Alan est un artiste indépendant qui a débuté en tant qu'artiste de storyboard pour une agence londonienne, avant de revenir à ses racines dans le Nord-Est pour poursuivre une carrière dans la conception graphique. Bien qu'il ait aimé travailler dans le domaine du design pour de grands clients, Alan a toujours aimé l'illustration. 13 ans plus tard, après avoir travaillé comme tatoueur, il est arrivé à la porte d'Advocate Art. Depuis qu'il a rejoint Advocate Art il y a un an et demi, Alan a eu la chance de travailler sur une variété de projets, dont les romans graphiques Ben 10 Omniverse pour Viz Media, ainsi que des illustrations de livres pour enfants pour des éditeurs tels que Harper Collins et Watts. Il peut s'adonner à de nombreux styles en fonction du client, mais avec un intérêt marqué pour le monde de la bande dessinée, il est à l'aise pour travailler sur des œuvres graphiques audacieuses et des bandes dessinées. Il travaille dans un studio mansardé avec son fidèle compagnon, Ollie le schnauzer miniature (miniature par la taille, géant par la personnalité et l'appétit), et ses deux fils Wilf et Teddy.

Traduit avec DeepL.com (version gratuite)

Alicia Patson, une illustratrice américaine de 38 ans, s'est distinguée dans le monde de l'art numérique enchanté. Née en 1990 aux États-Unis, Alicia a développé une passion précoce pour le dessin et la peinture numérique. Son style unique combine des éléments de fantaisie avec une touche de réalisme, la rendant populaire dans diverses sphères artistiques.

Au fil des ans, Alicia s'est spécialisée dans la création d'œuvres numériques qui captivent l'imaginaire, souvent en s'inspirant de la nature et du surnaturel. Ses illustrations sont célèbres pour leur capacité à transporter les spectateurs dans des mondes fantastiques, mêlant habilement le rêve à la réalité.

Actuellement, Alicia vit à San Francisco, où elle continue de pousser les limites de son art, tout en inspirant une nouvelle génération d'artistes numériques.

AMANDINE JUNG, BIEN PLUS QUE DU COLORIAGE, UNE AVENTURE, DU PARTAGE ET UNE TOUCHE DE FÉERIE…

Née en 1987, en Bretagne, aux pays des fées et des korrigans, Amandine Jung, se laisse envoûter par les contes et légendes, comptines farfelues, les dessins animés en tout genre. Elle garde son âme d’enfant dans un monde qu’elle imagine noir et poétique. Dans son imaginaire, le soleil peut disparaître pour laisser place à la lune, Blanche-neige peut croquer une pomme perlée, et une petite musaraigne vole curieusement dans le ciel. Passer d’une simple image en tête et réussir à lui donner forme est un processus créatif difficile. Amandine joue avec la peinture, les traits et ses idées. Elle se nourrit du moindre mot, d’une toute petite note de musique, d’une douce odeur épicée, du bruit de la pluie tombant sur le sol, des feuilles de l’automne qui chantent dans les forêts bretonnes, de la lune qui la rend rêveuse, de la plus simple image et son imagination débordante fait le reste.

Depuis 2018, l’artiste se lance dans le monde du coloriage et dévoile un nouveau talent pour la réalisation de livres de coloriage pour adultes. En 2020 sort son premier livre “ “Blanche Neige, la Princesse Empoisonnée“, suivi en 2021 par “Cendrillon et le Bal d’Halloween“, en 2022 “Pinups, Hors série 2022” marque le début de sa consécration, son nom commence à résonner un peu partout.

En Octobre 2022, pour Halloween, c’est une toute nouvelle aventure que propose Amandine Jung avec son premier roman “Chrysalide, Conte 1 : Le Coma Noir“. Elle nous fait voyager dans un conte poétique et fantastique dans le Royaume de la Lune, un monde sans soleil dominé par la nuit éternelle.

Novembre 2022, dans son troisième livre de coloriage, Amandine Jung plonge dans le célèbre conte d’Hans Christian Andersen. Cette fois, c’est entre terre et mer qu’Amandine nous invite au voyage. Au travers de ses illustrations, empreintes de sa vision unique et onirique, redécouvrez ce merveilleux conte de notre enfance : “La Petite Sirène”. Page après page, tandis que danseront pinceaux et crayons, revivez l’envoûtante et tragique histoire de la petite Ondine, qui inspira bien des écrits, d’hier à aujourd’hui.

Autodidacte, je me suis engagée dans l’aventure de l’illustration il y a peu.

Depuis fin 2019, je collabore avec des auteurs qui souhaitent faire illustrer leur livre et en parallèle je propose aussi des dessins qui s’inscrivent dans deux collections ;

• la collection « des Câlins »
• et la collection « Un instant dans le vent ».

Toutes les peintures originales sont réalisées à partir d’acrylique et d’aquarelle. Les illustrations des 2 collections sont reproduites en papeterie d’Art sous la forme de cartes, marque-pages, carnets de poche et sur des jouets en bois (puzzles, dominos et mémo) et sont vendus par une centaine de partenaires avec qui je travaille.

Je sors mon premier livre en tant que maison d’édition en novembre 2022. Pour ce premier ouvrage qui est un livre coopératif, vous pourrez découvrir l’expression de 24 auteurs ayant écrit des récits inspirés de mes illustrations. Ce livre sera à destination de la jeunesse, intégralement fabriqué en France et sera en grand format avec 27 illustrations de pleine page.

