Akira Amaya, born in 1987 in Japan, is an artist who has made a significant impact in the world of digital illustration with her distinctively charming and cute style. From an early age, Akira was captivated by the power of imagery to tell stories and create enchanting worlds. She grew up in a picturesque small town in Japan, where she was often found with a pencil in hand, sketching the landscapes and characters from her rich imagination.

Over the years, Akira developed a unique style marked by bright colors, playful patterns, and an inimitable 'cute' quality. Her works are a harmonious blend of Japanese pop culture and contemporary influences, often capturing moments of joy and innocence.

Despite her reluctance to discuss her academic background, Akira has demonstrated a profound understanding of digital illustration techniques. She has combined her natural talent with technical mastery, allowing her to create works that are both expressive and technically impressive.

Akira began her career by sharing her creations on online platforms, where she quickly gained a dedicated fan base.

Akira Amaya continues to captivate and inspire with her distinctive style, proving that digital art can be both deeply personal and universally appealing. Her journey is a testament to the power of perseverance, creativity, and a passion for art.

I'm Lisa Hudson, a 29-year-old digital artist from Australia. From an early age, I was fascinated by art and technology, which naturally led me to the world of digital art. My love of animals is often a source of inspiration for my work. I create images that capture not only the beauty and spirit of animals, but also scenes that reflect their interaction with the natural world.

I'm particularly passionate about the potential of digital art to raise awareness of wildlife conservation. Through my creations, I seek to establish an emotional connection between the public and the animal world, hoping to raise awareness and respect for our natural environment.

My journey is not only an artistic quest, but also a personal journey that allows me to explore and celebrate the deep connection we share with all forms of life.

La pasión de Gerald por el dibujo y la pintura comenzó en su infancia.

Tras dejar la escuela, asistió a la North Cheshire School of Art and Design, en Inglaterra, y estudió dibujo al natural, arte en general, cerámica y fotografía. Después de terminar este curso hizo un aprendizaje en la impresión y aunque ganó experiencia decidió que esto no era exactamente la carrera para él. Tras varios años trabajando por su cuenta como artista, decidió volver a la educación a tiempo completo y asistió a la Universidad de Plymouth, en Devon (Inglaterra), donde estudió diseño gráfico. A continuación estudió ilustración en la Universidad de Falmouth, Cornualles (Inglaterra).

Durante estos estudios ganó un concurso de diseño de etiquetas de vino y realizó las ilustraciones de la portada de su primer disco. Al finalizar sus estudios con matrícula de honor, se estableció como artista independiente a tiempo completo. Su primer trabajo consistió en ilustrar portadas mensuales para una revista. A continuación, realizó una gran variedad de ilustraciones para editoriales de libros y revistas. Trabaja con escritores y poetas. Realizó portadas de discos para discográficas y músicos. Trabajó para empresas de marketing, fondos de vida salvaje y atracciones turísticas, etcétera. En los últimos años ha trabajado para empresas de rompecabezas y juegos con su arte colorido, detallado e imaginativo.

Jasmine es una pintora acrílica tradicional que combina elementos del realismo con la fantasía y lo surrealista. Las referencias históricas y espirituales se entrelazan con los cuentos de hadas y la belleza de la naturaleza. Sus características doncellas de ojos líquidos evocan una amplia gama de emociones y respuestas a las imágenes que las rodean. Su objetivo es aportar un poco de magia e intriga al mundo mundano con cada cuadro.

Las imágenes de Jasmine aparecen en muchos libros de revistas, así como en innumerables líneas de merchandising como Bradford Exchange, Hamilton Collection, muñecas con Ashton-Drake y sus líneas con Disney. Sus cuadros figuran en colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Jasmine nació en 1979 y empezó a exponer profesionalmente en 1997.

