Carissa Harris

Carissa Harris

Carissa a commencé à dessiner dès son plus jeune âge, s'inspirant des livres d'images, des bandes dessinées et de ses films d'animation préférés. Elle a étudié le graphisme et l'animation à Brisbane, en Australie, mais est tombée amoureuse de l'illustration lorsqu'elle a travaillé sur son premier livre pour enfants. Elle vit aujourd'hui à Melbourne, où elle aime explorer les cafés des ruelles et observer la chute des feuilles d'automne, tout en faisant de son mieux pour rester au chaud. Elle passe la plupart de ses journées à dessiner sur sa tablette ou son ordinateur, avec une tasse de café chaud et un bon podcast ou livre audio en fond sonore. Bien qu'elle travaille en numérique, son travail artistique s'inspire des styles d'illustration traditionnels des livres classiques pour enfants qu'elle lisait lorsqu'elle était petite. Elle aime créer des personnages amusants dans des décors colorés et essaie généralement de dessiner un chat ou un chien quelque part sur la page si elle le peut.

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Denitsa

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Adrian Chesterman

Adrian Chesterman

Adrian Chesterman studierte Bildende Kunst an der Norwich School of Art und Illustration am Royal College of Art, Kensington, London. Seit er das R.C.A. verlassen hat, hat Chesterman in fast allen Bereichen der Kunstwelt gearbeitet.

Als Illustrator hat er für fast jeden, an fast allem und fast überall gearbeitet. Die Werbeillustrationen für „Jurassic Park“ für Stephen Spielberg in Los Angeles, die Sets für „Sunset Boulevard“ für Andrew Lloyd-Weber in Frankfurt. Zu den Werbeaufträgen zählen „Coca Cola“ in Atlanta, „Southern Sun Hotels“ in Kapstadt und Videospielillustrationen für „Nintendo“ in Chicago. Entwürfe und Visualisierungen für originelle Themenparks in den Vereinigten Arabischen Emiraten und China, „Spiderman“-Spiele für MGA in Los Angeles und in den letzten zehn Jahren wurden fast 50 Seiten für die Flugzeugtriebwerksabteilung von Rolls Royce in London illustriert Zeitschrift „Flight“.

Zu seinen jüngsten Projekten gehört die Erstellung der gigantischen Illustration des größten Puzzles der Welt, die Educa Boras in Barcelona in Auftrag gegeben hat. Mit unglaublichen 33.600 Teilen und einer Größe von 2 mal 6 Metern stellt es eine Dschungelszene voller Details dar. Wir haben auch eine Reihe von Covern für die Taschenbuchreihe „Armchair Reader“ produziert, die von Publications International in Illinois veröffentlicht wurde, sowie alle 21 Cover für die „Famous Five“, Enid Blightons klassische Serie. Saatchi & Saatchi's in Sydney hat gerade eine Reihe von Toyota Landcruiser-Illustrationen für die Sydney Motor Show 2015 in Auftrag gegeben und Seaworld in den Vereinigten Staaten hat gerade ein Poster für seinen neuen Themenwasserpark „Turtle World“ in San Diego in Auftrag gegeben Außerdem illustrierte Chesterman Buchumschläge für Jackie Collins, Jack Higgins und Dick Francis, zahlreiche Kinderbücher über Dinosaurier und eine illustrierte Kinderenzyklopädie. Er hat unzählige Cover von Musikalben illustriert, darunter „Bomber“ für Motorhead, „The meaning of Life“ für das Monty Python-Team und „The Road to Hell“ für Chris Rea. Außerdem illustrierte er ein animiertes Musikvideo für „Baby's Coming Back“ der Eurythmics und baute und bemalte sogar eine echte Gitarre in Form eines Totenkopfes für die neue Romantikgruppe „Adam and the Ants“.

Das Porträt ist eine weitere künstlerische Richtung Chestermans. Zu den früheren Kommissaren zählen Prinz Adan Czartoryski-Bourbon, Cousin von König Juan Carlos von Spanien, Mikael Baryshnikov, der Balletttänzer, ein gewisser Hauptmann der walisischen Garde, ein paar Hollywood-Schauspieler, unzählige Kinder, Katzen, Hunde und ein Pferd namens George. Oh... und ein Nacktporträt von „Wolf“, dem Fernseh-„Gladiator“, das irgendwie auf Seite 5 einer überregionalen Tageszeitung landete, aber je weniger darüber gesagt wird, desto besser!

Chesterman hatte seine erste Gemäldeausstellung bei Liberty's in der Regent Street, als er noch am Royal College of Art war. Anschließend stellte er im Centre Pompidou in Paris und in der Gallerie Schémes in Lille, Frankreich, auf der International Contemporary Art Fair in Olympia, in Spinks, im Kensington Town Hall und im BBC Centre in London, in der Batey Gallery in Singapur und in der Madison Gallery in Los Angeles aus Angeles und in vielen Ländern Spaniens. Er trat in der Riverside Show, 01 für London, Artrage und anderen Kunstsendungen im Vereinigten Königreich sowie in Fernsehsendungen in Spanien auf.
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Agustini

Agustini

Agustini ist ein Künstler italienischer Herkunft aus Quebec, der sich für digitale und fantastische Kunst begeistert. In einer fantasievollen Welt seit seiner frühesten Kindheit bietet Agustini heute seine Kunst der breiten Öffentlichkeit an.
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Akira Amaya

Akira Amaya

Akira Amaya, geboren 1987 in Japan, ist eine Künstlerin, die sich mit einem unverwechselbaren Stil, der Schönheit und Zärtlichkeit zelebriert, in der Welt der digitalen Illustration etabliert hat. Schon in jungen Jahren war Akira fasziniert von der Kraft von Bildern, Geschichten zu erzählen und fesselnde Welten zu erschaffen. Sie wuchs in einer kleinen, malerischen Stadt in Japan auf, wo sie oft mit Bleistift in der Hand anzutreffen war und mit ihrer reichen Fantasie Landschaften und Menschen zeichnete.

Im Laufe der Jahre entwickelte Akira einen einzigartigen, charakteristischen Stil durch leuchtende Farben, verspielte Muster und eine unnachahmliche „niedliche“ Qualität. Seine Werke sind eine nahtlose Mischung aus japanischer Popkultur und zeitgenössischen Einflüssen und fangen oft Momente der Freude und Unschuld ein.

Trotz seiner Zurückhaltung, seinen akademischen Hintergrund zu diskutieren, hat Akira eindeutig ein tiefes Verständnis für digitale Illustrationstechniken bewiesen. Es ist ihr gelungen, ihr natürliches Talent mit technischer Meisterschaft zu kombinieren und so Werke zu schaffen, die sowohl ausdrucksstark als auch technisch beeindruckend sind.

Akira begann ihre Karriere mit der Veröffentlichung ihrer Kreationen auf Online-Plattformen, wo sie schnell eine engagierte Persönlichkeit gewann Fangemeinde. 

Akira Amaya fasziniert und inspiriert weiterhin mit ihrem unverwechselbaren Stil und beweist, dass digitale Kunst sowohl zutiefst persönlich als auch universell ansprechend sein kann. Seine Reise ist ein Zeugnis der Kraft der Beharrlichkeit, Kreativität und Leidenschaft für die Kunst.
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Al Hogue

Al Hogue

Al Hogue beschreibt seine Kunst und Philosophie mit einem Wort: „Licht“, das er als „ein Spiegelbild der Natur, des Lebens selbst“ beschreibt. Seit seiner Kindheit fand Hogue, dass visuelle Medien seiner Natur als legasthenem Künstler viel besser gerecht werden als Worte. In seinen Werken schafft er eine Welt des Friedens, indem er seine Beherrschung von Farbe und Licht nutzt, um sich selbst und den Stress anderer zu lindern. Hogue nutzt seine Kunst zum Heilen: Seine Werke wurden in Krankenhausstudien verwendet und es wurde festgestellt, dass sie zur physiologischen Heilung beitragen; Mittlerweile schmücken sie Hunderte von Krankenzimmern im ganzen Land. Darüber hinaus befinden sich Hogues Werke in privaten und öffentlichen Sammlungen in den Vereinigten Staaten und auf der ganzen Welt.
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Alan Brown

Alan Brown

Alan ist ein freiberuflicher Künstler, der als Storyboard-Künstler für eine Londoner Agentur begann, bevor er zu seinen Wurzeln im Nordosten zurückkehrte, um eine Karriere im Grafikdesign zu verfolgen. Obwohl es ihm Spaß machte, für große Kunden im Designbereich zu arbeiten, liebte Alan die Illustration schon immer. 13 Jahre später, nachdem er als Tätowierer gearbeitet hatte, kam er vor die Haustür von Advocate Art. Seitdem Alan vor anderthalb Jahren zu Advocate Art kam, hatte er die Gelegenheit, an einer Vielzahl von Projekten zu arbeiten, darunter an den Graphic Novels „Ben 10 Omniverse“ für Viz Media sowie an Kinderbuchillustrationen für Verlage wie Harper Collins und Watts. Je nach Kunde kann er sich vielen Stilrichtungen hingeben, aber da er ein starkes Interesse an der Welt der Comics hat, arbeitet er gerne an gewagten grafischen Werken und Comicstrips. Er arbeitet in einem Dachstudio mit seinem treuen Begleiter Ollie, dem Zwergschnauzer (Miniaturgröße, Riese in Persönlichkeit und Appetit) und seinen beiden Söhnen Wilf und Teddy.

Übersetzt mit DeepL.com (kostenlose Version)

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Alex Levin

Alex Levin

Alex Levin (geb. 1975) ist ein renommierter Künstler aus Kiew, Ukraine. Er hat seine Werke in privaten und öffentlichen Sammlungen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter in den USA, Israel, Frankreich, Italien, der Schweiz, Belgien und der Ukraine. Levins Kunst reicht vom Surrealismus bis zum Realismus und er verwendet eine breite Palette von Techniken, darunter Ölfarbe, Acryl, Bleistift, Kohle und Tempera. Er liebt besonders die Mehrschichttechnik aus dem 16. Jahrhundert, bei der Tempera und Öl ohne Pinselstriche verwendet werden.

Nachdem er drei Jahre in der israelischen Armee gedient hatte, wanderte Levin nach Israel aus und studierte Industriedesign und Webdesign. Er wurde über zehn Jahre lang von Professor Baruch Elron, dem Präsidenten der Vereinigung israelischer Künstler, betreut. Levins Arbeit wurde von vielen einflussreichen Persönlichkeiten gewürdigt, darunter dem Schauspieler und Produzenten Richard Gere, Madonna, dem Jazzspieler Oscar Peterson und dem ehemaligen Präsidenten Israels Ezer Weizman.

Mehr als zehn Jahre lang studierte Alex neue künstlerische Stile und Techniken mit Professor Baruch Elron, Präsident der Association of Israeli Artists.

Alex Levin arbeitet derzeit an folgenden Themen: „Tradition des jüdischen Erbes“, „Tel Aviv – der Hügel des Frühlings“, „Venedig durch“. die Augen einer Maske“, „Sinfonie des Regens“, „Wurzeln“ und „Farben des Judentums“.

„Tradition des jüdischen Erbes“ ist eine Sammlung von Fotos der Klagemauer Jerusalems und des sie umgebenden religiösen Viertels. Levin fotografierte Bewohner des ultraorthodoxen Viertels Mea Shearim in Jerusalem, jüdische Attribute und die Anwesenden an der Klagemauer. Im Jahr 2007 erhielt Alex die Knesset-Medaille für seinen Beitrag zur jüdischen Kunst.

„Tel Aviv – Der Hügel des Frühlings“ ist von seiner Lieblingsjahreszeit inspiriert und ist Tel Aviv gewidmet – seinen Bewohnern, der Architektur des Gebäude, das Meer und die Strände. Es zeigt Menschen vor schneeweißen Gebäuden, bei sonnigem Wetter und klarem Himmel.

„Venedig mit den Augen der Maske“ verfolgt einen völlig einzigartigen Ansatz und führt den Betrachter in das wichtigste Element des venezianischen Karnevals ein: die Maske. Seine ersten Gemälde aus der „Maskensammlung“ wurden 2002 in Venedig präsentiert und brachten Levin ein Stipendium an der Kunstakademie von Venedig ein. Das Programm unterstützte die weitere Entwicklung des Künstlers und ermöglichte ihm, viel Zeit für die Schaffung neuer Werke zu verwenden.

„Symphony of Rain“. Jedes Gemälde wurde von der Musik verschiedener Komponisten inspiriert.
Ein Gemälde ergänzt das andere, ein Komponist wird durch einen anderen ersetzt, der neblige Morgen verwandelt sich in einen regnerischen Abend und einen Sternenhimmel über der Lagune: ein Puzzle aus vierzig Gemälden, die das beschreiben Traumstadt am Wasser – VENEDIG!

„Die Farben des Judentums“ Es hilft mir sehr, die alten heiligen Gebete der Juden darzustellen, seit tausend Jahren habe ich die wichtigste Aufgabe – auszugießen all dieser Geist, all die Tränen, die die Juden vergossen haben, als sie um den zerstörten Tempel trauerten. Eines schönen Tages wollte ich unbedingt alle Jahrtausende jüdischer Geschichte auf einer Leinwand darstellen. Diese Serie ist jetzt in vollem Gange, sie wird 50-60 Gemälde umfassen, heute sind es bereits 20. Die Menschen spüren perfekt die gute magische Aura und Energie, die von meinen Zeichnungen ausgeht, das ist wahnsinnig angenehm, ich mache meinen Job mit ganzem Herzen .
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Alicia Patson

Alicia Patson

Alicia Patson, eine 38-jährige amerikanische Illustratorin, hat sich in der Welt der verzauberten digitalen Kunst einen Namen gemacht. Alicia wurde 1990 in den USA geboren und entwickelte schon früh eine Leidenschaft für das Zeichnen und die digitale Malerei. Ihr einzigartiger Stil verbindet Elemente der Fantasie mit einem Hauch von Realismus und macht sie in verschiedenen künstlerischen Bereichen beliebt.

Im Laufe der Jahre hat sich Alicia auf die Schaffung digitaler Werke spezialisiert, die die Fantasie anregen und sich oft von der Natur und dem Übernatürlichen inspirieren lassen. Seine Illustrationen sind berühmt für ihre Fähigkeit, den Betrachter in fantastische Welten zu entführen und Träume gekonnt mit der Realität zu verbinden.

Derzeit lebt Alicia in San Francisco, wo sie weiterhin die Grenzen ihrer Kunst erweitert und gleichzeitig eine neue Generation digitaler Künstler inspiriert.