Je souhaite que l’aventure puisse longtemps se prolonger, merci d’avoir lu ces quelques mots

L'artiste automobile Bruce Kaiser est passionné par le dessin, l'esquisse, la conception et la peinture de voitures depuis qu'il sait tenir un crayon. Il adore peindre des hot rods, des drag cars, des muscle cars, des voitures de sport, des Indy cars, des Formule 1... tout type de voiture, pourvu qu'elle soit cool, bruyante et rapide. Il a grandi dans les années 60 en traînant au drive-in A&W local, d'abord sur son vélo, puis avec ses premières voitures. C'était l'âge d'or des grandes voitures musclées de Detroit et les images et les sons des voitures chaudes sous les lumières d'un hamburger local influencent encore Bruce aujourd'hui. Bruce s'efforce de capturer dans ses peintures ces parfaites nuits d'été telles qu'il s'en souvient. La piste de dragster locale organisait des courses de dragster les vendredis soirs et il a passé de nombreuses nuits là-bas à essayer de capter l'excitation des funny cars et des dragsters des années 60-70 sous les lumières, sur pellicule et maintenant avec des pinceaux et de la peinture. Ses peintures représentent les grandes voitures musclées et les hot rods comme les GTO, Camaros, Hemi-Cudas, Novas, Chevelle SS, Mustangs, 32 Ford Coupes, Yenko Camaros, Super Bees, 40 Ford Coupes et bien d'autres. Bruce aime montrer les voitures dans ses peintures comme il se souvient d'elles quand il était enfant, pas comme des voitures musclées neuves et immaculées, mais comme des voitures qui ont été modifiées et ont participé à des courses, comme une Chevelle SS avec des chargeurs ou une 55 Chevy avec des ailes découpées. Nombre de ses peintures de hot rods et de muscle cars sont en vente sous forme de tirages limités, signés et numérotés.

Il a commencé sa carrière artistique en tant qu'artiste publicitaire et graphiste après avoir été diplômé de l'Art Institute of Boston. Après avoir travaillé pendant 16 ans dans une agence de publicité locale, il s'est mis à son compte et crée actuellement des œuvres publicitaires et des illustrations pour de nombreux fabricants d'équipements pour street rod, muscle car et voitures de course. Son art commercial, qui comprend des coupes, des vues éclatées, des dessins au trait et des illustrations en couleur, est apparu dans la plupart des grands magazines de street rod et de muscle car et ses conceptions de catalogues ont remporté de nombreux prix d'associations professionnelles.

Le processus de peinture
Les tableaux de Bruce sont peints à la même taille ou à une taille plus grande que l'impression d'art finie. Il aime peindre en grand afin de pouvoir capturer les détails qui rendent ses peintures spéciales. Bruce s'efforce de rendre ses peintures aussi précises que possible sur le plan technique et passe beaucoup de temps à faire des recherches sur chaque sujet (ce qui est la partie la plus amusante, car il peut alors feuilleter ses vieux magazines). Les peintures sont réalisées à l'aide d'une aquarelle opaque appelée "Designers Gouache" sur un carton d'illustration professionnel lisse. Le carton d'illustration lisse a une dent très fine qui donne une belle texture aux coups de pinceau tout en gardant un bord net pour les détails fins. Un pinceau pneumatique est utilisé pour l'homogénéisation de la finition d'une voiture. Il utilise la gouache Designers en raison des couleurs vives et des détails précis qu'elle permet d'obtenir. Bruce adore les publicités automobiles et les rendus architecturaux des années 60 réalisés avec cette technique. L'un des inconvénients des aquarelles opaques est qu'il est difficile de faire des changements ou de corriger des erreurs.

Bruce a commencé à exposer ses œuvres d'art lors de la première exposition Hot Rod Heritage Fine Art Exhibit en 1986 au salon SEMA de Las Vegas, où il a depuis été un artiste vedette. Il a également été l'un des artistes vedettes de la Gallery Automania Hot Rod Heritage Art Exhibit à Rochester, Michigan. Sa peinture "Jim Hogg County" a été la première à figurer sur la couverture du magazine Street Rodder. Il a également écrit et illustré des articles qui sont parus dans les magazines Street Rodder et Custom Rodder. Il a été chargé par Group Promotions de réaliser l'illustration de couverture du livre "Road Rockets", l'un des titres d'une collection en édition limitée des célèbres romans Hot Rod pour adolescents du début des années 60 de l'auteur Henry Gregor Felsen. Il fait également du design automobile et des rendus de concepts pour des constructeurs de voitures personnalisées comme Posies Rods and Customs.

Bruce a également réalisé des lettrages, des graphiques et des peintures murales pour des voitures de course, des fourgonnettes et des réservoirs à vélo, il a brossé à l'air les détails "chromés" des carrosseries de voitures amusantes et a réalisé des travaux de peinture à la flamme pour les hot rods "à l'époque". En plus de son art automobile, Bruce aime créer des peintures de science-fiction et aérospatiales et a été publié dans le magazine National Space Society. C'est un passionné de F1, d'Indy Cars, de NASCAR et de Drag Racing. Il aime aussi les grands classiques américains et européens, les voitures de sport et les voitures de course anciennes. Bruce vit au nord d'Albany, dans l'État de New York, avec sa femme Tina et leurs deux chiens Westie, et il a un fils, Warren. Sa femme et lui aiment bricoler sur leur collection de vieilles voitures et emmener sa Rambler Rogue de 67 convertie (401 et 2-4bbls !) en voyage, en exposition et en croisière.

