultura, etc.). Hoy en día, artista de circo, acróbata aéreo, actor, maquillador, animador público, ilustrador y mucho más, Richard lleva al público a su universo de ensueño, y lo hace por todos los medios. Desde hace más de 20 años, este artista añade cuerdas a su arco para llevar una inmersión total a su fantasía. El Peter Pan en él desea llevarte a su propio País de Nunca Jamás sin importar tu edad y sobre todo te incita a soñar para mantener tu corazón de niño.

Rosalyna es una artista mexicana especializada en la ilustración. Nació en Ciudad de México en 1985 y creció rodeada de arte y cultura mexicana. Estudió ilustración en la Universidad Nacional Autónoma de México, donde descubrió su pasión por las técnicas tradicionales como la acuarela, pero también en el arte digital.

Después de obtener su título, Maria Fernanda comenzó su carrera trabajando como ilustradora para revistas y libros infantiles. Su técnica preferida es la acuarela, que utiliza para crear ilustraciones coloridas y vivas que reflejan su cultura de origen.

Con los años, Rosalyna ha desarrollado su propio estilo distintivo, que se caracteriza por personajes expresivos y decorados ricos en detalles. Sus ilustraciones han sido utilizadas para libros, revistas, carteles e ilustraciones para niños.

Actualmente, Rosalyna continúa trabajando como ilustradora y artista, y es considerada una de las artistas más talentosas de su generación en América Latina. Inspira a los jóvenes ilustradores con su pasión por la cultura mexicana, su técnica virtuosa y su capacidad para contar historias a través de sus obras.

Originaria de Benín, Sarah es una artista independiente que le gusta experimentar con diferentes estilos artísticos. Descubre su universo mágico y colorido

La artista canadiense Sheena Pike crea imágenes únicas y coloridas que están
inspiradas en muchos temas diferentes. Cautivando a su audiencia con detalles intrincados
detalles intrincados que exploran todo, desde patrones estacionales y la naturaleza hasta animales y criaturas fantásticas, como sus dragones bebés.
criaturas de fantasía como sus dragones bebés. Lil Dragonz de Sheena se están convirtiendo rápidamente en los favoritos de los clientes de punto de cruz y pintura de diamantes.

Trabaja con medios tradicionales y digitales. No utiliza IA en su trabajo y espera que sus clientes y fanáticos apoyen las obras de arte creadas por humanos. "Los artistas tradicionales necesitan y aprecian este apoyo más que nunca en el mundo de la IA en el que vivimos". Fascinada por el color desde muy joven, demuestra su belleza aprovechando al máximo la gloriosa paleta de colores que nuestro espectro tiene para ofrecer. Su uso del color es su punto fuerte.

Sheena apareció en el Student Digest de la revista Color Pencil en la edición de invierno de 2015 y fue invitada nuevamente a la revista en 2016 para discutir sus técnicas mixtas. Sheena también ha aparecido en otras publicaciones y ha sido entrevistada sobre su proceso de creación de imágenes de fantasía y su imaginación única.

También ha sido entrevistada por distribuidores de productos como PanPastel sobre sus técnicas y procesos. Como artista más vendida en el mercado del punto de cruz y la pintura con diamantes, Sheena se ha hecho conocida en todo el mundo. Recientemente se ha diversificado en el mercado de los rompecabezas y espera tener muchos más productos que ofrecer en un futuro próximo.

Sheena espera seguir cautivando y creando hermosas imágenes que encontrarán su camino en la imaginación y los hogares de muchas personas. “Nunca te esfuerces por ser normal y corriente”