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Alida Akers

Alida Akers

Alida akers kommt aus Süd-Zentral-Kentucky, USA. Ohne die Ausstellung hätte sie nie die Möglichkeit gehabt, ihre Werke an Kunstsammler in Australien, Neuseeland, Frankreich, Spanien, Dänemark, dem Vereinigten Königreich, Kanada, Japan und anderen Ländern zu verkaufen das Internet.
Meine erste formelle Kunstausbildung erhielt ich an der Western Kentucky University, wo ich einen Abschluss in Pädagogik und Bildender Kunst mit einer doppelten Spezialisierung auf Malerei und Zeichnung erwarb. Eine andere künstlerische Ausbildung erhielt ich während meines Aufbaustudiums an der Case Western University in Cleveland, Ohio, wo ich medizinische Illustration studierte.
Derzeit verbringe ich die meiste Zeit im Atelier, um drei verschiedene Gemäldeserien zu bearbeiten. Die erste, Ode to the Deco Cottage, ist von der fantastischen Art-Deco-Keramik der britischen Designerin Clarice Cliff inspiriert. Diese Gemälde sind in Acryl auf Leinwand gemalt und zeigen skurrile Landschaften in leuchtenden Farben. Die zweite Serie heißt Moorcroft Musings und ist von der Malerei der Arts and Crafts-Ära und den frühen Glasuren der Moorcroft-Keramik inspiriert. Die dritte Serie mit dem Titel Storybook Cottage Series ist in Aquarell gehalten und von Vintage-Bilderbüchern und Grußkarten inspiriert. Es zeigt kleine Häuschen mit roten Dächern, die Heimat und Herd symbolisieren und eine friedliche Ruhepause von der Außenwelt bieten.
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Amandine Jung

Amandine Jung

AMANDINE JUNG, VIEL MEHR ALS AUSMALEN, EIN ABENTEUER, TEILEN UND EIN HAUCH MAGISCHER…

Amandine Jung wurde 1987 in der Bretagne, im Land der Feen und Korrigans, geboren und lässt sich von Geschichten und Legenden, verrückten Kinderreimen und Cartoons aller Art fesseln. Sie bewahrt ihre kindliche Seele in einer Welt, die sie sich düster und poetisch vorstellt. In seiner Fantasie kann die Sonne verschwinden, um dem Mond Platz zu machen, Schneewittchen kann in einen Perlapfel beißen und eine kleine Spitzmaus fliegt neugierig durch den Himmel. Von einem einfachen Bild im Kopf auszugehen und es erfolgreich in Form zu bringen, ist ein schwieriger kreativer Prozess. Amandine spielt mit Farbe, Linien und ihren Ideen. Es ernährt sich vom leisesten Wort, von einer winzigen Musiknote, von einem süßen, würzigen Geruch, vom Geräusch des Regens, der auf den Boden fällt, vom Gesang der Herbstblätter in den bretonischen Wäldern, vom Mond, der sie zum Träumen bringt Das einfachste Bild und ihre überbordende Fantasie erledigt den Rest.

Seit 2018 ist der Künstler in die Welt des Malens eingestiegen und hat ein neues Talent für die Erstellung von Malbüchern für Erwachsene entdeckt. 2020 erschien ihr erstes Buch „Snow White, the Poisoned Princess“, 2021 folgte „Cinderella and the Halloween Ball“, 2022 „Pinups, Special Edition“. 2022“ markiert den Beginn seiner Weihe, sein Name beginnt fast überall zu klingen.

Im Oktober 2022, zu Halloween, bietet Amandine Jung mit ihrem ersten Roman „Chrysalis, Tale 1: Le Coma Noir“ ein ganz neues Abenteuer. Sie nimmt uns mit auf eine Reise in eine poetische und fantastische Geschichte im Königreich des Mondes, einer sonnenlosen Welt, die von ewiger Nacht dominiert wird.

November 2022, in ihrem dritten Malbuch taucht Amandine Jung in die berühmte Geschichte von Hans Christian Andersen ein. Diesmal lädt Amandine uns auf eine Reise zwischen Land und Meer ein. Entdecken Sie anhand seiner Illustrationen, die von seiner einzigartigen und traumhaften Vision durchdrungen sind, diese wunderbare Geschichte aus unserer Kindheit: „Die kleine Meerjungfrau“. Erleben Sie Seite für Seite, während Pinsel und Bleistifte tanzen, die fesselnde und tragische Geschichte der kleinen Ondine, die von gestern bis heute viele Schriften inspirierte.

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Anaïs Verdier

Anaïs Verdier

Als Autodidakt habe ich mich vor Kurzem auf das Abenteuer der Illustration eingelassen.

Seit Ende 2019 arbeite ich mit Autoren zusammen, die ihre Bücher illustrieren lassen möchten, und biete gleichzeitig auch Zeichnungen an, die Teil zweier Sammlungen sind;

  • die „Câlins“-Kollektion
  • und die Sammlung „Un instant dans le vent“.

Alle Originalgemälde sind aus Acryl und Aquarell gefertigt. Die Illustrationen der beiden Kollektionen werden in Kunstbriefpapier in Form von Karten, Lesezeichen, Notizbüchern und auf Holzspielzeug (Puzzles, Dominosteine ​​und Memo) reproduziert und von rund hundert Partnern verkauft, mit denen ich zusammenarbeite.

Im November 2022 veröffentliche ich mein erstes Buch als Verlag. Bei diesem Erstlingswerk, bei dem es sich um ein Kooperationsbuch handelt, können Sie den Ausdruck von 24 Autoren entdecken, die von meinen Illustrationen inspirierte Geschichten geschrieben haben. Dieses Buch richtet sich an junge Menschen, ist vollständig in Frankreich hergestellt und wird im Großformat mit 27 ganzseitigen Abbildungen erscheinen.

Ich hoffe, dass das Abenteuer noch lange weitergehen kann, vielen Dank, dass Sie diese paar Worte gelesen haben

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Andy Russell

Andy Russell

Andy wurde 1945 in Buffalo, New York, geboren und hatte schon immer eine Vorliebe für Kunst und die Schaffung fantasievoller Wohlfühlländer. Als Kind unterhielt er oft Kinder aus der Nachbarschaft mit seinen Tonmodellen von Städten mit einzigartigen architektonischen Strukturen.

Fingermalerei im Kindergarten war seine erste und letzte Begegnung mit einer formalen Kunstausbildung, und er verwendet diese Technik auch heute noch zum Glätten und die Farbe vermischen. Andys Liebe zur Kunst und Kreativität wurde von seiner Tante, einer Malerin und Architekturdesignerin, geteilt und gefördert. Obwohl er Berufe ausübte, die nichts mit Kunst zu tun hatten, etwa als Stahlarbeiter, Lebensversicherungsverkäufer, Außendienstermittler, Autovermieter und Verkäufer von Elektronikteilen, konnte dies die Leidenschaft und den Wunsch von Andy, seinen Traum zu verwirklichen, nicht unterdrücken.

Ungefähr im Alter von dreißig Jahren begann Andy, nachdem er mit verschiedenen Techniken zur Selbstverbesserung experimentiert hatte, immer wieder von unglaublichen Ländern des Friedens, der Schönheit und der Ruhe zu träumen, in denen man auf reiner Luft durch die Landschaft gleiten oder in den Himmel steigen konnte, um die Pracht zu sehen unten. Es gab wunderschöne und einzigartige Vegetation und eine unglaubliche Architektur. Er hatte viele dieser Träume, die ihn dazu inspirierten, sie durch seine Kunst mit der Welt zu teilen. Aus seinen Träumen heraus konnte er seinen einzigartigen Stil entwickeln.

Sobald sein Stil etabliert war, begann er, seine Fantasie und Erfahrungen zu vermischen. Er sah etwas und verwandelte es sofort in seine eigene, originelle Traumlandschaft. Um diesen sanften Lichteffekt zu erzielen, hat sich die Lasurtechnik bewährt, bei der dünne Farbschichten aufgetragen werden. Die Farben scheinen im Inneren zu leuchten, was die traumhafte Optik noch verstärkt. Andy begann zunächst nach und nach, seine Werke auszustellen und zu verkaufen.

Die Nachfrage nach seinen Werken wuchs so stark, dass er 1991 den Sprung zum Vollzeitkünstler wagte und seitdem nicht mehr zurückblickte. Reisen ist zu einer angenehmen Möglichkeit geworden, neue Ideen zu entdecken und Ihre Arbeit zu verkaufen. Während er reist, erweitert sich seine Palette. Er begann, die warmen Farben der roten Felsen Arizonas und die kühlen tropischen Farben der Strände Mauis zu malen.

Das Erleben neuer Orte half ihm, sein Verständnis des Lebens zu vertiefen – seine Harmonie, seine verschiedenen Ausdrucksmöglichkeiten für Schönheit, seine ständige Veränderung und das Wunder der zugrunde liegenden Energie.

Heute ist Andy Mitglied der National Acrylic Painters Association (NAPA) mit Sitz in England und Mitglied der Buffalo Society of Artists. Seine Kunstwerke sind gut vertreten.

Andys Arbeit entwickelt sich ständig weiter und behält dabei diese traumhafte Qualität bei. Auf die Frage, was er von seinem Gemälde halte, antwortete er: „Meine Träume sind definitiv wahr geworden!“
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Angelo Bonito

Angelo Bonito

Angelo J. Bonito, autodidaktischer Architekt und Künstler, lebt in São Paulo, Brasilien. Bonito ist seit über 30 Jahren als professioneller Illustrator und Künstler tätig und arbeitet seit seinem 15. Lebensjahr für Werbeagenturen und internationale Verlage in Brasilien. Bonito hat für seine Arbeit zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter: den Großen Preis des Kolumnisten Brasilien 2004 für sein gedrucktes Kunstwerk; Die Goldmedaille – 1985 in der „Kategorie Illustration“ – Clube de Criação São Paulo (CCSP) und war außerdem Künstlerin zweier sehr empfehlenswerter goldener Bücher, die von der Nationalen Buchstiftung für Kinder und Jugendliche Brasiliens ausgezeichnet wurden. Als außerordentlich vielfältiger Künstler arbeitet Bonito mit digitaler 3D-Bildbearbeitungssoftware sowie traditionellen Materialien und Techniken wie Öl, Acryl und Aquarell.
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Mine Azimutée

Azimut-Mine

"Marianne Berger, alias Mine Azimutée, ist eine unabhängige französische Illustratorin. Sie begann 2008, aber ihre Leidenschaft für das Zeichnen reicht weit zurück...

Sobald sie einen Bleistift halten konnte! Sie betrat die Welt der Illustration durch das Zeichnen von Kinderbüchern und arbeitet heute für eine Vielzahl von Kunden und Medien: Kinderverlage, Textilillustration, Erstellung von Logos, personalisierte Porträts für Einzelpersonen usw.

Laut Marianne können Sie, wenn Sie die Chance haben, diesen Job zu machen, Ihre kreativen Projekte ständig abwechslungsreicher gestalten und deshalb jeden Morgen gerne aufstehen, um zu zeichnen! Ihre Liebe zu Tieren und zur Natur hat sicherlich ihren grafischen Stil beeinflusst, den sie selbst als „sanft und poetisch … immer mit einer kleinen Prise Humor“ definiert.

Und wenn sie ihre Stifte weglegt, widmet sich Marianne ihrer zweiten Leidenschaft: Karate! "

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Brigid Ashwood

Brigid Ashwood

Hallo, mein Name ist Brigid. Ich bin ein Vollzeit-Profi-Künstler (das ist ein Satz, der mein zwölfjähriges Ich zum Staunen bringen würde).

Ich bin nicht sehr gut darin, solche Biografien zu schreiben, deshalb dachte ich, ich beantworte einige häufige Fragen, die mir gestellt werden. Wenn Sie eine Frage haben, die Sie mir stellen möchten, zögern Sie nicht, mich zu kontaktieren.

Haben Sie eine Kunstschule besucht? ?

Für mich ist es ein bisschen eine Frage von Ja und Nein . Ich bekam ein Stipendium für die Corcoran School of Art, aber leider konnte ich es mir selbst mit diesem Stipendium nicht leisten. Stattdessen besuchte ich eine Zeit lang ein Community College und außerdem das Maryland College of Art and Design. Obwohl ich keinen Abschluss hatte, hatte meine Familie als Kind einige großartige professionelle Künstler. Mein Ururgroßvater George Bockius hatte großen Einfluss auf meine künstlerische Entwicklung. Auch meine Eltern unterstützten mich und ich konnte als Kind privaten Kunstunterricht nehmen, in dem ich alles über Aquarell, Öl, Acryl und mehr lernte. Leider entwickelte ich nach Jahren der traditionellen Malerei eine unangenehme Empfindlichkeit gegenüber Chemikalien und musste aus gesundheitlichen Gründen auf die digitale Kunst umsteigen. Das Erlernen digitaler Kunst erfolgte durch die Teilnahme an Online-Kursen, das Lesen von Büchern und das Üben einer Menge anderer Dinge. Im Jahr 2016 wurde ich Corel Painter Master*, was ziemlich cool war.

Wie haben Sie angefangen? ?

Ich habe meine Karriere als Grafikdesigner mit Corel Draw und Adobe Photoshop begonnen . Ich habe Dokumente für Websites und Printmedien entworfen und gleichzeitig mein Kunststudium fortgesetzt. Schließlich entdeckte ich die Welt der Kunstlizenzierung und erkannte, dass ich meine Fähigkeiten im Bereich Grafikdesign nutzen konnte, um Kunstwerke zu schaffen, die einen breiteren Markt ansprechen würden. Ich versuche, vielfältige Kunstsammlungen zu erstellen, die unterschiedliche Stile und Themen abdecken, dabei Trends folgen und einen einheitlichen Reiz bewahren. Und Sie wissen, was ? Hier bin ich, zwanzig Jahre später, mit einer erfolgreichen Karriere in der Kunstlizenzierung.

Sie fragen sich wahrscheinlich, wie ich Geld verdiene, oder ?

Nun, ich verdiene meinen Lebensunterhalt als Künstler, indem ich Stile und Themen meiner Werke abwechslungsreich gestalte und sie auf unterschiedliche Weise verkaufe .

Zuerst verkaufe ich meine Werke in Lizenz an Hersteller. Tatsächlich bezahlen mich Unternehmen, die Dinge wie Puzzles, Diamantstichsets, Kalender, Kreuzstichmuster, Schmuck, Kleidung, Heimdekoration und mehr herstellen, dafür, dass ich meine Designs auf ihren Produkten verwende. Hier entsteht der Großteil meines Umsatzes.