Carissa a commencé à dessiner dès son plus jeune âge, s'inspirant des livres d'images, des bandes dessinées et de ses films d'animation préférés. Elle a étudié le graphisme et l'animation à Brisbane, en Australie, mais est tombée amoureuse de l'illustration lorsqu'elle a travaillé sur son premier livre pour enfants. Elle vit aujourd'hui à Melbourne, où elle aime explorer les cafés des ruelles et observer la chute des feuilles d'automne, tout en faisant de son mieux pour rester au chaud. Elle passe la plupart de ses journées à dessiner sur sa tablette ou son ordinateur, avec une tasse de café chaud et un bon podcast ou livre audio en fond sonore. Bien qu'elle travaille en numérique, son travail artistique s'inspire des styles d'illustration traditionnels des livres classiques pour enfants qu'elle lisait lorsqu'elle était petite. Elle aime créer des personnages amusants dans des décors colorés et essaie généralement de dessiner un chat ou un chien quelque part sur la page si elle le peut.

Dominic Davison was born in London, 1972 and now lives in Buckinghamshire, UK where he gets his inspiration for his idyllic and romantic scenes. He has been creating art for many years and in this time built up a loyal fan base, which now spans worldwide.

Prior to joining MGL he worked as a freelance artist, having his work published in magazines such as '3D Artist', and 'Advanced Photoshop'. This includes tutorials and double page galleries.

He also writes a regular column for '3D Artist'.His influences are varied and include landscape masters such as Barend, Cornelis, Koekkoek, Ruisdael, and Constable. Contemporary artists that inspired him include Keith Melling, Charles H. White and Terry Redlin.

His hobbies include the cinema, videogames, art galleries, and making music.

Elara Hartley est originaire du Royaume-Uni, un pays imprégné de folklore et d'une histoire riche, qui imprègne son art. S'inspirant fortement des mondes vibrants de la science-fiction, de la littérature fantastique et de l'anime, Elara élabore des récits qui se situent entre le réel et l'imaginaire.

Son art est un terrain de jeu de figures captivantes, chacune avec de grands yeux expressifs, qui racontent des histoires de femmes puissantes naviguant dans des royaumes fantastiques et des décors futuristes. La présence d'animaux, à la fois mythiques et domestiques, dans ses œuvres, renforce encore le charme narratif, reflétant l'affection d'Elara pour la nature.

Elara utilise principalement l'art numérique pour ses créations. Elle commence par dessiner à la main ou à l'aide de logiciels spécialisés, explorant différentes techniques et styles. Ensuite, elle peut s'aider de l'intelligence artificielle pour affiner et améliorer ses illustrations. L'IA lui permet d'ajouter des détails précis, d'expérimenter avec des palettes de couleurs variées, et d'apporter des modifications subtiles qui enrichissent ses œuvres. Ce processus lui permet de combiner son talent artistique avec des outils technologiques avancés pour créer des illustrations uniques et captivantes.

Bien qu'encore émergente dans le monde de l'art, le style distinctif d'Elara et sa cohérence thématique font d'elle une voix unique. Elle continue de créer, nichée dans son studio à la campagne, son imagination étant alimentée par son environnement, sa vaste collection de romans fantastiques et la compagnie de ses animaux de compagnie.

Je suis née en Russie. Mon père était un militaire, un pilote de chasse. Donc, comme vous l'aurez compris, nous avons beaucoup bougé. J'ai passé mon enfance et ma jeunesse d'un endroit à un autre.
De l'Estonie à la Lettonie, même de l'Arctique à l'Ukraine et sept ans en Sibérie.

Vivant à Madrid (Espagne) depuis 2002. Mon mari est espagnol et j'aime ce pays aussi.

J'ai toujours dessiné et peint, depuis mon enfance. J'avais ce cadeau. En 2004, j'ai aussi commencé la sculpture jusqu'à ce que je découvre Photoshop. Depuis, je travaille exclusivement dans ce domaine. Je pense que c'est un résumé de tout ce que j'ai fait auparavant.

La photomanipulation est ma passion mais mon travail aussi !

Fanny Offre est infographiste, illustratrice et auteur de plusieurs albums jeunesse. Elle produit aussi cartes, peinture sur toile, peinture sur tissu, bijoux, ...
Elle se présente sur son site : ""Les pieds sur Terre, la tête dans les nuages et un crayon dans la main.
Diplômée en infographie depuis 2015, je suis avant tout autodidacte et touche à tout.
Je m'amuse avec les techniques : crayons, peinture, encre, aquarelle et numérique. J'utilise souvent les matières pour créer des univers différents, aussi bien sombres que colorés.
...après les illustrations qui racontent des histoires, les histoires qui recherchent des illustrations...
C'est tout naturellement et comme une évidence que je me tourne vers la littérature jeunesse que j'affectionne depuis très longtemps.

Finbar Coyle est un illustrateur et un concepteur de personnages originaire de la côte est de l'Irlande. Sa passion précoce pour l'art l'a conduit à étudier l'animation à l'École nationale de cinéma d'Irlande, où il a obtenu un diplôme en 2007. Depuis, il a travaillé comme concepteur de personnages pour de grands studios d'animation sur plusieurs séries télévisées pour enfants. Son amour de l'animation et du développement visuel est influencé par des héros artistiques tels que Cory Loftis, Max Ulichney et Annette Marnat.

Son expérience dans la conception de personnages est évidente dans son style d'illustration ; des personnages forts et des concepts d'illustration vivants sont sa principale spécialité.

En 2020, Finbar s'est lancé dans le travail en free-lance et a déménagé en Allemagne pour travailler en tant que designer et illustrateur. Finbar travaille maintenant dans son studio à Cologne et lorsqu'il n'est pas en train d'illustrer ou de dessiner, il est occupé à apprendre l'allemand et à faire de longues promenades dans son parc local pour trouver l'inspiration pour son prochain dessin ou sa prochaine illustration.