Lucia van den Berg, originaria de una pequeña ciudad de los Países Bajos, descubrió su amor por el arte en su infancia, inspirada por los hermosos campos de tulipanes y los molinos de viento que rodeaban su casa. Los vivos colores y la tranquila belleza de su tierra natal se convirtieron en una constante fuente de inspiración para su arte. Las encantadoras representaciones de la campiña holandesa de Van Gogh ejercieron una profunda influencia en ella, junto con los intrincados patrones y el simbolismo de las obras de Gustav Klimt. Sin embargo, la pasión de Lucia por el arte no se limitaba al paisaje local. De joven, se embarcó en numerosos viajes para explorar diversos paisajes de todo el mundo. Sus obras, creadas principalmente con lápices de madera y combinadas ocasionalmente con arte digital, reflejan los diversos entornos que ha encontrado. Su obra "Familia de guacamayos" está inspirada en su estancia en Sudamérica, donde quedó cautivada por los vibrantes colores y sonidos de la selva. "Escapada a la montaña" y "Campo de fragancias" son testimonios de sus viajes por Canadá y Francia, respectivamente, mientras que "Sakura no Tancho" se inspiró en una visita a Japón, donde se enamoró de la serena belleza de la arquitectura tradicional japonesa y de los simbólicos árboles de grullas y cerezos en flor del país. A pesar de su talento, Lucía sigue siendo una artista relativamente desconocida. Siempre ha preferido la tranquila soledad de sus viajes y la comodidad de su pequeño estudio en los Países Bajos a los focos. Sigue viajando y creando, impulsada no por el deseo de reconocimiento, sino por la alegría de capturar la belleza del mundo en su arte. Sus obras, cada una de ellas una instantánea de un tiempo y un lugar, son apreciadas por quienes tienen la suerte de toparse con ellas.

País de origen: Países Bajos

Influencias: Vincent Van Gogh, Gustav Klimt, su herencia holandesa, sus viajes y su pasión por explorar el mundo natural.

Maria Chetkareva es una ilustradora que se distingue por su habilidad para crear mundos mágicos y de cuentos de hadas que capturan la imaginación. Con una habilidad especial para paletas de colores vivos y un estilo intrincado, sus obras ofrecen vislumbres de lo místico, invocando una sensación de asombro y asombro.

Desde muy joven, Chetkareva mostró un gran interés por el arte, a menudo sumergiéndose en el dibujo y la pintura. Sus padres, ambos artistas, fueron fundamentales para nutrir sus habilidades. Su amor compartido por la narración de historias la imbuyó de un profundo aprecio por las narrativas, que más tarde se convertiría en la columna vertebral de su ilustre carrera.

Después de la secundaria, obtuvo una licenciatura en Bellas Artes, perfeccionando su oficio bajo la tutela de algunos de los mejores artistas de la industria. Después de graduarse, Chetkareva se sumergió en la ilustración profesional, fusionando su pasión por el arte y la narración de historias. Ella canalizó sus visiones únicas en la creación de ilustraciones elaboradas que transportaron sin esfuerzo a los espectadores a diferentes reinos.

Nació en Leningrado en 1966. Olga Suvorova es hija del Artista de Honor de la RSFSR Igor Suvorov. Es la representante de la dinastía de artistas Suvorov, que incluye a las tres generaciones de artistas de San Petersburgo: El padre de Olga, Igor Suvorov, Natalia y la hija de Olga, Ekaterina.

En 1998, Olga Suvorova se graduó en la Academia de Arte de San Petersburgo que lleva el nombre de Ilya Repin, en el taller de A. Mylnikov.

Olga Suvorova ha creado su auténtico estilo pictórico: retratos históricos de personajes en el estilo de varias épocas, como el Renacimiento y el Rococó. Su obra recuerda al popular movimiento artístico del siglo XX de San Petersburgo "Mir Iskusstva" ("El mundo de las artes"), que se inspiraba en el arte y la cultura del siglo XVIII.

La artista participa constantemente en exposiciones en Rusia y en el extranjero. Sus obras se encuentran en colecciones privadas de Inglaterra, América, Alemania, China, Rusia y otros países.

Sheenacrea imágenes únicas y coloridas inspiradas en temas muy diversos. Cautiva a su público con detalles intrincados que exploran desde diseños estacionales hasta la naturaleza, pasando por animales y personas; personajes surrealistas "Big Eye" y, por último, uno de los favoritos de los fans, su superventas Lil Dragonz (como ella los llama). Trabaja con medios tradicionales y digitales. Fascinada por el color desde niña, demuestra su belleza aprovechando al máximo la gloriosa paleta de colores que ofrece nuestro espectro. 

Sheena apareció en la revista Color Pencil Magazine Student Digest en el número de invierno de 2015 y fue invitada de nuevo a la revista en 2016 para hablar de sus técnicas de técnica mixta. Sheena también ha estado en otras publicaciones y fue entrevistada hablando de su proceso de creación al crear imágenes de fantasía y su imaginación única. Sheena también fue entrevistada por distribuidores de productos como PanPastel sobre sus técnicas y procesos.