Aber das ist noch nicht alles! Ich verkaufe meine Kreationen auch in meinem Etsy-Shop. Ich habe mit einer professionellen Druckerei zusammengearbeitet, um tolle Produkte wie T-Shirts, Reißverschlusstaschen (perfekt für Tarottaschen), Kaffeetassen, Wandkunst, Hemden, Küchen- und Tragetaschen herzustellen. Wenn Sie in meinem Etsy-Shop einkaufen, werden diese Artikel direkt an Ihre Haustür geliefert.

*Corel Painter ist ein digitales Malprogramm für PC und Mac. Dies war das erste digitale Malprogramm, in das ich mich verliebt habe. Ich male jetzt ausschließlich mit Procreate auf dem iPad.
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Bruce Kaiser

Bruce Kaiser

Der Automobilkünstler Bruce Kaiser zeichnet, skizziert, entwirft und bemalt Autos seit er einen Bleistift halten kann. Er liebt es, Hot Rods, Drag Cars, Muscle Cars, Sportwagen, Indy-Autos und Formel-1-Autos zu malen. jede Art von Auto, solange es cool, laut und schnell ist. Er wuchs in den 60er-Jahren auf und verbrachte seine Zeit im örtlichen A&W-Autokino, zuerst auf dem Fahrrad, dann mit seinen ersten Autos. Es war Detroits goldenes Zeitalter der großen Muscle-Cars und der Anblick und die Geräusche heißer Autos unter den Lichtern eines örtlichen Burgerlokals beeinflussen Bruce noch heute. Bruce ist bestrebt, diese perfekten Sommernächte in seinen Gemälden festzuhalten, so wie er sich an sie erinnert. Auf dem örtlichen Drag Strip fanden Freitagabende Drag-Rennen statt, und er verbrachte dort viele Nächte damit, die Aufregung der lustigen Autos und Drag-Racer der 60er und 70er Jahre unter den Lichtern, auf Film und jetzt mit Pinseln und Farbe festzuhalten. Seine Gemälde zeigen große Muscle-Cars und Hot Rods wie GTOs, Camaros, Hemi-Cudas, Novas, Chevelle SS, Mustangs, 32 Ford Coupés, Yenko Camaros, Super Bees, 40 Ford Coupés und viele andere. Bruce zeigt die Autos in seinen Gemälden gerne so, wie er sie als Kind in Erinnerung hat, nicht als makellose neue Muscle-Cars, sondern als Autos, die modifiziert wurden und an Rennen teilgenommen haben, wie ein Chevelle SS mit Chargers oder ein 55 Chevy mit ausgeschnittenen Kotflügeln . Viele seiner Gemälde von Hot Rods und Muscle Cars stehen als limitierte, signierte und nummerierte Drucke zum Verkauf.


Nach seinem Abschluss am Art Institute of Boston begann er seine künstlerische Karriere als Werbekünstler und Grafikdesigner. Nachdem er 16 Jahre lang bei einer örtlichen Werbeagentur gearbeitet hatte, machte er sich selbstständig und erstellt derzeit Werbekunst und Illustrationen für zahlreiche Hersteller von Straßenruten, Muscle-Cars und Rennwagenausrüstung. Seine Werbegrafiken, zu denen Ausschnitte, Explosionszeichnungen, Strichzeichnungen und Farbillustrationen gehören, sind in den meisten großen Street-Rod- und Muscle-Car-Magazinen erschienen und seine Katalogentwürfe wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet.

Der Malprozess
Bruce's Gemälde werden in der gleichen Größe oder größer als der fertige Kunstdruck gemalt. Er malt gerne groß, damit er die Details einfangen kann, die seine Bilder zu etwas Besonderem machen. Bruce ist bestrebt, seine Bilder technisch so genau wie möglich zu gestalten und verbringt viel Zeit damit, jedes Thema zu recherchieren (was besonders viel Spaß macht, denn dann kann er seine alten Zeitschriften durchsehen). Die Gemälde werden mit einem undurchsichtigen Aquarell namens „Designers Gouache“ auf glattem, professionellem Illustrationskarton angefertigt. Der glatte Illustrationskarton verfügt über eine sehr feine Zahnung, die den Pinselstrichen eine schöne Textur verleiht und gleichzeitig eine scharfe Kante für feine Details behält. Zur Homogenisierung der Autolackierung wird ein pneumatischer Pinsel verwendet. Er verwendet Designer-Gouache wegen der lebendigen Farben und präzisen Details, die damit erzielt werden. Bruce liebt Autowerbung aus den 1960er-Jahren und Architekturdarstellungen, die mit dieser Technik erstellt wurden. Einer der Nachteile von deckenden Aquarellfarben besteht darin, dass es schwierig ist, Änderungen vorzunehmen oder Fehler zu korrigieren.

Bruce begann 1986 bei der ersten Hot Rod Heritage Fine Art Exhibit auf der SEMA Show in Las Vegas, seine Kunstwerke auszustellen, wo er seitdem als herausragender Künstler auftritt. Er war auch einer der vorgestellten Künstler der Gallery Automania Hot Rod Heritage Art Exhibit in Rochester, Michigan. Sein Gemälde „Jim Hogg County“ war das erste, das auf dem Cover des Street Rodder Magazins erschien. Er schrieb und illustrierte auch Artikel, die in den Magazinen Street Rodder und Custom Rodder erschienen. Er wurde von Group Promotions beauftragt, die Coverillustration für das Buch „Road Rockets“ zu erstellen, einen der Titel in einer limitierten Sammlung der berühmten Hot Rod-Romane für Teenager aus den frühen 60er Jahren des Autors Henry Gregor Felsen. Er erstellt außerdem Automobildesign und Konzept-Renderings für kundenspezifische Automobilhersteller wie Posies Rods und Customs.

Bruce fertigte auch Beschriftungen, Grafiken und Wandgemälde für Rennwagen, Transporter und Motorradtanks an, er malte die „Chrom“-Details lustiger Autokarosserien mit Airbrush und malte „damals“ Hot Rods mit Flammen. Zusätzlich zu seiner Automobilkunst schafft Bruce gerne Science-Fiction- und Luft- und Raumfahrtgemälde und hat in der Zeitschrift der National Space Society veröffentlicht. Seine Leidenschaft gilt der Formel 1, Indy Cars, NASCAR und Drag Racing. Er mag auch große amerikanische und europäische Klassiker, Sportwagen und Oldtimer-Rennwagen. Bruce lebt mit seiner Frau Tina und ihren beiden Hunden Westie nördlich von Albany, New York, und er hat einen Sohn, Warren. Er und seine Frau basteln gerne an ihrer Sammlung alter Autos herum und nehmen seinen umgebauten Rambler Rogue aus dem Jahr 1967 (401 und 2-4 Barrel!) mit auf Reisen, Shows und Kreuzfahrten.

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Carolyn Steele

Carolyn Steele

Ich bin ein Schnorchelsüchtiger. Als ich zum ersten Mal eine Maske aufsetzte und die magische Unterwasserwelt der Riffe entdeckte, war ich für immer fasziniert. Es war das Schnorchelerlebnis, das mir wirklich die Augen für die Vielfalt der Natur als Ganzes öffnete. Ich bin immer wieder inspiriert von der erstaunlichen Farbe, Komplexität und Schönheit der Tierwelt, die ich während meiner jahrelangen Reise in die Karibik beobachtet habe. Meine Bilder bestehen aus Elementen, die einem Naturliebhaber bei einem Morgenspaziergang oder einem Nachmittag beim Schnorcheln begegnen könnten.
Ich bin in England aufgewachsen und habe als Kind private Kunstkurse auf dem Land besucht, in denen ich detaillierte Studien erstellt habe von Flora und Fauna in verschiedenen Medien. Mein Vater, ebenfalls Künstler, hat mich von Anfang an inspiriert und gefördert. Ich begann 1992, Bilder der Karibik zu malen, um die Erinnerungen an meine Besuche in Westindien festzuhalten.


Ich habe einen Hintergrund im Grafikdesign, der mir geholfen hat, meinen Sinn für Komposition zu entwickeln, ein wichtiger Punkt Element in all meinen Bildern. In der Grafik/Lithografie war ich in der Verwendung von Farben eingeschränkt. Durch das Malen der Tropen konnte ich meiner Kreativität freien Lauf lassen. Ich mag es, groß zu arbeiten. Ich arbeite selten kleiner als 18 x 24 Zoll und die meisten meiner Bilder sind auf 22 x 30 Zoll großem, 300 Pfund schwerem Aquarellpapier.

Ich setze mich für Naturbildung und Naturschutz ein, weshalb ich einen Teil meines Gewinns an Projekte zum Schutz von Wildtieren und Riffen spende. Ich hoffe, dass meine Werke die Menschen schmücken und die unglaubliche Vielfalt und Zerbrechlichkeit der von mir gemalten Biosysteme schätzen lassen. Die meisten hier vertretenen Arten stammen aus Westindien und viele von ihnen sind vom Aussterben bedroht.
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Cbjork

Cbjork

C.R.Bjork ist ein in Südkalifornien geborener und aufgewachsener Acryl-„Colorist“-Maler, der alle seine Werke mit seinem Namen CBjork signiert. Seine Kunst ist hauptsächlich Fantasy und Pop-Surreal, weist aber auch amerikanische Aspekte mit einigen Elementen des Realismus auf. Er begann seine künstlerische Karriere mit der Malerei von Beanie Babies, die in vielen Sammelmagazinen vorgestellt wurden. Anschließend wurde er für seine postimpressionistischen Werke bekannt, die Kalifornien, die Natur, Tiere, Szenen aus Las Vegas und die Ausdruckskraft von Halloween darstellen. Seine Tiki-Hula-Kunst ist eines seiner Hauptinteressen, da sie ihm ermöglicht, viele Ausdrucksformen mit lustigen Charakteren und Elementen der Natur zu kombinieren. Seine Tiki-Hula-Kunst ist von seiner eigenen Fantasie inspiriert. CBjork wurde Mitte der 70er Jahre geboren und wuchs mit einer Vorliebe für Disney sowie für Fernsehsendungen wie „Verliebt in eine Hexe“, „I Dream of Jeanie“, „Munsters“ und „Die Schlümpfe“ auf, um nur einige zu nennen. Der Hauptzweck seiner Kunst besteht darin, andere und sich selbst zu unterhalten und mit einem einfachen Gemälde einen Urlaub zu erleben. Manche Gemälde haben eine große Bedeutung, andere sind einfache, fröhliche Szenen. CBjork hat viele Pläne für die Zukunft, wenn es um seine Kunstsammlungen geht.
CBjorks Studio befindet sich derzeit im Bau und befindet sich in seinem Haus in Ventura, Kalifornien. Einige seiner Werke können vor Ort im Aloha an der Main Street besichtigt werden.
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Ciro Marchetti

Ciro Marchetti

Ciro Marchetti ist ein britischer Grafikdesigner italienischer Herkunft, der nach seinem Abschluss am Croydon College of Art, England, Mitte der 1970er Jahre in Europa, Südamerika und den Vereinigten Staaten arbeitete.
Seit 1992 lebt er in Miami FL als Präsident von Graform International, einer Designgruppe mit angeschlossenen Büros in Caracas und London.
Diese Rolle führt ihn dazu, für eine Reihe von Projekten und Dienstleistungen direkt an verschiedenen Projekten und Dienstleistungen teilzunehmen, insbesondere in den Bereichen Verpackung, Corporate Identity, Druck und Multimedia nationale und internationale Kunden.
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Claudia McKinney

Claudia McKinney

Meine Mission ist es, bedeutungsvolle Kunstwerke zu schaffen, von denen ich hoffe, dass sie Sie inspirieren.

Ich bin Mutter von vier wunderbaren Kindern und Ehefrau von Michael.

Ich lebe auf einer kleinen Ranch in Südkalifornien mit zwei Hunden, fünf Hühnern, einem Hahn und zwei Truthähnen.

Ich nehme Bestellungen für den persönlichen oder kommerziellen Gebrauch an.

In den letzten Jahren hatte ich große Erfolge bei der Veröffentlichung meiner Werke auf der ganzen Welt die Welt. Dadurch habe ich Wege gefunden, mitzuteilen, was Gott in meinem Leben getan hat.

Manche fertigen Kunstwerke wirken ein bisschen wie ein geschriebenes Tagebuch ... das beschreibt, was ich gedacht, gefühlt oder gebetet habe. Freuden, Sorgen, Erwartungen – in jedem meiner Werke.

1998 wurde ich plötzlich von einer schweren Krankheit heimgesucht und erblindete – das ist eine lange Geschichte, aber sagen wir einfach, ich hatte ein Wunder. Mir wurde gesagt, dass ich das Erwachsenenalter meiner Tochter nicht mehr erleben würde, und dann wurde ich durch die Gnade Gottes und die Fürsprache des Heiligen Padre Pio von Pietrelcina auf wundersame Weise geheilt. Davor hatte ich streng genommen noch nie Kunst gemacht (außer dem, was man als Kind oder mit seinen eigenen Kindern macht) – dann, nach meiner wundersamen Heilung, führte mich Gott zu der Arbeit, die ich JETZT mache. Er hatte einen Plan für mich. Wenn Sie die ganze Geschichte meines Wunders erfahren möchten, zögern Sie bitte nicht, mich zu kontaktieren. <3

Ich widme diese Seite und meine Arbeit Christus – der mir jeden Erfolg und Segen gegeben und es mir ermöglicht hat, durch die Arbeit, die ich mehr liebe, für meine Familie zu sorgen.
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CuteSpikeZ

CuteSpikeZ

CuteSpikeZ ist ein 32-jähriger spanischer Künstler, der sich auf digitale Kunst mit hübschen kleinen niedlichen Dingen spezialisiert hat.
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Daniel Rodgers

Daniel Rodgers

Hallo, mein Name ist Daniel Rodgers,

Ich bin ein freiberuflicher Illustrator und Künstler, der sich auf realistische Illustrationen spezialisiert hat. Wie Sie auf dieser Website sehen werden, arbeite ich gerne an einer Vielzahl von Themen, von traditionellen Weihnachtskarten bis hin zu Fantasy- und Science-Fiction-Illustrationen. Vor allem finde ich es sehr befriedigend, ein Element der Geschichte in meine Arbeit einfließen zu lassen.