Je suis une grande rêveuse, le dessin, le graphisme sont rentrés dans ma vie comme moyen de m’exprimer.
J’adore rentrer dans mon univers, c’est comme une parenthèse.

Après mon bac, j’ai eu la chance de faire des études en art, j’ai saisi ma chance pour me lancer, même si ce n'est pas toujours facile je ne regrette pas.

Je suis une artiste américaine autodidacte, travaillant dans mon studio à Idaho Falls, Idaho. Depuis 2006, je vends mes œuvres d'art en ligne, lors d'événements et par le biais de produits sous licence.

Mon enfance s'est déroulée en Californie du Nord, où j'ai découvert ma passion. Comme beaucoup d'artistes, je suis obsédée par le dessin et le coloriage depuis toujours ! Tout allait pour le mieux lorsque je recevais un nouveau livre de coloriage et une nouvelle boîte de crayons de couleur. Le dessin a toujours fait partie de moi : mon premier travail indépendant rémunéré remonte à l'âge de 11 ans (un dessin au crayon de couleur d'un pygargue à tête blanche pour le fils de mon professeur de sciences en guise de cadeau d'anniversaire) ; j'étais l'artiste dévouée de chaque projet de groupe scolaire ; et après l'école, j'étais la fille qui frappait à votre porte pour essayer de vous vendre des marque-pages dessinés à la main pour 50 centimes chacun ! Lorsque je n'étais pas à l'école, en train de faire mes devoirs ou d'accomplir des tâches ménagères, je dessinais, j'écrivais, je lisais ou je fabriquais quelque chose. Je suis une artiste entièrement autodidacte et j'ai obtenu mon diplôme d'associé en commerce en 2007. Je suis ravie de pouvoir partager mon talent avec le monde entier et d'en faire mon gagne-pain !

Mes œuvres originales sont créées à la main, au crayon aquarelle et à l'encre sur carton d'illustration, à l'aide de matériaux et de techniques traditionnels. Les dimensions vont de la miniature (2.5 "x3.5" jusqu'à 11 "x14", bien que je puisse aller un peu plus loin). Parfois, je travaille à l'acrylique sur bois, ce qui me permet de peindre un peu plus grand et d'utiliser des techniques différentes. Je réalise également tous mes graphiques pour l'Internet et l'utilisation de produits, et je produis beaucoup de mes propres impressions et produits en studio, et je publie mes propres livres de coloriage et cartes à collectionner. J'accorde actuellement des licences à des entreprises extérieures pour l'utilisation de mes œuvres sur des produits tels que des grilles de point de croix, des articles de papeterie, des timbres en caoutchouc et bien d'autres choses encore. J'adore pouvoir proposer mes œuvres sur des produits dont je sais que les gens les utiliseront et les apprécieront !

Les fans collectionnent mes œuvres sur des sites comme eBay et Etsy depuis de nombreuses années maintenant, et des centaines de mes peintures et gravures originales se trouvent dans de nombreuses collections personnelles dans le monde entier. Mes fans sont très importants pour moi, car je ne serais pas là où je suis aujourd'hui sans leur soutien ! J'attends avec impatience un avenir merveilleux où j'aurai l'occasion d'acquérir des licences pour d'autres produits, d'illustrer des livres et de peindre d'autres personnages et œuvres d'art amusants pour le plus grand plaisir de tous :).

John O'Brien est né à Philadelphie, en Pennsylvanie, en 1953 et a obtenu son diplôme au Philadelphia College of Art en 1975.

Au cours de sa carrière, il a travaillé avec de nombreux éditeurs de renom, illustrant plus de 100 livres pour enfants, dont 8 qu'il a également écrits.  Il a illustré des publications telles que le Wall Street Journal, le Washington Times, Global Finance et Worth, et a contribué à de nombreuses autres collections, anthologies et manuels.  Il a également entretenu une longue relation avec le magazine Highlights for Kids, pour lequel il a réalisé de nombreuses couvertures et illustrations intérieures.

John a également eu une longue carrière de caricaturiste pour de nombreux magazines, notamment The New Yorker, pour lequel il a réalisé 17 couvertures et plus de 200 illustrations intérieures.  Ses dessins ont également été publiés dans le New York Times, Esquire, Fast Company et Omni, entre autres.

John réside à Delran, dans le New Jersey, au printemps et à l'automne.  L'été, il se rend à North Wildwood, dans le New Jersey, où il a travaillé comme sauveteur pour la patrouille de la plage de North Wildwood de 1970 à 2015.  John passe les mois d'hiver à Miami, en Floride.

Il joue de la musique à la fois professionnellement et pour se divertir, principalement du dixieland et du celtique.  Il aime surtout le banjo et le concertina, mais il joue aussi du piano, de la basse et de la guitare.

John a une fille, Tess, qui est diplômée du LaSalle College de Philadelphie.

Originaire de l'Iowa, Julia Catleen est une artiste spécialisée dans l'art digital, dont le talent et la passion pour les illustrations colorées ont rapidement fait d'elle une figure montante dans le monde de l'art contemporain. Née en 1997, Julia a montré dès son plus jeune âge une affinité particulière pour le dessin et la création.

Dès son adolescence, elle s'est tournée vers le digital, un medium qui lui a permis d'explorer de nouvelles façons d'exprimer sa vision du monde. Les outils numériques ont ouvert pour elle une infinité de possibilités, lui permettant de mélanger les techniques traditionnelles et modernes, créant ainsi un style distinctif et reconnaissable entre mille.

Ses œuvres, souvent empreintes d'une vibrante palette de couleurs, racontent des histoires qui traversent les genres et les époques, alliant l'ancien et le moderne, le réel et l'imaginaire. Leur caractéristique principale est sans doute leur capacité à évoquer des émotions intenses à travers la simplicité de formes et la complexité des couleurs.