A medida que ha ido desarrollando un estilo propio y descubriendo su nicho, la gente ha empezado a responder. Sus personajes superventas Lil Dragonz se han hecho un hueco en los corazones de muchos. Sheena ha irrumpido con fuerza en el mercado y quiere seguir cosechando éxitos en el mundo del arte comercial. Tiene los kits de pintura de diamantes más vendidos, además de ser una de las artistas más vendidas en el mercado del punto de cruz. La variedad de imágenes que Sheena tiene para ofrecer son muy adecuadas para los productos comerciales que atraen a una amplia base de fans y una gran variedad de clientes.

Sheena espera seguir cautivando y creando bellas imágenes que se abran camino en la imaginación y los hogares de muchos.

Alex Levin (nacido en 1975) es un artista aclamado de Kiev, Ucrania. Ha expuesto su obra en colecciones públicas y privadas de todo el mundo, incluidos Estados Unidos, Israel, Francia, Italia, Suiza, Bélgica y Ucrania. El arte de Levin abarca el surrealismo y el realismo, y utiliza una variedad de técnicas, que incluyen pinturas al óleo, acrílico, lápiz, carbón y témpera. Le gusta especialmente la técnica de múltiples capas del siglo XVI que utiliza témpera y óleo sin pinceladas.

Después de servir tres años en el ejército de Israel, Levin emigró a Israel y estudió diseño industrial y web. Fue asesorado por el profesor Baruch Elron, presidente de la Asociación de Artistas de Israel, durante más de 10 años. El trabajo de Levin ha sido reconocido por muchas figuras influyentes, entre ellas: el actor y productor Richard Gere, Madonna, el jazzista Oscar Peterson y el ex presidente de Israel Ezer Weizman.

Durante más de 10 años, Alex estuvo estudiando nuevos estilos y técnicas artísticas con el profesor Baruch Elron , presidente de la Asociación de Artistas de Israel.

Actualmente Alex Levin está trabajando en los siguientes temas: “ Tradición de la herencia judía ”, “ Tel Aviv – La colina de la primavera ”, “ Venecia a través de los ojos de la máscara ”, “ Sinfonía de la lluvia ”, “ Raíces ” y “ Colores del judaísmo ”. .

“ Tradición de la herencia judía ” es una colección de obras del sagrado Muro de las Lamentaciones de Jerusalén y el barrio religioso circundante. Levin ha capturado a los habitantes del barrio ultraortodoxo de Mea Shearim en Jerusalén, a los atributos judíos y a la gente en el Muro de las Lamentaciones. En 2007, Alex recibió la Medalla por la Contribución al Arte Judaico de la Knesset.

“ Tel Aviv – La colina de la primavera ” está inspirada en su estación favorita y está dedicada a Tel Aviv: su gente, su arquitectura, el mar y sus playas. Representa a personas contra edificios blancos como la nieve en días soleados con cielos despejados.

“ Venecia a través de los ojos de la máscara ” adopta un enfoque completamente único y presenta al espectador la característica más destacada del carnaval veneciano: la Máscara. Sus pinturas anteriores de la “Colección de máscaras” se presentaron en 2002 en Venecia y le valieron a Levin una beca para la Academia de Arte de Venecia. El programa apoyó el desarrollo continuo de los artistas y les permite dedicar un tiempo sustancial a la creación de nuevas obras.

“ Sinfonía de la Lluvia ”. Cada pintura se inspiró en la música de diferentes compositores.
Un cuadro completa al otro, un compositor es reemplazado por otro, la mañana brumosa se transforma en una tarde lluviosa y un cielo estrellado sobre la laguna: un rompecabezas de cuarenta cuadros que describen la ciudad de ensueño sobre el agua: ¡VENECIA!

“ Colores del judaísmo ” Me ayuda mucho cuando presento las antiguas oraciones sagradas de los judíos, desde hace mil años, tengo la tarea más importante: derramar todo este espíritu, todas las lágrimas derramadas por los judíos que lloran por el Templo destruido. Un buen día, tenía muchas ganas de representar en un lienzo todos los milenios de la historia judía. Esta serie ahora está en pleno apogeo, constará de 50-60 pinturas, hoy ya son 20. La gente siente perfectamente el buen aura mágica y la energía que emana de mis dibujos, lo cual es increíblemente agradable, estoy haciendo mi trabajo con todas mis fuerzas. corazón.

Alicia Patson, una ilustradora estadounidense de 34 años, ha dejado una huella significativa en el ámbito del arte digital encantado. Nacida en 1990 en Estados Unidos, Alicia desarrolló desde temprana edad una pasión por el dibujo y la pintura digital. Su estilo único combina elementos de fantasía con un toque de realismo, lo que la hace popular en diversas plataformas artísticas.