Nacido en 1961, Simon Treadwell se apasionó por el dibujo y la pintura desde su tierna infancia. Decidió convertirse en artista a la edad de catorce años, después de descubrir algunas de las obras de Max Ernst en el museo Guggenheim. Después del instituto, se especializó en estudios clásicos en el Instituto Europeo de Diseño de Milán, luego comenzó a trabajar como director artístico en varias agencias de publicidad. Como ilustrador independiente, se convirtió en especialista en hiperrealismo, empleando técnicas mixtas: aerógrafo, pinturas al óleo, acrílico y acuarelas. Un poco más tarde, comenzó a crear obras de arte digitales con la ayuda de su Mac, que representa y para siempre un amigo muy fiel. Después de trabajar durante muchos años como ilustrador en los sectores de la publicidad y la edición, Simon se ha dedicado recientemente al desarrollo de obras de arte sublimes especialmente diseñadas para los productos de Navidad. Simon explora constantemente su arte y descubre nuevas ideas y técnicas para ilustrar mejor las maravillas de Papá Noel y su mundo mágico. Actualmente, vive y trabaja en la hermosa ciudad de Toscana

Durante más de 40 años, Steve Crisp ha producido obras de arte e ilustraciones. Tuvo su período más próspero en la época del "Athena Poster". Ha trabajado para todas las grandes editoriales y es probablemente más conocido por las portadas de los libros de Stephen King y los carteles de películas, incluidos Aliens 2 y Mad Max.

La selección de obras de arte disponibles para Yolk es variada, Steve se ha centrado en la creación de imágenes PopArt únicas, disponibles en ediciones limitadas y en impresiones de arte. En 2017, Steve fue reconocido como uno de los principales artistas influyentes en la industria del arte de terror y fantástico.

Steve creció en Cornualles y la costa siempre ha sido para él una gran fuente de influencia e inspiración. Tuvo la suerte de tener al pintor de Cornualles John Piper como profesor de arte en la escuela y, gracias a él, obtuvo un lugar en la escuela de arte de Falmouth en 1987.

Luego pasó más de diez años en el sector de la publicidad y el diseño, trabajando en Londres y Ámsterdam, antes de regresar a la costa en 2003, en Dorset.

Como artista, Steve se interesa de manera recurrente en los paisajes costeros y las escenas marinas, y sus pinturas a menudo reflejan un sentimiento de anticipación ante la idea de pasar el día en la playa.

El trabajo de Steve ha sido fuertemente influenciado por los carteles de viaje de los años 1920 y 1930, donde los detalles se reducen al mínimo y se utilizan áreas planas de color y formas fuertes creadas por la luz y la sombra.

Otro factor de motivación para su arte es el color: elige usar una paleta limitada de tonos desaturados y terrosos.

Mi nombre es Svetlana Yanetskaya. Soy ilustradora con más de 10 años de experiencia especializada en la creación de ilustraciones para libros infantiles. Mis ilustraciones han capturado los corazones de muchas madres y niños de todo el mundo.

Tricia Reilly-Matthews es una artista estadounidense conocida por sus pasteles nostálgicos que representan escenas conmovedoras de la infancia. Residente de Tomkins Cove en el condado de Rockland, Nueva York, ganó el concurso de murales de MetLife de 2021 en honor a los trabajadores esenciales durante la pandemia. Su obra titulada "Ángeles entre nosotros" se exhibe en la entrada del Estadio MetLife en East Rutherford, Nueva Jersey.

Reilly-Matthews, graduada de la escuela secundaria Albertus Magnus en 1978, ha seguido una prolífica carrera artística, capturando con sensibilidad y nostalgia momentos preciosos de la infancia.

Sus obras están disponibles en varias plataformas, incluida su página de Facebook, donde comparte periódicamente sus creaciones.

Quién soy yo
Vayounette con pincel, apasionada por el dibujo. Desde que tengo memoria siempre he dibujado (lápices, acuarelas, etc.) Me gusta imaginar mundos fabulosos, llenos de magia y maravillas. Concéntrate en los detalles que darán a mis ilustraciones un pequeño toque mágico, que hará brillar los ojos de los niños.

Por qué recurrir a la juventud
Porque yo han preservado mi alma infantil. Me encanta ver sonrisas en los rostros de niños y adultos que descubren mis ilustraciones. Me gustaría que todos pudieran reconocerse a través de mis dibujos, que cada adulto encuentre al niño que lleva dentro. Este pequeño mundo es parte de mí y espero que te toque.