En 2023, à l'âge de 26 ans, Julia a rejoint les artistes Oraloa. L'intégration au sein de ce groupe lui a permis d'élargir son réseau et de collaborer avec d'autres artistes talentueux, enrichissant ainsi son propre travail.

Outre sa carrière d'artiste, Julia est également une fervente défenseure de l'éducation artistique, persuadée que l'art digital offre des opportunités inégalées pour la nouvelle génération. Elle anime régulièrement des ateliers et des séminaires, partageant son savoir-faire avec les jeunes talents émergents.

Aujourd'hui, Julia Catleen continue de repousser les limites de son art, cherchant constamment à évoluer et à innover. Avec le soutien du collectif Oraloa et la reconnaissance croissante de la communauté artistique, l'avenir semble radieux pour cette artiste de l'Iowa au talent indéniable.

Julia Spiri est une artiste au style et au talent uniques. Elle met tant de détails dans chaque dessin qu'il est très agréable de les colorier et de leur donner vie. Si vous aimez le monde de la fantaisie et de la magie, son art est fait pour vous.

Julia travaille en tant qu'artiste indépendante, et la peinture est son emploi à plein temps. Julia est titulaire d'une licence en beaux-arts. Depuis de nombreuses années, elle peint des portraits et des illustrations. Elle a illustré une série de livres à colorier et de livres d'histoires pour enfants. Son style est influencé par l'art fantaisiste, l'art fantastique et le pop surréalisme.

Julia vit près de Barcelone en Espagne, et elle a 3 grands bergers allemands.

Julie Courchesne puise son inspiration dans les petits bonheurs simples de la vie. Elle crée des œuvres qui évoquent le souvenir d'une époque et qui font sourire. De plus, l'amalgame du dessin et de la peinture apporte une perspective singulière aux toiles. Toutes ses œuvres présentent un aspect de légèreté, d’effet croquis et ceux-ci prennent vie de par les couleurs vivantes et les textures uniques.

Depuis sa tendre enfance, l’art fait partie de la vie de Julie et c’est lors de son parcours scolaire au secondaire qu’elle a suivi ses premiers cours de peinture à l’huile. Avec le temps et les études universitaires, l’art et la peinture furent temporairement mis de côté. Toutefois, dès l'achèvement de ses cours elle retourna à sa passion et explora un nouveau médium, celui de l’acrylique, qu'elle utilise encore actuellement.

Pour Julie, son véritable essor résulte d'une visite dans une galerie d’art dans la ville de Québec, en 2013. Elle se sentit immédiatement interpellée par ce domaine artistique. Dès lors, la peinture allait prendre une place bien spéciale dans sa vie. Depuis, elle utilise une méthode autodidacte et peint de façon quotidienne.

Julie est une artiste passionnée pour laquelle une vie sans peinture serait inimaginable, grise et vide. L’art lui confère un équilibre dans son quotidien et elle utilise cet attachement afin de libérer sa créativité et d'exprimer ses émotions. Cette flamme, que représente l’art à ses yeux, lui permet de s’évader, d'arrêter le temps et de vivre pleinement le moment présent.

Je suis née dans les Bouches du Rhône et j’ai passé mon enfance entre les jolies forêts de Bourgogne, pays de ma mère, et la garrigue de Marcel Pagnol.
Petite je voulais être Blanche-Neige, Cendrillon, me perdre au pays des merveilles ou quelquefois savoir tortiller mon nez comme ma sorcière bien aimée tout en rêvassant devant les illustrations de Sarah Kay.

Songeuse, j’avais depuis longtemps inventé un monde féérique où je pouvais me réfugier à loisir.

« Puis elle s’endormit dans un long, très long sommeil… »

Je dessinais comme tous les enfants dessinent mais sans pour autant savoir que cela deviendrait une vraie passion.

Je suis autodidacte et j’ai commencé à croquer surtout des paysages et des natures mortes. Le dessin m’attirait beaucoup mais je n’étais jamais complètement satisfaite de mes « sujets d’étude ».
Un jour j’ai crayonné un petit lutin dans un paysage et cela m’a parût tellement naturel que j’ai poursuivi sur ce chemin.
Depuis je consacre mon dessin à tous ces petits personnages qui m’ont accompagnée dans mon enfance et que j’ai eu tellement de plaisir à retrouver. J’aime maintenant les faire vivre sur une feuille de papier.
J’ai continué à allier ma passion du dessin avec le monde féerique ainsi que ma passion de certaines périodes de l’histoire.

Mes inspirations sont assez variées mais tournent souvent autour de la féérie ou du fantastique puisque j’apprécie autant la douceur des illustrations de Meredith Dillman ou de Delphine Gache comme les dessins plus sombres de Tim Burton ou de Barbara Canepa.

Je travaille depuis 20 ans dans le domaine de la formation professionnelle pour adultes et je suis déclarée illustratrice freelance depuis 2008. Je concilie mon temps entre un travail très enrichissant humainement, ma vie de famille et ma passion du dessin.

Garder une part de magie et d’enfance est vital pour moi.

Je finirai par ma citation préférée :

« Qu’est-ce qui fait le poète ? N’est-ce pas l’amour, la recherche désespérée du moindre rayon de soleil jouant sur le parquet d’une chambre d’enfant »
François Mauriac. 

Mon travail d’illustratrice

J’ai rêvé mes gravures comme des baisers de prince,

un peu naïves et enfantines, elles s’adressent à votre enfant intérieur, celui qui tout au fond de vous, n’a jamais vraiment grandi.