Ich lebe mit meiner Frau und meinen beiden Söhnen in England.
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David Maclean

David Maclean

Für mich ist Kunst ein Ort, an dem ich mich in einer Welt der Träume verliere. Mein Geist versinkt in einer Szene, in der meine selbstsüchtigen Gedanken keinen Platz finden und meine Fantasie frei ist. Die Zeit bleibt stehen, weil ich das Gefühl habe, ich lasse mich an einen Ort gehen, an den ich gehöre.“ David Maclean

Es heißt, dass man entweder Künstler wird oder als Künstler geboren wird. David Maclean wurde als Künstler geboren David, seit 15 Jahren Digitalkünstler und seit 25 Jahren traditioneller Künstler (Malerei und Pinsel auf einer Staffelei), lebt derzeit mit seiner Frau Maryse, mit der er seit über 30 Jahren verheiratet ist, zwischen Weinbergen und Obstgärten Sie haben drei erwachsene Kinder. David wird von einer der weltweit führenden Kunstlizenzagenturen (mit Sitz in London, England) vertreten und hat sich im vergangenen Jahr schnell zu einem der gefragtesten Künstler entwickelt. Seine Werke sind mittlerweile überall präsent Davids Mutter erinnert sich noch gut daran, wie sie ihn nach seinem ersten Schultag direkt zu einem Kunstbedarfsladen brachte. Sie sah, was er im Unterricht geschaffen hatte, und wusste, dass sie ihm helfen musste, sein Talent zu verwirklichen . Fragen Sie sie und sie wird Ihnen sagen: „Es war sein Schicksal, er war ein Künstler.“ Und genau das ist passiert.
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Dominic Davison

Dominic Davison

Dominic Davison wurde 1972 in London geboren und lebt heute in Buckinghamshire, Großbritannien, wo er sich für seine idyllischen und romantischen Szenen inspirieren lässt. Er kreiert seit vielen Jahren Kunst und hat sich in dieser Zeit eine treue Fangemeinde aufgebaut, die mittlerweile die ganze Welt umfasst.

Bevor er zu MGL kam, arbeitete er als freiberuflicher Künstler und veröffentlichte seine Arbeiten in Magazinen wie „3D Artist“ und „Advanced Photoshop“. Dazu gehören Tutorials und Doppelseitengalerien.

Er schreibt außerdem regelmäßig eine Kolumne für „3D Artist“. Seine Einflüsse sind vielfältig und umfassen Landschaftsmeister wie Barend, Cornelis, Koekkoek, Ruisdael und Constable. Zu den zeitgenössischen Künstlern, die ihn inspirierten, gehören Keith Melling, Charles H. White und Terry Redlin.

Zu seinen Hobbys gehören Kino, Videospiele, Kunstgalerien und Musik machen.

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Eduard

Eduard

Eduard ist ein international bekannter Künstler. Sein Ruf, fesselnde Stadtszenen, bezaubernde Landschaften und berühmte Wahrzeichen zu schaffen, wird sehr geschätzt. Eduard hat weltweite Anerkennung für seine farbenfrohen und aufregenden Kunstwerke erhalten.
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Elara Hartley

Elara Hartley

Elara Hartley stammt aus dem Vereinigten Königreich, einem Land voller Folklore und reicher Geschichte, die ihre Kunst durchdringt. Elara stützt sich stark auf die lebendigen Welten der Science-Fiction, Fantasy-Literatur und Anime und erschafft Geschichten, die zwischen dem Realen und dem Imaginären liegen.

Ihre Kunst ist ein Terrain aus faszinierenden Figuren, jede mit großen, ausdrucksstarken Augen , die Geschichten von mächtigen Frauen erzählen, die sich durch Fantasiewelten und futuristische Schauplätze bewegen. Die Präsenz mythischer und häuslicher Tiere in ihren Werken verstärkt den erzählerischen Charme zusätzlich und spiegelt Elaras Liebe zur Natur wider.

Elara verwendet für ihre Kreationen hauptsächlich digitale Kunst. Sie beginnt mit dem Zeichnen von Hand oder mithilfe spezieller Software und erforscht dabei verschiedene Techniken und Stile. Dann kann sie künstliche Intelligenz nutzen, um ihre Illustrationen zu verfeinern und zu verbessern. KI ermöglicht es ihm, präzise Details hinzuzufügen, mit unterschiedlichen Farbpaletten zu experimentieren und subtile Änderungen vorzunehmen, die seine Werke bereichern. Dieser Prozess ermöglicht es ihr, ihr künstlerisches Talent mit fortschrittlichen technologischen Werkzeugen zu kombinieren, um einzigartige und fesselnde Illustrationen zu schaffen.

Obwohl Elara in der Kunstwelt immer noch auf dem Vormarsch ist, machen ihr unverwechselbarer Stil und ihr einheitliches Thema sie zu einer einzigartigen Stimme. Sie kreiert weiterhin, eingebettet in ihrem Atelier auf dem Land, wobei ihre Fantasie von ihrer Umgebung, ihrer riesigen Sammlung an Fantasy-Romanen und der Gesellschaft ihrer Haustiere angetrieben wird.

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Elena Burtasova

Elena Burtasova

Ich bin Elena Burtasova. Ich bin ein autodidaktischer Künstler. Ich liebe Kreativität in jeder ihrer Formen, seit meiner Kindheit zeichne und sticke ich. Seit 2017 interessiere ich mich für Malbücher für Erwachsene und habe 2021 das Malbuch meiner ersten Autorin „Tender Heart“ herausgebracht. Außerdem habe ich 2020-2021 3 Bücher für Kinder illustriert. Ich zeichne gerne anspruchsvolle, sanfte Mädchen und süße Tiere. Und ich bin wirklich froh, dass meine Illustrationen für die Diamantmalerei verwendet werden.
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Elena Dudina

Elena Dudina

Ich wurde in Russland geboren. Mein Vater war Soldat, Kampfpilot. Wie Sie sicher verstanden haben, sind wir viel umgezogen. Ich habe meine Kindheit und Jugend von einem Ort zum anderen verbracht.
Von Estland bis Lettland, sogar von der Arktis bis in die Ukraine und sieben Jahre in Sibirien.

Lebe seit 2002 in Madrid (Spanien). Mein Mann ist Spanier und ich liebe dieses Land auch.

Seit meiner Kindheit habe ich immer gezeichnet und gemalt. Ich hatte dieses Geschenk. Im Jahr 2004 begann ich auch mit der Bildhauerei, bis ich Photoshop entdeckte. Seitdem arbeite ich ausschließlich in diesem Bereich. Ich denke, es ist eine Zusammenfassung von allem, was ich bisher gemacht habe.

Fotomanipulation ist meine Leidenschaft, aber auch meine Arbeit!

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Emanuela Mannello

Emanuela Mannello

Emanuela wurde 1986 in Rom geboren, wo sie auch aufwuchs, und lebt heute in Anguillara Sabazia, einem kleinen Dorf an der Küste des Braccianosees. Sie absolvierte die International School of Comics, wo sie künstlerisches Zeichnen, Grafikdesign und Illustration studierte. Sie ist dankbar, dass ihre Familie sie immer unterstützt hat. In den Jahren nach ihrem Studium arbeitete sie für verschiedene Verlage und nahm an verschiedenen Wettbewerben teil. In diesem Jahr wird die Sharjah Book Authority ihre Illustrationen zu „Die Schöne und das Biest“ ausstellen. Wenn sie an ihren Illustrationen arbeitet, lebt sie in einer magischen Welt; Musik, Disney, das viktorianische Zeitalter und seine Lieblingsbücher sind seine Inspiration! Die übliche Methode, die sie in ihrer Arbeit verwendet, ist digitale Kunst mit Photoshop und Aquarell; Sie verfeinert ihre Zeichnungen gerne mit Details. In ihrer Freizeit liest Emanuela Bücher, schaut sich Filme und Fernsehserien an und verbringt Zeit mit ihren besten Freunden ... sie sind Teil ihrer Familie! Sie ist ein Harry-Potter-Fan und liebt die Welt der Geeks! Sie liebt Farben, die Natur, Tiere und ihre bezaubernde Katze Romeo.
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Emeé Fôrémar

Emeé Fôrémar

Absolvent der Fakultät für Kunst und Design der UNAM in Mexiko.
Ich habe an Musikprojekten (Mexiko und Luxemburg), an Bildungsprojekten (Mexiko und Japan) und auch an Buchumschlägen (Mexiko, USA und Frankreich) gearbeitet. Ich habe auch mit Autoren an einem Kinderbuch zusammengearbeitet und kürzlich Gedichtsammlungen (Norwegen und Schweden) illustriert.
Mein künstlerisches Universum basiert auf Elementen aus der Astronomie, Träumen und der mexikanischen Kultur. Der menschliche Zustand und seine Beziehung zur Natur sind in meinen Zeichnungen wiederkehrende Themen, jedoch immer mit einem traumhaften und melancholischen Ansatz.
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Fabiana Attanasio

Fabiana Attanasio

Fabiana Attanasio ist eine italienische Illustratorin mit Sitz in der Nähe von Rom, Italien. Sie hat einen Abschluss in Illustration von der International School of Comics und illustriert Kinderbücher und Malbücher, die auf der ganzen Welt veröffentlicht wurden. Sie liebt die Haptik von Pinseln und Bleistiften, arbeitet aber auch mit digitalen Medien. Sie illustrierte mehrere andere Bücher der Mythographic-Reihe, darunter Paradise und Deep Blue.
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Gaelle Picard

Gaelle Picard

Ich bin ein großer Träumer, Zeichnung und Grafik sind in mein Leben eingetreten, um mich auszudrücken.
Ich liebe es, in meine Welt einzutreten, es ist wie eine Pause.

Nach meinem Abitur hatte ich die Chance, Kunst zu studieren, ich habe die Chance genutzt, anzufangen, auch wenn es nicht immer einfach ist, ich bereue es nicht.

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Gerald Newton

Gerald Newton

Geralds Leidenschaft für das Zeichnen und Malen begann bereits als Kind.

Nach seinem Schulabschluss besuchte er die North Cheshire School of Art and Design in England, wo er Aktzeichnen, Kunst im Allgemeinen, Keramik und Fotografie studierte. Nach Abschluss seines Studiums absolvierte er eine Ausbildung zum Drucker und obwohl er Erfahrungen sammelte, entschied er, dass dies nicht gerade der richtige Beruf für ihn war. Nachdem er einige Jahre lang selbstständig als Künstler gearbeitet hatte, beschloss er, zum Vollzeitstudium zurückzukehren und schrieb sich an der University of Plymouth in Devon, England, ein, wo er Grafik studierte. Anschließend studierte er Illustration an der Falmouth University in Cornwall, England.

Während seines Studiums gewann er einen Wettbewerb zur Gestaltung von Weinetiketten und gestaltete das Cover für seine allererste Schallplatte. Nachdem er sein Studium mit Auszeichnung abgeschlossen hatte, machte er sich hauptberuflich als unabhängiger Künstler selbstständig. Sein erster Job war die Erstellung monatlicher Coverillustrationen für eine Zeitschrift. Anschließend produzierte er eine Vielzahl von Illustrationen für Buch- und Zeitschriftenverlage. Er arbeitet mit Schriftstellern und Dichtern zusammen. Er gestaltete Plattencover für Plattenfirmen und Musiker. Er hat für Marketingunternehmen, Naturschutzorganisationen und Touristenattraktionen usw. gearbeitet. In den letzten Jahren hat er Puzzle- und Spielefirmen mit seiner farbenfrohen, detaillierten und fantasievollen Kunst versorgt.
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Graeme

Graeme

Graeme Stevenson ist vor allem für seine atemberaubenden Bilder bekannt, die eine Vielzahl von Wildtieren und Landschaften zeigen. Er wurde in New South Wales, Australien, geboren und begann schon in jungen Jahren, Tiere zu malen und zu studieren. Als Kind erkundete er die Weiten Australiens, fotografierte, zeichnete und malte schließlich die exotischen Tiere des Landes. Er lebt nun dauerhaft in den Vereinigten Staaten und malt weiterhin Tiere. Stevensons Kunst ist auf einer Reihe von Produkten zu finden, von Puzzles bis hin zu Postern.
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Hannah Lynn

Hannah Lynn

Ich bin ein autodidaktischer amerikanischer Künstler und arbeite in meinem Studio in Idaho Falls, Idaho. Seit 2006 verkaufe ich meine Kunstwerke online, auf Veranstaltungen und über lizenzierte Produkte.

Meine Kindheit verbrachte ich in Nordkalifornien, wo ich meine Leidenschaft entdeckte. Wie viele Künstler war ich schon immer vom Zeichnen und Malen besessen! Alles lief gut, als ich ein neues Malbuch und eine neue Schachtel Buntstifte erhielt. Zeichnen war schon immer ein Teil von mir: Meinen ersten bezahlten freiberuflichen Job hatte ich mit 11 Jahren (eine Buntstiftzeichnung eines Weißkopfseeadlers für den Sohn meines Naturwissenschaftslehrers als Geburtstagsgeschenk); Ich war der engagierte Künstler in jedem Schulgruppenprojekt; Und nach der Schule war ich das Mädchen, das an deine Tür klopfte und dir handgezeichnete Lesezeichen für 50 Cent pro Stück verkaufen wollte! Wenn ich nicht in der Schule war, Hausaufgaben machte oder Hausarbeiten erledigte, habe ich gezeichnet, geschrieben, gelesen oder etwas gemacht. Ich bin ein völlig autodidaktischer Künstler und habe 2007 meinen Associates Degree in Commerce erhalten. Ich freue mich sehr, mein Talent mit der Welt teilen und davon leben zu können!

Meine Originalwerke werden von erstellt Von Hand, mit Aquarellstift und Tinte auf Illustrationskarton, unter Verwendung traditioneller Materialien und Techniken. Die Abmessungen reichen von Miniatur (2,5"x3,5" bis 11"x14", obwohl ich etwas größer gehen könnte). Manchmal arbeite ich mit Acrylfarben auf Holz, wodurch ich etwas größer malen und verschiedene Techniken anwenden kann. Außerdem erstelle ich alle meine Grafiken für die Verwendung im Internet und für Produkte, produziere viele meiner eigenen Drucke und Studioprodukte und veröffentliche meine eigenen Malbücher und Sammelkarten. Derzeit lizenziere ich meine Kunstwerke an externe Unternehmen zur Verwendung auf Produkten wie Kreuzstichkarten, Briefpapier, Stempeln und mehr. Ich liebe es, meine Kunstwerke auf Produkten präsentieren zu können, von denen ich weiß, dass die Leute sie verwenden und genießen werden!