A lo largo de los años, Alicia se especializó en la creación de obras de arte digitales que cautivan la imaginación, a menudo inspirándose en la naturaleza y lo sobrenatural. Sus ilustraciones son famosas por su capacidad de transportar a los espectadores a mundos fantásticos, mezclando hábilmente sueño y realidad.

Alicia, que actualmente reside en San Francisco, continúa superando los límites de su arte mientras inspira a una nueva generación de artistas digitales.

¡Hola! Soy Brígida. Soy un artista profesional a tiempo completo (esa es una frase que me dejaría boquiabierto cuando tenía doce años).

No soy bueno escribiendo este tipo de biografías para conocerme, así que pensé en responder algunas preguntas frecuentes que me hacen. Si tienes alguna pregunta para mí, ponte en contacto .

¿Fuiste a la escuela de arte?

Bueno, para mí es una situación de sí y no. De hecho, recibí una oferta de beca para la Escuela de Arte Corcoran, pero desafortunadamente, no pude pagarla ni siquiera con la beca. Entonces, en lugar de eso, fui a un colegio comunitario por un tiempo y también asistí al Colegio de Arte y Diseño de Maryland. Aunque no terminé graduándome, tuve algunos artistas profesionales increíbles en mi familia mientras crecía. Mi tatarabuelo, George Bockius , fue una gran influencia en mi desarrollo artístico cuando era niño. Mis padres también me apoyaron y tomé clases privadas de arte cuando era niña, donde aprendí todo sobre acuarela, óleo, acrílico y más. Desafortunadamente, después de años de pintura tradicional, desarrollé algunas sensibilidades desagradables a los químicos, así que tuve que cambiar al arte digital por el bien de mi salud. Aprender arte digital fue un proceso de tomar clases en línea, leer libros y mucha práctica. En 2016, me convertí en maestro de Corel Painter*, lo cual fue genial.

Entonces, ¿cómo empezaste?

Bueno, comencé mi carrera como diseñador gráfico usando Corel Draw y Adobe Photoshop. Diseñé cosas para sitios web y medios impresos, al mismo tiempo que practicaba mis bellas artes. Con el tiempo, descubrí el mundo de las licencias de arte y me di cuenta de que podía utilizar mis habilidades de diseño gráfico para crear obras de arte que atrajeran a un mercado más amplio. Intento crear diversas colecciones de arte que cubran diversos estilos y temas mientras me mantengo al día con las tendencias y mantengo un atractivo constante. ¿Y sabes qué? Aquí estoy, veinte años después, con una exitosa carrera en materia de licencias de arte.

Probablemente te estés preguntando cómo gano dinero realmente, ¿verdad?

Bueno, me gano la vida como artista teniendo una amplia gama de estilos y temas en mis obras de arte y vendiéndolas de diversas maneras.

En primer lugar, doy licencias de mi arte a los fabricantes. Básicamente, las empresas que fabrican cosas como rompecabezas, kits de puntos de diamantes, calendarios, patrones de punto de cruz, joyas, ropa, decoración del hogar y más, me pagan por usar mis diseños en sus productos. De aquí proviene la mayor parte de mi negocio.

¡Pero eso no es todo! También vendo mi trabajo en mi tienda de Etsy. Me asocié con una imprenta profesional para crear cosas increíbles como camisetas, bolsas con cremallera (perfectas para bolsas de tarot), tazas de café, arte mural, camisas, artículos de cocina y bolsas de mano. Cuando compras en mi tienda de Etsy, estos artículos se envían directamente a tu puerta.

*Corel Painter es un programa de pintura digital para PC y Mac. Es el primer programa de pintura digital del que me enamoré. Ahora pinto exclusivamente en Procreate en iPad.

El artista automotriz, Bruce Kaiser, ha tenido una pasión por dibujar, dibujar, diseñar y pintar autos desde que pudo sostener un lápiz. Le encanta pintar hot rods, autos drag, muscle cars, autos deportivos, autos Indy, Fórmula Uno... cualquier tipo de auto siempre que sea genial, ruidoso y rápido. Creció en los años 60 pasando el rato en el A&W Drive-In local primero en su bicicleta y luego con sus primeros autos. Fue la edad de oro de los grandes muscle cars de Detroit y las imágenes y los sonidos de los autos calientes bajo las luces en una hamburguesería local todavía influyen en Bruce en la actualidad. Bruce se esfuerza por capturar esas perfectas noches de verano tal como las recuerda en sus pinturas. La pista de arrancones local tenía carreras de arrancones los viernes por la noche y él pasó muchas noches allí tratando de captar la emoción de los coches divertidos de los años 60 y 70 y los coches de carreras bajo las luces de la película y ahora con pincel y pintura. Sus pinturas presentan los grandes muscle cars y hot rods como GTO, Camaros, Hemi-Cudas, Novas, Chevelle SS, Mustangs, 32 Ford cupés, Yenko Camaros, Super Bees, 40 Ford Coupés y muchos más. A Bruce le gusta mostrar los autos en sus pinturas tal como los recuerda cuando era niño, no como muscle cars nuevos y prístinos, sino como autos que fueron modificados y corrieron como un SS Chevelle con revistas o un Chevy 55 con guardabarros recortados. Muchas de sus pinturas de hot rod y muscle car están a la venta como impresiones numeradas y firmadas de edición limitada.