Empreintes de mélancolies, elles vous parlent des mondes perdus, des mélodies à jamais envolées de votre enfance.

Parfois vous croquerez la pomme empoisonnée, d’autres fois, c’est une grenouille qui vous éveillera.

Souvent, ce sont de petites fées des bois qui vous regardent au fond des yeux et qui vous disent :

« Souviens- toi »

 

Mes illustrations sont réalisées de différentes techniques, soit en traditionnel, aquarelle, acrylique et crayon de couleur ; soit en peinture digitale sous Photoshop. J’essaie toujours de distiller de la magie et de la douceur dans ma façon de peindre, qu’elle soit traditionnelle ou numérique.

Je m'appelle Lisa Hudson, une artiste numérique de 29 ans originaire d'Australie. Dès mon plus jeune âge, j'ai été fascinée par l'art et la technologie, ce qui m'a naturellement orientée vers le monde de l'art numérique. Mon amour pour les animaux est souvent une source d'inspiration pour mes œuvres. Je crée des images qui capturent non seulement la beauté et l'esprit des animaux, mais aussi des scènes qui reflètent leur interaction avec le monde naturel.

Je suis particulièrement passionnée par le potentiel de l'art numérique pour sensibiliser à la conservation de la faune. À travers mes créations, je cherche à établir un lien émotionnel entre le public et le monde animal, espérant susciter une prise de conscience et un respect accru pour notre environnement naturel.

Mon parcours n'est pas seulement une quête artistique, mais aussi un voyage personnel qui me permet d'explorer et de célébrer la connexion profonde que nous partageons avec toutes les formes de vie.

Marie Antoinette est une jeune artiste philippine née et élevée à Manille. Depuis son plus jeune âge, elle a montré un grand intérêt pour l'art et a passé la plupart de son temps libre à dessiner et à peindre. Après avoir obtenu son diplôme de l'école secondaire, Marie Antoinette a décidé de poursuivre ses études dans une école d'art renommée aux Philippines, où elle a étudié les techniques de l'illustration et de la peinture.

Au fil des années, Marie Antoinette a développé son propre style distinctif en matière d'illustration, mêlant des influences traditionnelles philippines à des styles modernes et contemporains. Elle s'est rapidement fait un nom dans l'industrie de l'illustration pour adultes et enfants, et a travaillé sur de nombreux projets pour des clients locaux et internationaux.

Marie Antoinette est connue pour son attention aux détails et sa capacité à capturer l'essence d'une histoire ou d'un personnage à travers ses illustrations. Elle est également connue pour son travail avec des couleurs vives et éclatantes, qui attirent l'attention des enfants tout en captivant l'imagination des adultes.

En plus de son travail d'illustratrice, Marie Antoinette est également active dans la communauté artistique philippine et travaille avec des organisations pour aider à promouvoir les arts et l'éducation artistique. Elle organise également des ateliers d'illustration pour les enfants locaux afin de les encourager à poursuivre leurs passions artistiques.

Aujourd'hui, Marie Antoinette est considérée comme l'une des illustratrices les plus talentueuses et les plus prometteuses de la scène artistique philippine, et continue d'inspirer et d'émerveiller les gens avec son travail créatif et coloré.

"Marianne Berger, alias Mine Azimutée, est une illustratrice indépendante française. Elle a débuté en 2008, mais sa passion du dessin remonte très loin...

Dès qu’elle a su tenir un crayon! Elle est entrée dans le monde de l’illustration en dessinant des livres pour enfants, et travaille aujourd’hui pour des clients et des supports très variés : édition jeunesse, illustration textile, création de logos, portraits personnalisés pour des particuliers, etc...

Selon Marianne, quand on on a la chance de faire ce métier, on peut sans cesse diversifier les projets créatifs, et donc être heureuse de se lever tous les matins pour dessiner! Son amour des animaux et de la nature a sûrement influencé son style graphique, qu’elle définit elle-même comme «doux et poétique... avec toujours une petite touche d’humour».

Et quand elle pose ses crayons, Marianne s’adonne à sa deuxième passion, le Karaté! "

D’OÙ JE VIENS

Je suis peintre autodidacte. J’ai commencé à peindre à l’huile en explorant différentes techniques. Ne découvrant pas ce que je cherchais, j’ai continué de dessiner pour mon propre plaisir et je me suis tournée vers le graphisme pendant plus de 20 ans, où j’ai exploré différents styles visuels. C’est là que mon style apparût. Ce changement m’a poussé à retourner vers la campagne et à consacrer mon temps à ma vie familiale.

CE QUI M’INSPIRE

Cette autre voie m’a permis de trouver un style d’expression artistique qui reflète mon côté coloré, spontané et doux. Inspirée par le règne animal et l’humain, j’aime peindre mes sujets dans un décor de mouvement et de végétation très colorée. Un décor qui émerveille et transporte dans le rêve, via l’univers magique qui en ressort. Je souhaite toucher cette étincelle de magie présente en chacun.

PAR QUOI JE COMMENCE

Mes œuvres suivent ces étapes de réalisation : je commence par produire un dessin automatique, puis je me laisse inspirer par la gamme de couleurs à utiliser et enfin, je termine par un trait noir à l’encre de chine.

STYLE ARTISTIQUE

Mon art oscille entre le Pop Art, le psychédélique et l’art naïf. Mes œuvres expriment la Joie et nous éveillent à l’Espace du vide par leurs couleurs vives appliquées en aplat à l’aide de peinture acrylique. J’estime que les traits noirs entourant chaque forme créent une distraction pour le mental, qui engendre un calme intérieur. Selon moi, les traits noirs représentent le 0,001%* de notre réalité matérielle, alors que les couleurs en aplats sont l’Espace. Nous croyons être séparés de l’Espace alors que la séparation n’est qu’une infime partie de la réalité, telle qu’on l’entend.