Fans sammeln meine Kunstwerke seit vielen Jahren auf Websites wie eBay und Etsy sowie Hunderte meiner Originalgemälde und -drucke befinden sich in vielen persönlichen Sammlungen auf der ganzen Welt. Meine Fans sind mir sehr wichtig, denn ohne ihre Unterstützung wäre ich heute nicht da, wo ich bin! Ich freue mich auf eine wundervolle Zukunft, in der ich die Möglichkeit haben werde, andere Produkte zu lizenzieren, Bücher zu illustrieren und andere lustige Charaktere und Kunstwerke zu malen, damit jeder Freude daran hat :).

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Ingrid Tusell

Ingrid Tusell

Ich bin ein autodidaktischer spanischer Künstler. Schon in jungen Jahren war ich fasziniert davon, meinen Vater, von Beruf Designer, in seinem Atelier zu beobachten und wie er sich so sehr auf seine Arbeit konzentrierte, dass es schien, als würde er von der Welt verschwinden.
Ich begann, von der Landschaft inspiriert zu malen, als ich aufs Land zog, schwanger mit meinem ersten Kind. Ich fand eine Welt zum Erkunden, voller kraftvoller Frauen, die mit der Natur verbunden sind und uns eine Botschaft hinterlassen haben. In meinen Bildern erscheint der Lebens-Tod-Lebenszyklus als Erinnerung daran, mich mit dem zyklischen Prozess der Natur zu verbinden. Federn, Blumen, Totenköpfe und Krafttiere inspirieren meine Arbeit.
Im Jahr 2016 begann ich, in Galerien in den USA auszustellen In den Vereinigten Staaten habe ich mehrere Einzelausstellungen gemacht, meine Werke befinden sich in den Häusern von Sammlern auf der ganzen Welt, etwas, das mich an das glauben lässt, was ich tue und weiterführe.
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Jan Patrik Krasny

Jan Patrik Krasny

Er absolvierte das Kunstgymnasium in Brünn (1973) und die AVU in Prag (1982).

In seiner Arbeit konzentrierte er sich zunächst auf Comics und freie Kreationen, dann auf Buchillustrationen. Er hat mit einer Reihe tschechischer und ausländischer Verlage zusammengearbeitet und sich dabei auf die Genres Science-Fiction und Fantasy konzentriert.

Seine Arbeiten sind in den digitalen Kunstanthologien Spectrum, Expose, Exotic und Phantasia vertreten.
Mit seinem Illustrationen trug er auch zu den Büchern „How to Draw and Paint Dragons“ und „The Dragon Chronicles – Labyrinth of Fire“ bei.
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Jasmine Becket Griffith

Jasmine Becket Griffith

Jasmine ist eine traditionelle Acrylmalerin, die Elemente des Realismus mit fantastischen und surrealen Elementen kombiniert. Historische und spirituelle Bezüge vermischen sich mit Märchen und der Schönheit der Natur. Seine charakteristischen Jungfrauen mit den flüssigen Augen rufen ein breites Spektrum an Emotionen und Reaktionen auf die umgebenden Bilder hervor. Ihr Ziel ist es, mit jedem Gemälde ein wenig Magie und Faszination in die gewöhnliche Welt zu bringen!

Jasmines Bilder erscheinen in zahlreichen Büchern und Magazinen sowie in unzähligen Merchandise-Linien wie Bradford Exchange, Hamilton Collection und Ashton -Drake-Puppen und seine Disney-Produktlinien. Ihre Gemälde befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen auf der ganzen Welt.

Jasmine wurde 1979 geboren und begann 1997 professionell auszustellen.
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Jason Taylor

Jason Taylor

Die Tierillustration hat Jason von den eisigen Regionen der Arktis bis zur sengenden Hitze der kalifornischen Wüsten geführt, von den Korallenriffen des Indischen Ozeans bis zu den Nebelwäldern Neuseelands. Sein Werk umfasst ein breites Spektrum an Veröffentlichungen, von fröhlichen, farbenfrohen Büchern für kleine Kinder bis hin zu den anspruchsvollen Standards von Enzyklopädien und wissenschaftlichen Illustrationen.
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Jean-Marc Janiaczyk

Jean-Marc Janiaczyk

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Jody Bergsma

Jody Bergsma

Jody hat einen vielfältigen Malstil, der sich über Jahre und Tausende von Gemälden entwickelt hat. Ihre ersten Werke waren bezaubernde Kinderillustrationen, die sie auf Kunstmessen im Nordwesten verkaufte, um ihre Ausbildung zu finanzieren.

Jodys Aquarelltechnik ist Autodidaktin. Ihr Ingenieursabschluss spiegelt sich in ihren Kompositionen wider und zeigt Jodys Liebe zur Mathematik und Geometrie. Sie verbindet diese Elemente nahtlos mit ihren fantasievollen inneren Visionen, um ihren einzigartigen Stil zu schaffen.

Sie wird oft gefragt, warum sie Symbole der Aborigines, der Ureinwohner und der Geometrie verwendet. Durch sein lebenslanges Studium lernte er viele alte Kulturen und die Schönheit ihrer Designs kennen. Durch die respektvolle Arbeit mit diesen Bildern nimmt Jody an der Bedeutung unserer Geschichte teil und integriert ihre Symbole wieder in unsere moderne Kultur.

Ich schlage vor, dass die Menschheit eine gemeinsame Realität teilt, die gerade außerhalb der Reichweite des normalen Sehens liegt. Bilder sind Emotionen, solche, die unsichtbar sind, aber gefühlt... unhörbar, aber bekannt. Es gibt Zeiten, in denen wir ein ausgeprägtes Bewusstsein für die Existenz haben ... wie das Gefühl der Freude, wenn wir am Rand eines Berges oder auf der Spitze einer Mondsichel stehen. Das körperliche Abenteuer jedes Menschen ist einzigartig, aber die abstrakte Sprache der Gefühle und unsere Erkenntnis der Existenz sind unsere gemeinsame Erfahrung. Meine Bilder sind Teil meines persönlichen Abenteuers. Memory vereinfacht die Einrichtung. Ich kann den Rand des Berges nicht mehr sehen, aber ich sehe die Gefühle, die er geweckt hat.

Kunst ist eine Tradition, die dabei hilft, uns zu definieren und uns eine Vision davon gibt, was wir werden können. Meine Malerei ist mein Ausdruck und mein Wunsch nach einer schöneren, friedlicheren und harmonischeren Welt.

Ich wünsche dir eine endlose Kindheit,
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Johanne Pacers

Johanne Pacers

Johanne, eine 33-jährige kreative Persönlichkeit aus Texas, bringt ihre tiefe Liebe zu Tieren in ihre lebendigen künstlerischen Unternehmungen ein. Mit ihrer Leidenschaft für moderne Kunst und digitale Kunst ist sie auf die Schaffung digitaler Meisterwerke spezialisiert, die nicht nur farbenfroh, sondern auch eine Augenweide sind. Als amerikanische Künstlerin sind Johannes einzigartige Werke eine Hommage an ihr Talent, ihre Originalität und ihre Zuneigung zum Tierreich.
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John Clark

John Clark

Ich habe 1985 mit dem Malen mit Pastellfarben begonnen, als natürliche Weiterentwicklung des Zeichnens, das ich schon seit ich denken kann, mache. Zwei Jahre später zog ich auf die Cayman Islands, wo ich vierzehn Jahre lang mit meiner Familie lebte. Die Farben der Karibik regten meine künstlerischen Sinne an und luden mich ein, das türkisfarbene Meer und die leuchtend rosa Bougainvillea auf Papier und Leinwand einzufangen. Die Kunstszene der Cayman-Inseln hieß mich willkommen, private Sammler und Institutionen kauften meine Werke und ich nahm an zahlreichen Ausstellungen bildender Kunst und Gruppenausstellungen teil und gewann mehrere Preise. Die Cayman-Inseln sind ein von Großbritannien abhängiges Territorium und mein Status innerhalb der Künstlergemeinschaft gab mir die Gelegenheit und Ehre, Mitglieder der königlichen Familie zu treffen.

Gegen Ende meiner Zeit begann ich mit der Verwendung von Acrylfarben Cayman-Inseln, und jetzt, wo ich in England lebe, male ich fast ausschließlich mit dieser Technik. Acrylfarben kombinieren die Kraft der Farbe mit technischer Einfachheit und aufgrund ihrer Haltbarkeit weiß ich, dass Originale, wenn ich sie in die ganze Welt versende, in perfektem Zustand ankommen.

Einer der Vorteile des Lebens in Europa besteht darin, dass ich dazu in der Lage bin Reisen Sie in Länder wie Italien und Frankreich. Ich schätze mich glücklich, dass ich neben meinen eher tropischen Werken für Galerien in der Karibik und Sammler in den Vereinigten Staaten auch ein paar pastorale Szenen aus der Toskana und der Provence malen konnte.

Im Jahr 2013 begann ich, Szenen zu malen von Kauai, zur Ausstellung und zum Verkauf über die Palms Gallery. Es war ein großes Privileg für mich, als erster internationaler Künstler der Galerie ausgewählt zu werden, und es kann keine bessere Inspiration für einen Künstler geben, als die natürlichsten Landschaften der Welt zum Thema zu haben und eine Galerie in der Mitte von allem, wo seine Werke ausgestellt und geschätzt werden können. Heute beginnen meine Tage mit einer leeren Leinwand vor mir und Bildern von atemberaubenden Wasserfällen, schroffen Bergen, unberührten Stränden und sich wiegenden Palmen, die nur darauf warten, gemalt zu werden.
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John O'Brien

John O'Brien

John O'Brien wurde 1953 in Philadelphia, Pennsylvania, geboren und machte 1975 seinen Abschluss am Philadelphia College of Art.

Im Laufe seiner Karriere hat er mit vielen renommierten Verlagen zusammengearbeitet und über 100 Kinderbücher illustriert, von denen er acht auch geschrieben hat.  Er hat Publikationen wie das Wall Street Journal, die Washington Times, Global Finance und Worth illustriert und zu zahlreichen anderen Sammlungen, Anthologien und Lehrbüchern beigetragen.  Er pflegte auch eine lange Beziehung zur Zeitschrift „Highlights for Kids“, für die er zahlreiche Cover und Innenillustrationen erstellte.

John hatte auch eine lange Karriere als Cartoonist für zahlreiche Zeitschriften, darunter The New Yorker, für den er 17 Cover und mehr als 200 Innenillustrationen schuf.  Seine Zeichnungen erschienen unter anderem auch in der New York Times, Esquire, Fast Company und Omni.

John wohnt im Frühling und Herbst in Delran, New Jersey.  Im Sommer reist er nach North Wildwood, New Jersey, wo er von 1970 bis 2015 als Rettungsschwimmer für die North Wildwood Beach Patrol arbeitete.  John verbringt die Wintermonate in Miami, Florida.

Er spielt sowohl beruflich als auch zur Unterhaltung Musik, hauptsächlich Dixieland und Celtic.  Er mag besonders das Banjo und die Ziehharmonika, spielt aber auch Klavier, Bass und Gitarre.

John hat eine Tochter, Tess, die ihren Abschluss am LaSalle College in Philadelphia gemacht hat.

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Julia Catleen

Julia Catleen

Julia Catleen stammt aus Iowa und ist eine auf digitale Kunst spezialisierte Künstlerin, deren Talent und Leidenschaft für farbenfrohe Illustrationen sie schnell zu einer aufstrebenden Figur in der Welt der zeitgenössischen Kunst gemacht haben. Julia wurde 1997 geboren und zeigte schon in jungen Jahren eine besondere Affinität zum Zeichnen und Gestalten.

Seit ihrer Jugend wandte sie sich dem Digitalen zu, einem Medium, das es ihr ermöglichte, neue Wege zu erkunden, ihre Vision der Welt auszudrücken. Digitale Werkzeuge haben ihr endlose Möglichkeiten eröffnet und es ihr ermöglicht, traditionelle und moderne Techniken zu kombinieren und so einen unverwechselbaren und sofort erkennbaren Stil zu schaffen.

Seine Werke, die oft von einer lebendigen Farbpalette durchdrungen sind, erzählen Geschichten, die Genres und Epochen überschreiten und das Alte und das Moderne, das Reale und das Imaginäre verbinden. Ihr Hauptmerkmal ist zweifellos ihre Fähigkeit, durch die Einfachheit der Formen und die Komplexität der Farben intensive Emotionen hervorzurufen.

Im Jahr 2023, im Alter von 26 Jahren, schloss sich Julia den Oraloa-Künstlern an. Durch die Integration in diese Gruppe konnte er sein Netzwerk erweitern und mit anderen talentierten Künstlern zusammenarbeiten und so seine eigene Arbeit bereichern.

Neben ihrer Karriere als Künstlerin ist Julia auch eine glühende Verfechterin der Kunsterziehung und überzeugt davon, dass digitale Kunst beispiellose Möglichkeiten für die neue Generation bietet. Sie leitet regelmäßig Workshops und Seminare und gibt ihr Know-how an junge Nachwuchstalente weiter.

Heute verschiebt Julia Catleen weiterhin die Grenzen ihrer Kunst und ist ständig auf der Suche nach Weiterentwicklung und Innovation. Mit der Unterstützung des Oraloa-Kollektivs und der wachsenden Anerkennung der Künstlergemeinschaft scheint die Zukunft für diesen unbestreitbar talentierten Künstler aus Iowa rosig zu sein.

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Julia Spiri

Julia Spiri

Julia Spiri ist eine Künstlerin mit einem einzigartigen Stil und Talent. Sie legt so viele Details in jede Zeichnung, dass es sehr viel Spaß macht, sie auszumalen und zum Leben zu erwecken. Wenn Sie die Welt der Fantasie und Magie lieben, ist ihre Kunst genau das Richtige für Sie.

Julia arbeitet als freiberufliche Künstlerin und Malerei ist ihr Vollzeitjob. Julia hat einen Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst. Seit vielen Jahren malt sie Porträts und Illustrationen. Sie hat eine Reihe von Malbüchern und Geschichtenbüchern für Kinder illustriert. Ihr Stil ist von Fantasy-Kunst, Fantasy-Kunst und Pop-Surrealismus beeinflusst.

Julia lebt in der Nähe von Barcelona in Spanien und hat drei große Deutsche Schäferhunde.