Comenzó su carrera artística como artista publicitario y diseñador gráfico después de graduarse del Instituto de Arte de Boston. Después de 16 años con una agencia de publicidad local, se independizó y actualmente crea arte publicitario e ilustraciones para muchos fabricantes de equipos de street rod, muscle car y autos de carreras. Su arte comercial, que incluye cortes, vistas ampliadas, arte lineal e ilustraciones a todo color, ha aparecido en la mayoría de las principales revistas entusiastas de street rod y muscle cars y sus diseños de catálogo han ganado numerosos premios de asociaciones comerciales.

El proceso de pintura

Las pinturas de Bruce están pintadas del mismo tamaño o más grande que la impresión de arte terminada. Le gusta pintar en grande para poder capturar los detalles que hacen que sus pinturas sean especiales. Bruce se esfuerza por hacer que sus pinturas sean lo más precisas técnicamente posible y pasa mucho tiempo investigando cada tema (que es la parte divertida porque puede revisar sus revistas viejas). Las pinturas se realizan con un color de agua opaco llamado "Designers Gouache" en un tablero de ilustración profesional liso. El tablero de ilustración suave tiene un diente muy fino que le da una textura agradable a los trazos de pincel pero mantiene un borde afilado para obtener detalles finos. Se utiliza un cepillo de aire para difuminar suavemente el acabado de un automóvil. Utiliza Designers Gouache debido a los colores brillantes y los detalles nítidos que son posibles y a Bruce le encanta el arte publicitario automotriz de los años 60 y las representaciones arquitectónicas que se crearon con él. Una desventaja de las acuarelas opacas es que es difícil hacer cambios o corregir errores.

Bruce comenzó a exhibir sus bellas artes con la primera exhibición de bellas artes Hot Rod Heritage en 1986 en la feria SEMA de Las Vegas, donde desde entonces ha sido artista principal. También ha sido un artista destacado en la exposición de arte Gallery Automania Hot Rod Heritage en Rochester, Michigan. Su pintura "Jim Hogg County" fue el primer arte utilizado en la portada de la revista Street Rodder. También ha escrito e ilustrado artículos que han aparecido en las revistas Street Rodder y Custom Rodder. Group Promotions le encargó que hiciera la ilustración de la portada del libro "Road Rockets", uno de los títulos de una colección de edición limitada de las famosas novelas Hot Rod para adolescentes de principios de los 60 del autor Henry Gregor Felsen. También realiza diseños de automóviles y representaciones conceptuales para constructores de automóviles personalizados como Posies Rods y Customs.

Bruce también rotuló y creó gráficos y murales para autos de carrera, camionetas y tanques de bicicletas, pintó con aire el detalle "Chrome" en carrocerías de autos divertidos y realizó trabajos de llamas de hot rod "en el pasado". Además de su arte automotriz, Bruce disfruta creando pinturas aeroespaciales y de ciencia ficción y ha sido publicado en la revista National Space Society. Es un ávido fanático de la F1, Indy Cars, NASCAR y Drag Racing. También le encantan los grandes clásicos americanos y europeos, los deportivos y los coches de carreras antiguos. Bruce vive al norte de Albany, Nueva York con su esposa Tina y sus dos perros Westie y tiene un hijo, Warren. Él y su esposa disfrutan jugando con su colección de autos viejos y llevándose el Rambler Rogue del 67 convertido (¡401 y 2-4bbls!) en viajes por carretera, espectáculos y cruceros.

Dominic Davison nació en Londres en 1972 y ahora vive en Buckinghamshire, Reino Unido, donde se inspira para sus escenas idílicas y románticas. Ha estado creando arte durante muchos años y en este tiempo construyó una base de seguidores leales, que ahora se extiende por todo el mundo.

Antes de unirse a MGL, trabajó como artista independiente y su trabajo se publicó en revistas como '3D Artist' y 'Advanced Photoshop'. Esto incluye tutoriales y galerías de doble página.