CARACTÉRISTIQUES

Mes œuvres se distinguent par l’absence de segment droit et la présence de mouvement continue. Elles renferment une multitude de formes, allant des cercles, dont plusieurs sont concentriques, aux cœurs et aux fleurs qui s’agencent pour former différents symboles mythiques.

* Selon la physique quantique notre réalité matérielle représente seulement 0,001%, les 99,999% est l’Espace du vide quantique, soit l’illimité.

« Que dire de moi ?

Je suis née en Belgique où je demeure toujours.

Mon goût pour la création et le dessin me vient de ma mère qui m’a initiée depuis mon jeune âge à différents loisirs créatifs et à la lecture.

Une fois que j’ai commencé à dessiner, je n’ai plus arrêté. J’ai gribouillé sur tout et n’importe quoi même mes feuilles de cours.

Mes influences sont nombreuses : La bande dessinée et un peu plus l’univers du manga, les jeux vidéo, le cinéma et les séries, et bien évidemment, mes lectures. Je suis une passionnée des contes, mythes et légendes qui sont des sources inépuisables pour mon imagination.

Au niveau de mes études, j’ai commencé avec une année en dessin avant de poursuivre dans les arts numériques dont je suis diplômée.

Mais par la suite, je me suis recentrée sur l’illustration et la bande dessinée où je peux mieux imaginer, m’exprimer et me sentir moi-même.

Au niveau de mon travail, bien que je colorise le plus souvent mes illustrations par ordinateur, je reste une utilisatrice inconditionnelle du format papier pour mes crayonnés, et je m’essaie parfois à l’aquarelle.

Je ne sais que dire de plus, j’espère que mon travail vous touchera et vous plaira.

Je remercie Oraloa pour la nouvelle expérience et l'aventure qu’il m’offre avec cette collaboration.

A bientôt,

Naruokami »

Nathalia est une artiste brésilienne née à Brasilia et élevée dans une famille d'artistes. Elle a grandi en admirant l'art de sa mère, qui était peintre et sculpteure, et a commencé à dessiner et à peindre dès son plus jeune âge.

Après avoir obtenu son diplôme de l'école secondaire, Nathalia a décidé de poursuivre sa passion pour l'art en étudiant l'illustration à l'université. Elle a perfectionné ses compétences en dessin, en aquarelle et en peinture, et a développé un style unique.

L'art est l'héritage de Natasha Wescoat, originaire du Michigan et issue d'une famille d'artistes, dont la peintre Georgia O'Keefe. Natasha a commencé à peindre à l'acrylique à plein temps en 2004, après la naissance de son deuxième enfant. Depuis le début de sa carrière, elle a vendu plus de 1 000 œuvres originales à des collections privées et professionnelles dans le monde entier. Ses œuvres ont été présentées dans l'émission Extreme Makeover : Home Edition et la sitcom à succès "The Middle", ainsi que dans des films hollywoodiens comme "Marley & Me".

Son travail fait l'objet d'un enseignement artistique dans le monde entier, de la maternelle à l'université, et l'histoire de sa carrière a été citée dans le best-seller du New York Times et du Wall Street Journal "Crush It", dans le magazine The Professional Artist et dans le documentaire de WCMU sur le Michigan "One Person, One Idea".

Natasha a également été invitée en tant que conférencière/artiste à des événements nationaux tels que SXSW Interactive, TEDxDetroit et Thriving Artist Summit. Natasha expose régulièrement ses œuvres dans des galeries à travers le pays et le monde, depuis des lieux prestigieux comme le Ritz-Carlton jusqu'à des galeries populaires de la côte ouest telles que Thinkspace, 111 Minna gallery. Son travail est autorisé pour les articles de maison et les objets de collection, disponibles dans des magasins tels que Macy's, Nordstrom, Target, Bed Bath & Beyond, et bien d'autres encore. Natasha est ambitieuse dans toutes ses entreprises créatives, puisqu'elle est également la fondatrice de l'Art Career Academy et l'auteur de son premier livre pour enfants, "Charlotte Lively and The Not-So-Wicked Witch" (Charlotte Lively et la sorcière pas si méchante).

Née à Leningrad en 1966. Olga Suvorova est la fille de l'artiste honoré de la RSFSR Igor Suvorov. Elle est la représentante de la dynastie des artistes Suvorov, qui comprend les trois générations d'artistes de Saint-Pétersbourg : Le père d'Olga, Igor Suvorov, Natalia et la fille d'Olga, Ekaterina.

En 1998, Olga Suvorova est diplômée de l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg, qui porte le nom d'Ilya Repin, et de l'atelier d'A. Mylnikov.

Olga Suvorova a créé son propre style de peinture - des portraits historiques en costume de personnages dans le style de différentes périodes, telles que la Renaissance et le Rococo. Son travail rappelle le mouvement artistique populaire du XXe siècle à Saint-Pétersbourg, "Mir Iskusstva" ("Le monde des arts"), qui s'inspirait de l'art et de la culture du XVIIIe siècle.

L'artiste participe constamment à des expositions en Russie et à l'étranger. Ses œuvres font partie de collections privées en Angleterre, en Amérique, en Allemagne, en Chine, en Russie et dans d'autres pays.

Rosalyna est une artiste mexicaine spécialisée dans l'illustration. Elle est née à Mexico en 1985 et a grandi entourée de l'art et de la culture mexicaine. Elle a étudié l'illustration à l'Université Nationale Autonome de Mexico, où elle a découvert sa passion pour les techniques traditionnelles telles que l'aquarelle mais aussi dans l'art numérique.