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Julianne Pacers

Julianne Pacers

Julianne Pacers wurde 1992 in der geschäftigen Stadt San Francisco, Kalifornien, geboren. Die lebendige Kunstkultur der Metropole und die Nähe zu Naturwundern wie dem Pazifischen Ozean und den Bergen der Sierra Nevada haben sie schon in jungen Jahren tief beeinflusst. Die Mischung aus urbanem Leben und natürlicher Pracht wurde zu einem wiederkehrenden Thema in ihren Werken und machte sie zu der Künstlerin, die sie heute ist.

Ausbildung
Julianne hat ihre Leidenschaft für die Kunst durch den Besuch einer renommierten Schule auf ein höheres Niveau gebracht Sie studierte an einer Kunsthochschule in den Vereinigten Staaten und spezialisierte sich dort auf Illustration und Malerei. Der strenge Lehrplan der Schule und die Betreuung durch erfahrene Künstler haben dazu beigetragen, ihre Fähigkeiten zu verbessern und ihr eine Professionalität zu vermitteln, die heute in ihren Arbeiten zum Ausdruck kommt.

Künstlerischer Stil
Stil Juliannes einzigartiger Stil verbindet ihre Leidenschaft für Tiere mit ihrem Sinn der Illustration. Sie ist bekannt für ihre detaillierten Porträts, die nicht nur das äußere Erscheinungsbild der von ihr gemalten Tiere einfangen, sondern auch deren Geist und Persönlichkeit. Seine Werke integrieren oft Elemente ihres natürlichen Lebensraums oder abstrakte Hintergründe, die die emotionale Resonanz des Themas zum Ausdruck bringen.
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Julie Buibui

Julie Buibui

Mein Vorname ist Julie, sie nennen mich BuiBui.

Ich stamme ursprünglich vom Ufer des Genfersees und habe meine Koffer in Ain neben einer Trauerweide abgestellt. Ich lebe dort mit meiner Geliebten, meiner hübschen Tochter, meinem hübschen Jungen, viel Papier, viel Farbe und einer Schar Bleistifte.

Soweit ich mich erinnern kann, hatte ich immer einen Bleistift in der Hand.

Nachdem ich am Lycée Kunstgeschichte (hauptsächlich aus dem 20. Jahrhundert) studiert hatte, erlangte ich 2005 einen Bachelor in Bildenden Künsten und absolvierte anschließend einen kurzen Aufenthalt an der Ecole Nationale des Beaux Arts in Lyon. Der praktizierte Unterricht war nicht für mich gemacht!

Seitdem male, klebe, zeichne und koloriere ich ständig, immer auf der Suche nach neuen Ideen und Techniken. Es ist eine Notwendigkeit!

Inspiriert von Jugendillustrationen, einzigartiger Kunst, der Kultur der Street Art und sogar den primitiven Künsten arbeite ich an der Entwicklung eines persönlichen und poetischen Universums, das eine Einladung zum Reisen sein soll, in Welten, die von melancholischen Kreaturen bevölkert sind und in denen Oft scheint die Zeit stehen geblieben zu sein.

Meine Arbeit basiert hauptsächlich auf der menschlichen Figur (oft weiblich) und der Natur und kombiniert falsche Naivität, Farben, Muster und andere berauschende Vermischungen, die wie so viele Wege im Lauf unserer Gedanken sind.

Meine Charaktere und andere Landschaften haben jeweils eine einzigartige Geschichte, die ich mir selbst erzähle, während ich sie zur Welt bringe, und ich mag diejenigen, die sich das wiederum vorstellen...

Technisch

In letzter Zeit habe ich Farben, Acrylfarben und Marker gemischt. Ich füge oft Buntstift hinzu und verwende meine wertvollen Rotring- und Staedler-Stifte (nachfüllbare Stifte für technisches Zeichnen). Ich habe in der Vergangenheit viel Gouache und Stift verwendet und bin immer auf der Suche nach neuen Techniken.

Nachdem ich viel mit Leinwandrahmen gearbeitet habe, habe ich mich kürzlich für Träger mit glatteren Oberflächen wie Holz und Papier entschieden.

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Julie Courchesnes

Julie Courchesnes

Julie Courchesne lässt sich von den einfachen Freuden des Lebens inspirieren. Sie schafft Werke, die die Erinnerung an eine Epoche wachrufen und zum Schmunzeln bringen. Darüber hinaus verleiht die Verschmelzung von Zeichnung und Malerei den Gemälden eine einzigartige Perspektive. Alle seine Arbeiten weisen einen Aspekt der Leichtigkeit und des Skizzeneffekts auf und werden durch die lebendigen Farben und einzigartigen Texturen zum Leben erweckt.


Seit ihrer frühen Kindheit ist Kunst ein Teil von Julies Leben und während ihrer High-School-Karriere nahm sie ihren ersten Unterricht in Ölmalerei. Mit der Zeit und dem Universitätsstudium wurden Kunst und Malerei vorübergehend zurückgestellt. Nach Abschluss ihrer Kurse kehrte sie jedoch zu ihrer Leidenschaft zurück und erkundete ein neues Medium, das Acryl, das sie noch heute verwendet.

Für Julie resultiert ihr wahres Wachstum aus einem Besuch 2013 ging sie in eine Kunstgalerie in Quebec City. Sie fühlte sich sofort zu diesem künstlerischen Bereich hingezogen. Von da an nahm die Malerei einen ganz besonderen Platz in seinem Leben ein. Seitdem wendet sie eine autodidaktische Methode an und malt täglich.

Julie ist eine leidenschaftliche Künstlerin, für die ein Leben ohne Malerei unvorstellbar, grau und leer wäre. Kunst gibt ihr Ausgeglichenheit in ihrem täglichen Leben und sie nutzt diese Bindung, um ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen und ihre Gefühle auszudrücken. Diese Flamme, die die Kunst in seinen Augen darstellt, ermöglicht es ihm, zu entkommen, die Zeit anzuhalten und den gegenwärtigen Moment vollständig zu leben.

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Kosmiic's Kollection

Kosmiics Sammlung

Kosmiics Kollection-Kunst wurde durch ihre Liebe zur Spiritualität und zum Kosmos inspiriert. Schon in jungen Jahren wollte sie etwas erschaffen. Während des Lockdowns 2019 beschloss sie, ihre Kreativität in schwierigen Zeiten am besten zum Ausdruck zu bringen, indem sie ihre künstlerischen Fähigkeiten mit ihrer Liebe zur Technologie kombinierte und künstlerische Werke nur mit einem iPad schuf.

Seitdem hat Kosmiics Kollection detaillierte Stücke geschaffen, die sich durch das Universum wagen.  
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Kovallino

Kovallino

Kovallino ist ein japanischer Künstler, der sich auf Manga-Zeichnung spezialisiert hat. Er wurde am 3. Januar 1978 in Kumamoto, Japan, geboren. Er begann seine Karriere in der Manga-Branche 1994 mit der Einreichung von Kurzgeschichten bei einem Wettbewerb, der von einer berühmten japanischen Zeitschrift organisiert wurde. Er gewann den Wettbewerb und begann, Kurzgeschichten in vielen Magazinen auf der ganzen Welt zu veröffentlichen.
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Larienne

Larienne

Larienne, auch „melancholische Geschichtenerzählerin“ genannt, webt einen Wandteppich aus Geschichten in den Farben von Hexen, Vogelscheuchen und Elementen der Retro-Ära. Mit jedem Pinselstrich weckt sie Nostalgie und weckt schlummernde Emotionen und entführt den Betrachter in mystische Gefilde, in denen die Grenzen zwischen Übernatürlichem und Alltäglichem verschwimmen. Sein unverwechselbarer Stil verbindet die Vintage-Aura der Vergangenheit mit dem Fantastischen und fängt die Essenz flüchtiger Momente ein, die zwischen Traum und Realität liegen. Larienne lässt sich von mondhellen Nächten und regnerischem Flüstern inspirieren und ist mehr als eine Künstlerin. Sie ist ein Leuchtfeuer für verlorene Seelen in der Moderne, die sich nach einem Hauch von Magie sehnen. 🌧🌙.
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Lars Stewart

Lars Stewart

Im Jahr 2015 machte Lars Stewart seine Leidenschaft für die Fotografie zum Beruf. Seine Werke sind farbenfrohe Fotomontagen, in denen er klassische Fotografie und digitale Kunst verbindet. Lars Stewart lebt im US-Bundesstaat Washington. Er arbeitet mit seiner Frau und Künstlerkollegin Aimee Stewart in den Foxfire Studios.
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Laure Marchand

Laure Marchand

Ich wurde in den Bouches du Rhône geboren und verbrachte meine Kindheit zwischen den hübschen Wäldern Burgunds, dem Land meiner Mutter, und dem Buschland von Marcel Pagnol.
Als ich klein war, wollte ich Schneewittchen sein. , Aschenputtel, mich im Wunderland zu verlieren oder manchmal zu wissen, wie ich meine Nase wie meine geliebte Hexe bewegen muss, während ich vor Sarah Kays Illustrationen träume.

Nachdenklich, ich hatte vor langer Zeit eine magische Welt erfunden, in der ich nach Belieben Zuflucht suchen konnte.

„Dann schlief sie in einem langen, sehr langen Schlaf ein…“

pomme

Ich habe gezeichnet wie alle Kinder, aber ohne zu wissen, dass daraus eine echte Leidenschaft werden würde.

Ich bin Autodidakt und habe angefangen, vor allemLandschaften und Stillleben zu zeichnen. Das Zeichnen gefiel mir sehr, aber ich war mit meinen „Studienfächern“ nie ganz zufrieden.
Eines Tages skizzierte icheinen kleinen Sprite in einer Landschaft und es kam mir so natürlich vor, dass ich weitermachte Dieser Weg.
Seitdem widme ich meine Zeichnung all diesen kleinen Charakteren, die mich in meiner Kindheit begleitet haben und denen ich mit großer Freude wieder begegnen durfte. Jetzt erwecke ich sie gerne auf einem Blatt Papier zum Leben.
Ich habe weiterhin meine Leidenschaft für das Zeichnen mit der magischen Welt sowie meine Leidenschaft für bestimmte Epochen der Geschichte verbunden.

Meine Inspirationen sind recht vielfältig, drehen sich aber oft um Magie oder Fantasie, da ich die Sanftheit der Illustrationen von Meredith Dillman oder Delphine Gache gleichermaßen schätze dunklere Zeichnungen von Tim Burton oder Barbara Canepa.

Ich bin seit 20 Jahren im Bereich der beruflichen Fortbildung für Erwachsene tätig und seit 2008 erklärter freiberuflicher Illustrator. Ich balanciere meine Zeit zwischen einem sehr menschlich bereichernden Job, meinem Familienleben und meiner Leidenschaft für das Zeichnen.

Einen Teil der Magie und der Kindheit zu bewahren ist für mich von entscheidender Bedeutung.

Ich schließe mit meinem Lieblingszitat:

„Was den Dichter ausmacht ? Ist es nicht die Liebe, die verzweifelte Suche nach dem kleinsten Sonnenstrahl, der auf dem Parkettboden eines Kinderzimmers spielt“
François Mauriac. 

Meine Arbeit als Illustrator

Ich träumte von meinen Gravuren wie Prinzenküsse,

ein wenig naiv und kindisch, sprechen sie zu Ihrem inneren Kind, demjenigen, der tief in Ihrem Inneren nie wirklich erwachsen geworden ist.

Eingebettet in Melancholie sprechen sie zu Ihnen von verlorenen Welten, von den für immer vergangenen Melodien Ihrer Kindheit.

Manchmal beißt du in den vergifteten Apfel, manchmal ist es ein Frosch, der dich weckt.

Oft sind es kleine Waldfeen, die einem tief in die Augen schauen und sagen:

„Merken“

feedragon

Meine Illustrationen werden mit verschiedenen Techniken angefertigt, entweder traditionell, Aquarell, Acryl und Buntstift; oder beim digitalen Malen in Photoshop. Ich versuche immer, Magie und Sanftheit in meine Malweise zu integrieren, egal ob traditionell oder digital.

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Laure Phelipon

Laure Phelipon

Laure Phelipon hat schon immer gezeichnet, sie hat ein naives und farbenfrohes Universum, Zeichnen ist für sie eine Art, die Welt aus dem Blickwinkel der Sanftheit und Freude zu betrachten.
Laure ist seit 2010 Illustratorin für Kinder und Erwachsene.

Sie hat Bücher für Robert Laffont, Hemma, Jouvence, Hachette und Coup d'œil illustriert.

Sie hat auch einen Laden, in dem sie Stoffgutscheine verkauft.

Laure freut sich, ihre Illustrationen für die Diamantmalerei anbieten zu können.

Bis bald :)
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Liliia

Lilie

Liliia ist eine amerikanische Illustratorin, die mit verschiedenen Medien arbeitet, darunter Gouache, Acryl und Digital, um in ihren Werken unterschiedliche Texturen und Lichteffekte zu erzeugen. Seine Themen reichen von der Stadt, Landschaften, Stillleben bis hin zu dekorativen Motiven. Seine Bilder eignen sich perfekt für viele Produkte wie Puzzles, Sammlerstücke, Kalender und Grußkarten.
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Line Paquet

Linienpaket

Ich bin Künstler...

Das heißt, ich lebe in einer Fantasiewelt voller unrealistischer Erwartungen...

Hier bin ich also...

Bald Maler, manchmal Illustrator

Aber in jedem Moment kreativ...

Jeder Tag ist eine großartige Reise, angetrieben von Leidenschaft...

Und zum Schluss mit diesen Worten:

„Ich träume mein Bild und dann male ich meinen Traum“ (Van Gogh)

Willkommen in meiner Welt

Linie P.
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Lisa Hudson

Lisa Hudson

Mein Name ist Lisa Hudson, eine 29-jährige Digitalkünstlerin aus Australien. Schon in jungen Jahren war ich von Kunst und Technologie fasziniert, was mich natürlich in die Welt der digitalen Kunst führte. Meine Liebe zu Tieren ist oft eine Inspirationsquelle für meine Werke. Ich erstelle Bilder, die nicht nur die Schönheit und den Geist der Tiere einfangen, sondern auch Szenen, die ihre Interaktion mit der Natur widerspiegeln.

Mir liegt besonders am Potenzial digitaler Kunst, das Bewusstsein für den Schutz der Tierwelt zu schärfen. Durch meine Kreationen versuche ich, eine emotionale Verbindung zwischen der Öffentlichkeit und der Tierwelt herzustellen, in der Hoffnung, Bewusstsein und mehr Respekt für unsere natürliche Umwelt zu schaffen.