También escribe una columna regular para '3D Artist'. Sus influencias son variadas e incluyen maestros del paisaje como Barend, Cornelis, Koekkoek, Ruisdael y Constable. Los artistas contemporáneos que lo inspiraron incluyen a Keith Melling, Charles H. White y Terry Redlin.

Sus pasatiempos incluyen el cine, los videojuegos, las galerías de arte y hacer música.

Soy un artista estadounidense autodidacta que trabaja en el estudio de mi casa en Idaho Falls, Idaho. Vendo mis obras de arte en línea, en eventos y a través de productos con licencia desde 2006.

Mi infancia transcurrió en el norte de California, donde descubrí por primera vez mi pasión. Como muchos artistas, he estado obsesionado con dibujar y colorear desde que tengo memoria. Todo estaba bien en el mundo cuando recibí un nuevo libro para colorear y una nueva caja de lápices de colores o crayones. Siempre ha sido parte de mí: mi primer trabajo independiente remunerado fue cuando tenía solo 11 años (proporcionar un dibujo a lápiz de color de un águila calva americana para el hijo de mi profesor de ciencias como regalo de cumpleaños); Yo era el artista dedicado en cada proyecto de grupo escolar; ¡y después de la escuela yo era la chica que llamaba a tu puerta tratando de venderte marcadores dibujados a mano por 50 centavos cada uno! Cuando no estaba en la escuela, haciendo la tarea o haciendo los quehaceres, estaba dibujando, escribiendo, leyendo o haciendo algo. Soy un artista completamente autodidacta y obtuve mi título de asociado en negocios en 2007. ¡Estoy emocionado de poder compartir mi talento con el mundo y ganarme la vida!

Mis obras de arte originales están creadas a mano, usando lápiz de acuarela y tinta sobre tablero de ilustración, utilizando materiales y técnicas tradicionales. Los tamaños van desde miniatura (2.5"x3.5" hasta 11"x14", aunque puedo ir un poco más grande). A veces trabajo en acrílico sobre madera lo que me permite pintar un poco más grande y usar diferentes técnicas. También hago todos mis propios gráficos para Internet y uso de productos, y produzco muchas de mis propias impresiones y productos en el estudio, y autopublico mis propios libros para colorear y cromos. Actualmente, doy licencias de mi obra de arte a empresas externas para su uso en productos como gráficos de punto de cruz, artículos de papelería, sellos de goma y más. ¡Me encanta poder ofrecer mi obra de arte en productos que sé que la gente usará y disfrutará!

Los fanáticos han coleccionado mis obras de arte en sitios como eBay y Etsy durante muchos años, y cientos de mis pinturas e impresiones originales se pueden encontrar en numerosas colecciones personales en todo el mundo. ¡Mis fans son muy especiales para mí porque no estaría donde estoy hoy sin su apoyo! Espero con ansias un futuro maravilloso de otorgar licencias para más productos, ilustrar libros y pintar más personajes divertidos y obras de arte para que todos disfruten :).

Julia Spiri es una artista con un estilo y talento únicos. Ella pone tanto detalle en cada dibujo, haciéndolos una delicia para colorear y darles vida. Si amas el mundo de la fantasía y la magia, definitivamente su arte es para ti.

Julia trabaja como artista independiente y la pintura es su trabajo de tiempo completo. Julia tiene una licenciatura en Bellas Artes. Durante muchos años ha pintado retratos e ilustraciones. Ha ilustrado una variedad de libros para colorear y libros de cuentos para niños. Su estilo está influenciado por Whimsical, Fantasy Art y Pop Surrealism.

Julia vive cerca de Barcelona en España y tiene 3 grandes pastores alemanes.

Julie Courchesne se inspira en los placeres simples de la vida. Crea obras que evocan el recuerdo de una época y que te hacen sonreír. Además, la combinación de dibujo y pintura aporta una perspectiva singular a sus pinturas. Todos sus trabajos tienen una sensación ligera y esquemática y cobran vida con colores vibrantes y texturas únicas.

El arte ha sido parte de la vida de Julie desde que era una niña y fue durante sus años de escuela secundaria que tomó sus primeras clases de pintura al óleo. Con el tiempo y los estudios universitarios, el arte y la pintura fueron dejando de lado temporalmente. Sin embargo, tan pronto como completó sus cursos, volvió a su pasión y exploró un nuevo medio, los acrílicos, que todavía usa hoy.