Après avoir obtenu son diplôme, Maria Fernanda a débuté sa carrière en travaillant comme illustrateur pour des magazines et des livres pour enfants. Sa technique de prédilection est l'aquarelle, qu'elle utilise pour créer des illustrations colorées et vives qui reflètent sa culture d'origine.

Au fil des ans, Rosalyna a développé son propre style distinctif, qui se caractérise par des personnages expressifs et des décors riches en détails. Ses illustrations ont été utilisées pour des livres, des magazines, des affiches, et des illustrations pour les enfants.

Actuellement, Rosalyna continue de travailler comme illustratrice et artiste, et elle est considérée comme l'une des artistes les plus talentueuses de sa génération en Amérique Latine. Elle inspire les jeunes illustrateurs avec sa passion pour la culture mexicaine, sa technique virtuose et sa capacité à raconter des histoires à travers ses œuvres.

Les léopards des neiges, les tigres blancs, les éléphants et les lions ; la Terre, la Lune, les galaxies et les nébuleuses - tels sont les sujets qui jaillissent d'une toile de Schimmel et captivent le cœur de ceux qui admirent son œuvre. Depuis plus de vingt ans, Schim Schimmel peint dans un style qui lui est propre, exprimant sur toile son amour et son émerveillement pour cette planète incroyable, ses animaux, et l'univers qui les a créés.

Schim Schimmel a étudié l'art avec son père, William Schimmel, un aquarelliste et professeur d'art reconnu. Par la suite, Schim a enseigné l'aquarelle, la peinture à l'huile et l'acrylique à des milliers d'étudiants pendant plus d'une décennie. En 1987, il a cessé d'enseigner pour se consacrer pleinement à son style artistique en développement, un style pour lequel il est maintenant reconnu dans le monde entier.

En 1991, les œuvres de Schimmel ont été exposées à l'Expo d'Art de Tokyo, au Japon. Son travail a immédiatement été adopté par les Japonais, et un an plus tard, il a été sollicité par Shogakukan, l'un des plus grands éditeurs de livres au Japon, pour écrire un livre pour enfants en utilisant ses œuvres. Depuis, Schimmel a produit six autres livres et a voyagé plus de 50 fois au Japon, participant à des centaines d'expositions d'art dans des dizaines de villes à travers les quatre îles principales du pays. Schimmel continue de participer chaque année à des expositions avec Art Vivant, la première entreprise japonaise d'art de qualité.

Schim et sa femme, JoAnn, vivent en Arizona, aux États-Unis.

L'artiste canadienne Sheena Pike crée des images uniques et colorées qui sont
inspirées par de nombreux sujets différents. Captivant son public avec des détails complexes
détails complexes qui explorent tout, des motifs saisonniers à la nature, en passant par les animaux et les créatures fantastiques, comme ses bébés dragons.
créatures fantastiques comme ses bébés dragons. Les Lil Dragonz de Sheena de Sheena rapidement rapidement les favoris des fans de point de croix et peinture au diamant Les clients.

Elle travaille à la fois avec des supports traditionnels et numériques. Elle n'utilise pas d'IA dans son travail et espère que ses clients et ses fans soutiendront les œuvres d'art créées par des humains. "Les artistes traditionnels ont besoin de ce soutien et l'apprécient plus que jamais dans le monde de l'IA dans lequel nous vivons". Fascinée par la couleur depuis son plus jeune âge, elle en démontre la beauté en tirant pleinement parti de la glorieuse palette de couleurs que notre spectre a à offrir. Son utilisation de la couleur est sa force.

Sheena a été présentée dans le Color Pencil Magazine Student Digest dans le numéro de l'hiver 2015 et a été invitée à nouveau dans le magazine en 2016 pour discuter de ses techniques mixtes. Sheena a également figuré dans d'autres publications et a été interviewée sur son processus de création d'images fantastiques et sur son imagination unique.

Elle a également été interviewée par des distributeurs de produits tels que PanPastel sur ses techniques et son processus. En tant qu'artiste la plus vendue sur le marché du point de croix et de la peinture au diamant et de la peinture au diamant, Sheena s'est fait connaître dans le monde entier. Elle s'est récemment lancée dans le marché du puzzle et espère avoir beaucoup plus de produits à offrir dans un futur proche

Sheena espère continuer à captiver et à créer de belles images qui trouveront leur chemin dans l'imagination et les foyers de nombreuses personnes. "Ne jamais s'efforcer d'être l'ordinaire"

Je m'appelle Svetlana Yanetskaya. Je suis une illustratrice avec plus de 10 ans d'expérience spécialisée dans la création d'illustrations pour livres pour enfants. Mes illustrations ont conquis le cœur de nombreuses mères et enfants à travers le monde.

Qui suis-je ?
Vayounette au pinceau, ayant le dessin pour passion. D'aussi loin que je me souvienne, j'ai toujours dessiné (crayonnés, aquarelles, etc.) J'aime imaginer des mondes fabuleux, emplis de magie et de merveilles. M'attarder sur des détails qui donneront à mes illustrations une petite touche magique, qui fera briller les yeux des enfants.

Pourquoi me tourner vers la jeunesse ?
Car j'ai préservé mon âme d'enfant. J'aime voir des sourires sur les visages des enfants et des plus grands qui découvrent mes illustrations. J'aimerais que chacun puisse se reconnaître à travers mes dessins, que chaque adulte retrouve l'enfant qui sommeille en lui. Ce petit monde fait partie de moi et j'espère qu'il saura vous toucher.