Meine Reise ist nicht nur eine künstlerische Suche, sondern auch eine persönliche Reise, die es mir ermöglicht, die tiefe Verbindung, die wir mit allen Lebensformen teilen, zu erforschen und zu feiern.

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Lucia Van Den Berg

Lucia Van Den Berg

Lucia van den Berg, ursprünglich aus einer Kleinstadt in den Niederlanden, entdeckte schon als Kind ihre Liebe zur Kunst, inspiriert von den wunderschönen Tulpenfeldern und Windmühlen, die ihr Zuhause umgaben. Die leuchtenden Farben und die stille Schönheit seiner Heimat wurden zu einer ständigen Inspirationsquelle für seine Kunst. Van Goghs bezaubernde Darstellungen der niederländischen Landschaft hatten großen Einfluss auf sie, ebenso wie die komplizierten Muster und Symbolik von Gustav Klimts Werken.

Lucias Leidenschaft für Kunst beschränkte sich jedoch nicht nur auf lokale Landschaften. Als junge Erwachsene unternahm sie zahlreiche Reisen und erkundete vielfältige Landschaften rund um die Welt. Ihre Arbeiten, die hauptsächlich mit Holzstiften erstellt und manchmal mit digitaler Kunst kombiniert werden, spiegeln die vielfältigen Umgebungen wider, denen sie begegnete.

Ihre Arbeit „Macaw Family“ ist von ihrer Zeit im Amerika des Südens inspiriert, wo sie fasziniert war die lebendigen Farben und Geräusche des Dschungels. „Mountain Escape“ und „Field of Fragrance“ spiegeln ihre Reisen nach Kanada bzw. Frankreich wider, während „Sakura no Tancho“ von einem Besuch in Japan inspiriert wurde, wo sie sich in die ruhige Schönheit traditioneller japanischer Architektur und symbolischer Bäume verliebte wie der Kranich und der Kirschblütenbaum.

Trotz ihres Talents bleibt Lucia eine relativ wenig bekannte Künstlerin. Sie zog die ruhige Einsamkeit ihrer Reisen und den Komfort ihres kleinen Ateliers in den Niederlanden immer dem Rampenlicht vor. Sie reist und kreiert weiter, angetrieben nicht von dem Wunsch nach Anerkennung, sondern von der Freude, die Schönheit der Welt in ihrer Kunst einzufangen. Seine Werke, die Momentaufnahmen einer Zeit und eines Ortes sind, werden von denen geschätzt, die das Glück haben, ihnen zu begegnen.


Herkunftsland: Niederlande

Einflüsse: Vincent Van Gogh , Gustav Klimt, sein niederländisches Erbe, seine Reisen und seine Leidenschaft für die Erkundung der Natur.
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Makiko

Makiko

Makiko wurde in Nagoya, Japan, geboren. Nach ihrem Designstudium an der Nagoya Girl's University arbeitete sie als freiberufliche Designerin für mehrere Textildruckunternehmen.
Sie ging in die USA, um Englisch und Grafikdesign zu studieren, wo sie ihren Mann kennenlernte und seitdem nach Belgien zog. Sie belegte den Illustrationskurs, während sie ihren Sohn großzog.
Seit fast 25 Jahren arbeitet sie als freiberufliche Illustratorin für Grußkarten und Kinderpublikationen in Europa und Japan.
Sie liebt die Natur und Tiere, und ihre Inspiration kommt von die unschuldige Bewegung von Tieren und Kindern. Und für sie sind Tiere eine gute Möglichkeit, eine Botschaft und ein Gefühl zu vermitteln.
Sie liebt es, Teil dieser magischen Welt zu sein.
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Maria Chetkareva / Oraloa DSG

Maria Chetkareva / Oraloa DSG

Maria Chetkareva ist eine Illustratorin, die sich durch ihre Fähigkeit auszeichnet, magische und märchenhafte Welten zu erschaffen, die die Fantasie anregen. Mit ihrem Talent für lebendige Farbpaletten und ihrem komplizierten Stil bieten ihre Werke Einblicke ins Mystische und wecken ein Gefühl von Staunen und Ehrfurcht.

Schon in jungen Jahren zeigte Chetkareva ein großes Interesse an Kunst und beschäftigte sich häufig mit dem Zeichnen und Malerei. Seine Eltern, beide Künstler, waren maßgeblich am Erwerb seiner Fähigkeiten beteiligt. Ihre gemeinsame Liebe zum Geschichtenerzählen ermöglichte es ihr, eine tiefe Wertschätzung für Geschichten zu entwickeln, die später zum Rückgrat ihrer illustren Karriere werden sollte.

Nach der High School erwarb sie einen Abschluss in Bildenden Künsten und perfektionierte ihr Handwerk unter die Anleitung einiger der besten Künstler der Branche. Nach ihrem Abschluss widmete sich Frau Chetkareva der professionellen Illustration und vereinte ihre Leidenschaft für Kunst und Geschichtenerzählen. Sie hat ihre einzigartigen Visionen in die Erstellung aufwändiger Illustrationen einfließen lassen, die den Betrachter mühelos in verschiedene Sphären entführen.
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Mariaeva Cardoso

Mariaeva Cardoso

Marieva Cardoso ist eine spanische Künstlerin, die sich auf digitale Kunst im Steampunk-Stil spezialisiert hat. Heute lebt sie von ihrer Leidenschaft für die Kunst. Mariaeva erstellt heute Illustrationen für Romane und Videospiele.
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Marie Antoinette Cailao

Marie Antoinette Cailao

Marie Antoinette ist eine junge philippinische Künstlerin, die in Manila geboren und aufgewachsen ist. Schon in jungen Jahren zeigte sie großes Interesse an Kunst und verbrachte den Großteil ihrer Freizeit mit Zeichnen und Malen. Nach dem Abitur beschloss Marie Antoinette, ihr Studium an einer renommierten Kunstschule auf den Philippinen fortzusetzen, wo sie Illustration und Maltechniken studierte.

Im Laufe der Jahre entwickelte Marie Antoinette ihren eigenen unverwechselbaren Illustrationsstil, der traditionelle philippinische Einflüsse mit modernen und zeitgenössischen Stilen vermischte. Sie machte sich schnell einen Namen in der Illustrationsbranche für Erwachsene und Kinder und arbeitete an zahlreichen Projekten für lokale und internationale Kunden.

Marie Antoinette ist bekannt für ihre Liebe zum Detail und ihre Fähigkeit, die Essenz einer Geschichte oder Figur durch ihre Illustrationen einzufangen. Sie ist auch für ihre Arbeit mit hellen, lebendigen Farben bekannt, die die Aufmerksamkeit von Kindern auf sich zieht und gleichzeitig die Fantasie von Erwachsenen anregt.

Neben ihrer Arbeit als Illustratorin ist Marie Antoinette auch in der philippinischen Kunstszene aktiv und arbeitet mit Organisationen zusammen, um die Kunst und Kunsterziehung zu fördern. Sie organisiert außerdem Illustrationsworkshops für einheimische Kinder, um sie zu ermutigen, ihrer künstlerischen Leidenschaft nachzugehen.

Heute gilt Marie Antoinette als eine der talentiertesten und vielversprechendsten Illustratorinnen der philippinischen Kunstszene und inspiriert und überrascht weiterhin Menschen mit ihrer kreativen und farbenfrohen Arbeit.

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Marion Lepage

Marion Lepage

Illustrator, Maler, Dichter... Ich bin ein vielseitiger Künstler, im Herzen ein fröhlicher und farbenfroher Künstler! Nach dem Literaturstudium und dem anschließenden Masterabschluss in Pädagogik habe ich mich wieder meinen Kindheitsleidenschaften zugewandt und mich ganz ihnen gewidmet. Während meiner ersten Elternzeit begann ich zur großen Freude meiner beiden Kinder wieder mit dem Zeichnen. Als Autodidakt erkundete ich viele Techniken und zeichnete viel, um dann „nach meinen eigenen Vorstellungen“ zu erschaffen.
Mein Stil? Nahe der naiven Kunst... Sie ist bunt, lebendig, kontrastreich, bewusst unverhältnismäßig, magisch, mal witzig, mal poetisch! Als großer Tierliebhaber liebe ich es, sie darzustellen... und insbesondere Mimie, meine kleine schwarz-weiße Katze, die zum Aushängeschild meines Unternehmens und meiner 2017 gegründeten Marke „Marion-nette Illustrations“ geworden ist.
Jede meiner Illustrationen wird mit viel Liebe und Leidenschaft erdacht und erstellt. Ich sage oft, dass meine Kunst „der Ausdruck meines überströmenden Herzens“ ist. Es ist mehr als ein einfaches Bild, es ist ein wirkungsvolles Werkzeug zur Vermittlung von Werten und Ressourcen.
Manchmal durchleben wir schwierige Zeiten, und dann brauchen wir besonders Zärtlichkeit, Akzeptanz, Vergebung, Freude, Funkeln und funkelnde Augen! Das ist es, was ich mit meinen Illustrationen vermitteln möchte.
Heute freue ich mich, sie mit Ihnen teilen zu können, durch Diamantmalerei, Kreuzstich, das Pixel-Hobby Oraloa und Puzzles.
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Maud Lamoine

Maud Lamoine

Liebhaber der Künste seit meiner KindheitKindheit, Es war ganz natürlich, dass ich mich der Illustration zuwandte Kinderliteratur, um Jung und Alt auf den Spuren meiner Bleistiftspitzen auf eine Reise mitzunehmen. 

Sehr neugierig, unendlich verträumt, ein bisschen Glück...

Es hat mir Spaß gemacht, viele verschiedene Techniken zu lernen und zu üben, Aquarell, Pastell, Collage , Tusche, Fotografie ... und viele andere, die mir einen ziemlich weiten Horizont bieten. 
Ich kombiniere gerne mehrere Techniken, denn in Sachen Kunst, wie auch im Leben, gibt es keine größere Stärke als die Vielfalt.
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Melanie Oliveira

Melanie Oliveira

Melanie Oliveira, geboren 1997 im Herzen der Schweiz, hatte schon immer eine Leidenschaft für Kunst und Ausdruck. Schon in jungen Jahren fand sie ihre Stimme in den verschiedenen Kunstformen, denen sie begegnete. Ihre Reise in die Welt der Kreativität war sowohl faszinierend als auch einzigartig.

Melanies Liebe zur Kunst entwickelte sich während ihrer prägenden Jahre. Von ihren kunstbegeisterten Eltern ermutigt, kam sie mit verschiedenen Kunstformen in Berührung, darunter Malerei, Bildhauerei und digitale Kunst. Ihre Faszination für künstlerische Porträts unterschied sie jedoch von ihren Kollegen. Das Einfangen der komplizierten Details des menschlichen Gesichts und der Seele durch seine Kunst wurde zu seiner Leidenschaft und veranlasste ihn, sein Leben dieser Aufgabe zu widmen.
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Misstigri

Misstigri

Valérie Moigne alias Misstigri ist eine unabhängige Künstlerin mit Sitz in Nantes, wo sie auch eine kleine Boutique betreibt.
Nach einem Bachelor F12 in angewandter Kunst und einem BTS in Innenarchitektur wird sie einen langen Zyklus an der Beaux-Arts in Designoptionen fortsetzen . Obwohl sie sich mit Architektur beschäftigte, überwältigte sie ihre Leidenschaft für Bilder und bewog sie im Jahr 2000 dazu, sich als Grafikdesignerin selbstständig zu machen. Da diese Arbeit von den Zwängen der Kunden geleitet wurde, suchte sie einen Ausweg, indem sie mit der Malerei begann, und wird sie zur Welt bringen weibliche Charaktere, die zu ihrem Markenzeichen „Les Misstinguettes“ werden.


Heute lässt sie sich als Grafikdesignerin, Illustratorin und Malerin von der Malerei mit Einflüssen wie Klimt, Mucha, Shiele oder Pignon Ernest inspirieren. sowie in Comics über Bilal, Manara, Dautremer oder sogar in der Mode (Lacroix, Gaultier oder Miyaké,…) und im Zeichentrickfilm (Burton, Miyazaki,…).


Ihre Technik beginnt zunächst mit dem Entwicklung einer Skizze, die sie dann im Maßstab der Leinwand reproduziert. Wie eine Schullehrerin konstruiert sie mit Kreide die Hauptlinien der Zeichnung. Sie nimmt die Feinabstimmung vor, gleicht sie aus und radiert dann alles, was die Lesbarkeit beeinträchtigt, von der Rückseite ihrer Bluse... Die Basis ist vorhanden.
Die Haut, die Kleidung, die Haare, dann die groben Schatten in Acryl. Präzise Schatten, Volumen und sehr kräftige Pastellschatten. Ein kleiner Hauch von Präzision für die Endbearbeitungen Posca (Gouachemarker) und 3D-Farbe (Tulpe). Wenn die junge Dame, die zum Leben erwacht, es darum bittet, schmückt sie ihre Kleidung mit Federn, Spitze oder Bändern...


Sie hat heute große Berühmtheit erlangt und gilt als eigenständige Referenz viele...
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Monica Morisson

Monica Morrison

Monica Morrison, eine Illustratorin aus Manitoba, Kanada, wurde 1985 geboren. Monicas künstlerische Reise begann als Kind, wobei ihr künstlerisches Potenzial von Anfang an offensichtlich war. Die endlosen Stunden, die er mit Zeichnen und Malen verbrachte, gepaart mit einem angeborenen Talent und einem scharfen Blick fürs Detail, machten deutlich, dass seine Fähigkeiten weit über die Grenzen eines einfachen Hobbys hinausgehen würden.

Monicas Arbeit zeichnet sich durch ihr angeborenes Verständnis für die Dinge aus kindliche Staunen und ihre unheimliche Fähigkeit, komplexe Emotionen und Erzählungen durch einfache, aber fesselnde visuelle Elemente darzustellen. Ihre Designs werden oft als skurril, lebendig und voller spürbarer Energie beschrieben, die ein Gefühl der Verzauberung hervorrufen.
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Nadia Strelkina

Nadia Strelkina

Die Künstlerin Nadezhda Strelkina ist im Dorf Fedoskino in der Nähe von Moskau geboren und aufgewachsen. Strelkina war ihr Nachname, als sie heiratete, während sie in ihrer Jugend Burbysheva hieß. Die Familie Burbyshev schenkte Fedoskino mehrere Generationen berühmter Künstler. An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert besaß Nadeschdas Urgroßvater eine kleine Fabrik namens Burbyshevskaya Workshop, in der bemalte Lack-Schnupftabakdosen, silberne Zigarettenetuis, Tassen usw. hergestellt wurden. Die Revolution von 1917 machte privates Unternehmertum unmöglich und die „Burbyshevs-Werkstatt“ schloss ihre Türen. Die Dynastie von Sachar Timofejewitsch Burbyschew wurde jedoch von seinen Söhnen Semjon und Dmitri fortgeführt, die während der Sowjetzeit die führenden Künstler des Fedoskino-Artels waren. Nadezhda Strelkinas Vater, Viktor Semyonovich Burbyshev, gehörte zu den besten Künstlern der Miniaturfabrik Fedoskino und arbeitete dort mehr als 40 Jahre lang. Als Absolventin der Fedoskino-Schule für Miniaturmalerei führte Nadezhda auch die Künstlerdynastie fort.