Para Julie, su verdadero avance provino de una visita a una galería de arte en la ciudad de Quebec en 2013. Inmediatamente se sintió atraída por este campo artístico. A partir de entonces, la pintura ocuparía un lugar muy especial en su vida. Desde entonces, utiliza un método autodidacta y pinta a diario.

Julie es una artista apasionada para quien una vida sin pintura sería inimaginable, gris y vacía. El arte le da un equilibrio en su vida diaria y utiliza este apego para liberar su creatividad y expresar sus emociones. Esta llama, que el arte representa en sus ojos, le permite escapar, detener el tiempo y vivir plenamente el momento presente.

La artista Nadezhda Strelkina nació y creció en el pueblo de Fedoskino, cerca de Moscú. Strelkina es su apellido en el matrimonio y en la niñez es Burbysheva. La familia Burbyshev dio a varias generaciones de famosos artistas Fedoskino. A principios del siglo XIX y XX, el bisabuelo de Nadezhda era dueño de una pequeña fábrica llamada Taller Burbyshevskaya, que producía cajas de rapé pintadas con laca, pitilleras de plata, tazas, etc. La revolución de 1917 hizo imposible el emprendimiento privado y el "taller de Burbyshev" " cerrado. Sin embargo, la dinastía de Burbyshev Zakhar Timofeevich fue continuada por sus hijos, Semyon y Dmitry, quienes fueron los principales artistas del artel Fedoskino en la época soviética. El padre de Nadezhda Strelkina, Viktor Semyonovich Burbyshev, fue uno de los mejores artistas de la fábrica de pintura en miniatura Fedoskino y trabajó allí durante más de 40 años. Después de graduarse de la escuela Fedoskino de pintura en miniatura, Nadezhda también continuó la dinastía de artistas.

Su talento para la pintura se manifestó muy temprano. Considera que sus principales maestros en el arte son los viejos maestros clásicos. Inspirándose en ellos, así como en antiguos cuentos de hadas y leyendas espirituales rusas, crea imágenes que despiertan sentimientos amables y brillantes en el espectador. El estilo artístico de Nadezhda es único y hace que sus obras sean inmediatamente reconocibles. La manera de escribir es muy delicada y es famosa por la representación suave y delicada de rostros como si brillaran desde dentro. Esta es la encarnación del ideal ruso de belleza femenina. Las obras de arte de Nadezhda Strelkina se encuentran en el Museo de la Fábrica Fedoskino y en muchas colecciones privadas en Rusia y en el extranjero. En 1997, las artes de Nadezhda obtuvieron licencia en los Estados Unidos e inmediatamente ganaron una inmensa popularidad. La mayor empresa de souvenirs, "The Bradford Exchange", lanzó una serie de cajas de música, platos de porcelana, adornos para árboles de Navidad, etc., llamada "Sinfonía de los Ángeles". Por esta serie, Nadezhda recibió la copa de cristal "Nuevo nombre del año".

Y desde entonces Nadezhda colabora con varias empresas. Sus obras de arte se pueden ver en diversos productos (postales, calendarios, rompecabezas, adornos para árboles de Navidad, platos coleccionables, cajas de música, etc.) en prácticamente cualquier país del mundo. Gracias a la oportunidad de ganar dinero vendiendo sus imágenes bajo licencia, Nadezhda no pudo vender los originales de sus obras de arte y, habiendo acumulado una gran colección, pudo cumplir su viejo sueño: abrir su propio museo privado en su tierra natal. Cajas de laca rusa en el famoso pueblo de Fedoskino. La colección del museo incluye más de 40 obras de miniaturas lacadas (cajas, cofres, paneles de pared), creadas por Nadezhda durante los últimos 20 años.

"¿Qué puedo decir de mí?

Nací en Bélgica, donde todavía vivo.

Mi gusto por la creación y el dibujo viene de mi madre quien me introdujo en diferentes aficiones creativas y la lectura desde muy joven.

Una vez que comencé a dibujar, no paré. Garabateé en cualquier cosa y en todo, incluso en mis hojas escolares.

Mis influencias son numerosas: los cómics y un poco más el universo manga, los videojuegos, películas y series, y por supuesto, mis lecturas. Soy un apasionado de los cuentos, mitos y leyendas que son fuentes inagotables para mi imaginación.

En cuanto a mis estudios, comencé con un año en dibujo antes de continuar en artes digitales de donde me gradué.

Pero después me volví a centrar en la ilustración y el cómic donde puedo imaginar, expresarme y sentirme mejor.

En cuanto a mi trabajo, aunque mayoritariamente coloreo mis ilustraciones en ordenador, sigo siendo un usuario incondicional del formato papel para mis lápices, y en ocasiones pruebo con la acuarela.

No sé qué más decir, espero que disfrutéis de mi trabajo.

Agradezco a Oraloa la nueva experiencia y la aventura que me ofrece con esta colaboración.

Narukami

El arte es el patrimonio del nativo de MichiganNatasha Wescoat, que proviene de una familia de artistas, incluido el pintor Georgia O’Keefe. Natasha ha sido un pintor acrílico a tiempo completo a partir de 2004 después del nacimiento de su segundo hijo. Desde el lanzamiento de su carrera, ha vendido más de 1000 obras originales a colecciones privadas y corporativas en todo el mundo. Su arte ha aparecido en ABC’s Extreme Makeover: Home Edition y la exitosa comedia de situación "The Middle", así como películas de Hollywood como "Marley & Me".

Su trabajo es el tema de la educación artística en todo el mundo desde el jardín de infantes hasta la universidad y su historia de carrera ha sido referenciada en el libro más vendido de New York Times y Wall Street Journal "Crush It", la revista de artistas profesionales y el documental de WCMU Michigan "One One Persona, una idea ".

Natasha también ha sido una oradora/artista invitada en eventos nacionales como SXSW Interactive, TEDXDetroit y próspera cumbre de artistas. Natasha exhibe regularmente su trabajo en galerías de todo el país y el mundo, ya que se muestra en todas partes, desde prestigiosos lugares como el Ritz-Carlton hasta las populares galerías de la costa oeste como Thinkspace, 111 Minna Gallery. Ella tiene licencia para el bien del hogar y los coleccionables que han estado disponibles en tiendas como Macy’s, Nordstrom, Target, Bed Bath & Beyond y más. Natasha es ambiciosa en todas sus empresas creativas, ya que también es la fundadora deAcademia de Carrera de Arte y la autora de su primer libro para niños, "Charlotte Lively y la bruja no tan comprometida".

Steve creció en Cornwall y la costa siempre ha sido una gran influencia e inspiración para él. Tuvo la suerte de contar con el pintor de Cornualles John Piper como profesor de arte en la escuela y, a través de él, obtuvo una plaza en la Escuela de Arte de Falmouth en 1987.

Luego pasó más de una década en la industria de la publicidad y el diseño, trabajando en Londres y Amsterdam, antes de regresar a la costa en 2003, a Dorset.

Como artista, Steve tiene un interés recurrente en los paisajes costeros y las escenas marinas, y sus pinturas a menudo transmiten una sensación de anticipación al pasar el día en la playa.

Una gran influencia en el trabajo de Steve ha sido la obra de arte asociada con los carteles de viajes de las décadas de 1920 y 1930, donde los detalles se mantienen al mínimo y el uso de colores planos y formas fuertes creadas por luces y sombras.

Otro factor de motivación para su arte es el color: elige utilizar una paleta limitada de tonos terrosos y desaturados.

Hola, soy Tschandria !

Soy artista por un lado y por otro soy camionera. De alguna manera vivo en dos "mundos" diferentes, pero necesito este contraste entre el trabajo tosco y el de filigrana. ¡Esto me inspira!✨

Quién soy ?
Vayounette con pincel, apasionada por el dibujo. Desde que tengo memoria, siempre he dibujado (lápices, acuarelas, etc.) Me encanta imaginar mundos fabulosos, llenos de magia y maravilla. Me gusta detenerme en los detalles que le darán a mis ilustraciones un toque mágico, que hará brillar los ojos de los niños.

¿Por qué recurro a la juventud?

Porque he conservado mi alma de niño. Me gusta ver sonrisas en los rostros de niños y adultos que descubren mis ilustraciones. Me gustaría que todos pudieran reconocerse a través de mis dibujos, que cada adulto encontrara al niño en ellos. Este pequeño mundo es parte de mí y espero que te toque.

Nací en Rusia. Mi padre era militar, piloto de combate. Entonces, como pueden ver, nos mudamos mucho. Pasé mi infancia y juventud de un lugar a otro.

De Estonia a Letonia, incluso del Ártico a Ucrania y siete años en Siberia.

Vivo en Madrid (España) desde 2002. Mi marido es español y yo también amo este país.

Siempre he dibujado y pintado, desde mi infancia. Yo tenía este regalo. En 2004 también comencé a esculpir hasta que descubrí Photoshop. Desde entonces, trabajo exclusivamente en este campo. Creo que es un resumen de todo lo que hice antes.

La fotomanipulación es mi pasión, ¡pero también lo es mi trabajo!