Ihr Talent zur Malerei zeigte sich schon sehr früh. Sie betrachtet ihre Hauptmeister in der Kunst als die alten klassischen Meister. Inspiriert von ihnen, aber auch von russischen Märchen und spirituellen Legenden, schafft sie Bilder, die beim Betrachter freundliche und helle Gefühle wecken. Nadezhdas künstlerischer Stil ist einzigartig und macht ihre Werke sofort erkennbar. Ihre Schreibweise ist sehr zart und sie ist berühmt für ihre sanfte und zarte Darstellung von Gesichtern, als würden diese von innen heraus strahlen. Sie ist die Verkörperung des russischen Ideals weiblicher Schönheit. Die Werke von Nadezhda Strelkina werden im Fabrikmuseum Fedoskino und in vielen Privatsammlungen in Russland und im Ausland aufbewahrt. 1997 wurden Nadezhdas Werke in den USA unter Lizenz veröffentlicht und erfreuten sich sofort großer Beliebtheit. Das größte Souvenirunternehmen „The Bradford Exchange“ hat eine Reihe von Spieluhren, Porzellantellern, Christbaumschmuck usw. auf den Markt gebracht. mit dem Titel „Symphonie der Engel“. Für diese Serie erhielt Nadezhda den Kristallbecher „Neuer Name des Jahres“.

Seitdem arbeitet Nadezhda mit verschiedenen Unternehmen zusammen. Seine Werke sind auf verschiedenen Produkten (Postkarten, Kalender, Puzzles, Christbaumschmuck, Sammelteller, Spieluhren etc.) in praktisch jedem Land der Welt zu sehen. Dank der Möglichkeit, durch den Verkauf ihrer lizenzierten Bilder Geld zu verdienen, konnte Nadezhda die Originale ihrer Kunstwerke nicht verkaufen und konnte, nachdem sie eine große Sammlung angesammelt hatte, ihren alten Traum verwirklichen: ein eigenes Museum privat zu eröffnen Heimat der russischen Lackdosen, im berühmten Dorf Fedoskino. Die Sammlung des Museums umfasst mehr als 40 Lackminiaturwerke (Boxen, Schatullen, Wandtafeln), die Nadezhda in den letzten 20 Jahren geschaffen hat.
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Nancy Fournier

Nancy Fournier

WOHER ICH KOMME

Ich bin ein autodidaktischer Maler. Ich begann mit der Ölmalerei, indem ich verschiedene Techniken erkundete. Da ich nicht fand, wonach ich suchte, zeichnete ich zu meinem eigenen Vergnügen weiter und wandte mich über 20 Jahre lang dem Grafikdesign zu, wo ich verschiedene visuelle Stile erforschte. Hier kam mein Stil zum Vorschein. Diese Veränderung veranlasste mich, aufs Land zurückzukehren und meine Zeit meinem Familienleben zu widmen.

WAS INSPIRIERT MICH

Dieser andere Weg ermöglichte es mir, einen künstlerischen Ausdrucksstil zu finden, der meine farbenfrohe, spontane und sanfte Seite widerspiegelt. Inspiriert vom Tier- und Menschenreich male ich meine Motive gerne in einer Umgebung voller Bewegung und sehr farbenfroher Vegetation. Eine Umgebung, die Sie in Erstaunen versetzt und Sie in Träume entführt, durch das magische Universum, das entsteht. Ich möchte diesen Funken Magie berühren, der in jedem steckt.

WO FANGE ICH AN

Meine Arbeiten folgen diesen Produktionsschritten: Ich beginne mit der Erstellung einer automatischen Zeichnung, dann lasse ich mich von der Farbpalette inspirieren und schließe schließlich mit einer schwarzen Linie in Tusche ab.

KÜNSTLERISCHER STIL

Meine Kunst oszilliert zwischen Pop Art, psychedelischer und naiver Kunst. Meine Werke drücken Freude aus und erwecken uns durch ihre leuchtenden Farben, die in Volltonfarben mit Acrylfarbe aufgetragen werden, zum Raum der Leere. Ich glaube, dass die schwarzen Linien, die jede Form umgeben, eine Ablenkung für den Geist darstellen, was zu innerer Ruhe führt. Meiner Meinung nach repräsentieren die schwarzen Linien 0,001 %* unserer materiellen Realität, während die Volltonfarben den Raum darstellen. Wir glauben, dass wir vom Weltraum getrennt sind, obwohl die Trennung nur ein winziger Teil der Realität ist, wie wir sie verstehen.

FUNKTIONEN

Meine Werke zeichnen sich durch das Fehlen eines geraden Segments und das Vorhandensein kontinuierlicher Bewegung aus. Sie enthalten eine Vielzahl von Formen, von Kreisen, von denen viele konzentrisch sind, bis hin zu Herzen und Blumen, die sich zu verschiedenen mythischen Symbolen zusammenfügen.

* Laut Quantenphysik repräsentiert unsere materielle Realität nur 0,001 %, die 99,999 % sind der Raum des Quantenvakuums, also das Unbegrenzte.

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Naruokami

Naruokami

« Was können Sie über mich sagen ?

Ich wurde in Belgien geboren, wo ich noch lebe.

Meine Vorliebe für Kreativität und Zeichnen kommt von meiner Mutter, die mich schon in jungen Jahren mit verschiedenen kreativen Hobbys und dem Lesen bekannt gemacht hat.

Sobald ich mit dem Zeichnen begonnen habe, habe ich nicht mehr damit aufgehört. Ich habe auf alles und jedes gekritzelt, sogar auf meine Kursunterlagen.

Meine Einflüsse sind vielfältig: Comics und noch ein bisschen mehr die Welt der Mangas, Videospiele, Kino und Serien und natürlich meine Lektüre. Ich interessiere mich leidenschaftlich für Geschichten, Mythen und Legenden, die eine unerschöpfliche Quelle meiner Fantasie sind.

Was mein Studium angeht, begann ich mit einem Jahr Zeichnen, bevor ich es mit digitalen Künsten fortsetzte, die ich abschloss.

Aber später habe ich mich wieder auf Illustrationen und Comics konzentriert, wo ich mir besser vorstellen, mich ausdrücken und mich wie ich selbst fühlen kann.

Obwohl ich meine Illustrationen meistens am Computer koloriere, bleibe ich bei meiner Arbeit ein bedingungsloser Benutzer des Papierformats für meine Skizzen und versuche mich manchmal auch im Aquarell.

Ich weiß nicht, was ich sonst noch sagen soll, ich hoffe, dass meine Arbeit Sie berührt und Ihnen Freude bereitet.

Ich danke Oraloa für die neuen Erfahrungen und Abenteuer, die mir diese Zusammenarbeit bietet.

Bis bald,

Naruokami »

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Natasha Wescoat

Natasha Westcoat

Kunst ist das Erbe von Natasha Wescoat, die aus Michigan stammt und aus einer Künstlerfamilie stammt, zu der auch die Malerin Georgia O'Keefe gehört. Natasha begann 2004, nach der Geburt ihres zweiten Kindes, hauptberuflich mit Acrylfarben zu malen. Seit Beginn ihrer Karriere hat sie mehr als 1.000 Originalwerke an private und professionelle Sammlungen auf der ganzen Welt verkauft. Seine Arbeiten wurden in der Show Extreme Makeover: Home Edition und der Hit-Sitcom „The Middle“ sowie in Hollywood-Filmen wie „Marley & Me“ gezeigt.

Seine Arbeiten wurden im Kunstunterricht gezeigt Die Welt, von der Vorschule bis zum College, und seine Karrieregeschichte wurde im New York Times- und Wall Street Journal-Bestseller „Crush It“, im The Magazine Professional Artist und in der Michigan-Dokumentation „One Person, One Idea“ der WCMU vorgestellt.

Natasha trat auch als Rednerin/Künstlerin bei nationalen Veranstaltungen wie SXSW Interactive, TEDxDetroit und Thriving Artist Summit auf. Natasha stellt ihre Arbeiten regelmäßig in Galerien im ganzen Land und auf der ganzen Welt aus, von prestigeträchtigen Veranstaltungsorten wie dem Ritz-Carlton bis hin zu beliebten Galerien an der Westküste wie Thinkspace und der 111 Minna Gallery. Ihre Arbeiten sind für Haushaltswaren und Sammlerstücke lizenziert und in Geschäften wie Macy's, Nordstrom, Target, Bed Bath & Beyond und anderen erhältlich. Natasha ist in all ihren kreativen Unternehmungen ehrgeizig, da sie auch die Gründerin der Art Career Academy und Autorin ihres ersten Kinderbuchs „Charlotte Lively und die nicht so böse Hexe“ ist.

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Natasha Wescoat

Nathalia Britto Narducci

Nathalia ist eine brasilianische Künstlerin, die in Brasilia geboren wurde und in einer Künstlerfamilie aufwuchs. Sie wuchs mit Bewunderung für die Kunst ihrer Mutter auf, die Malerin und Bildhauerin war, und begann schon in jungen Jahren mit dem Zeichnen und Malen.

Nach dem Abitur beschloss Nathalia, ihrer Leidenschaft für die Kunst nachzugehen und studierte an der Universität Illustration. Sie verfeinerte ihre Fähigkeiten im Zeichnen, Aquarellieren und Malen und entwickelte einen einzigartigen Stil.

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Nicky Boehme

Nicky Boehme

Der gebürtige Kalifornier Nicky Boehme wusste schon immer, dass die Malerei seine Berufung sein würde. Sie zeichnet und malt seit ihrer Kindheit. Nicky erhielt eine technische Kunstausbildung am Oakland Art Institute in Kalifornien und wurde später Art Director für mehrere nationale Werbeagenturen. In dieser Zeit erhielt sie als Illustratorin und Grafikdesignerin zahlreiche Auszeichnungen für ihre Kunstwerke, Drucke und Plakate. Ihre jahrelange Erfahrung als Malerin ermöglichte es ihr, sich Kenntnisse über dramatische Beleuchtung anzueignen und den Betrachter in eine bestimmte Situation zu versetzen Platz durch seine Kunstwerke, Drucke und Poster. Durch das geistige Auge führen Nickys Boehme-Gemälde Sie zu einem romantischen Abenteuer, sei es ein kleiner, abgelegener Hafen oder ein erfrischender Gebirgsbach.
Als Mitglied der American Society of Marine Artists nahm Nicky Boehme am 8. teil Nationale Ausstellung, gesponsert vom Mariner's Museum in Newport News, Virginia. Seine Kunstwerke, Drucke und Plakate befinden sich in zahlreichen Privat- und Unternehmenssammlungen im ganzen Land.
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Nini Coloring

Nini Coloring

Hallo, darf ich mich vorstellen, Amandine, mein Spitzname Nini, ich bin 33 Jahre alt, Mutter von zwei Kindern. Ich lebe im Süden Frankreichs.
Ich beschäftige mich seit 5 Jahren leidenschaftlich mit der Kunsttherapie. Ich male gerne Illustrationen, sei es mit Buntstiften oder Wasserfarben. Ich zeichne auch gerne, ich habe 2021 angefangen und mehrere Malbücher erstellt.
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Olga

Olga

Geboren 1966 in Leningrad. Olga Suworowa ist die Tochter des Verdienten Künstlers der RSFSR Igor Suworow. Sie ist die Vertreterin der Suworow-Künstlerdynastie, zu der alle drei Generationen von St. Petersburger Künstlern gehören: Olgas Vater Igor Suworow, Natalia und Olgas Tochter Ekaterina.

1998 schloss Olga Suvorova ihr Studium an der St. Petersburger Kunstakademie, benannt nach Ilja Repin, und der Werkstatt von A. ab. Mylnikov.

Olga Suvorova schuf ihren eigenen Malstil – kostümierte historische Porträts von Figuren im Stil verschiedener Epochen, wie der Renaissance und des Rokoko. Seine Arbeit erinnert an die populäre Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts in St. Petersburg, „Mir Iskusstva“ („Die Welt der Künste“), die von der Kunst und Kultur des 18. Jahrhunderts inspiriert war.


Der Künstler nimmt ständig an Ausstellungen in Russland und im Ausland teil. Seine Werke befinden sich in Privatsammlungen in England, Amerika, Deutschland, China, Russland und anderen Ländern.

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Oraloa Design

Oraloa Design

Oraloa Design bringt eine Auswahl von Künstlern auf der ganzen Welt zusammen, die Exklusivstücke für Oraloa anbieten.
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Richard Cameron Morneau

Richard Cameron Morneau

Richard Cameron Morneau stammt ursprünglich aus Lac Beauport, Quebec und ist im Herzen ein Künstler. Seit seiner frühen Kindheit hat dieser Künstler in verschiedenen Formen geschaffen (Zeichnung, Malerei, Skulptur usw.). Heute ist Richard Zirkusartist, Luftakrobat, Schauspieler, Maskenbildner, Entertainer, Illustrator und mehr und bringt das Publikum mit allen Mitteln in seine Traumwelt. Seit mehr als 20 Jahren fügt dieser Künstler seinem Bogen Saiten hinzu, um seiner Fantasie völlige Tiefe zu verleihen. Der Peter Pan in ihm möchte Sie unabhängig von Ihrem Alter in sein eigenes imaginäres Land entführen und ermutigt Sie vor allem zum Träumen, um das Herz Ihres Kindes zu behalten.
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Rosalyna

Rosalyna

Rosalyna ist eine mexikanische Künstlerin, die sich auf Illustration spezialisiert hat. Sie wurde 1985 in Mexiko-Stadt geboren und wuchs umgeben von mexikanischer Kunst und Kultur auf. Sie studierte Illustration an der Nationalen Autonomen Universität von Mexiko, wo sie ihre Leidenschaft für traditionelle Techniken wie Aquarell, aber auch für digitale Kunst entdeckte.

Nach ihrem Abschluss begann Maria Fernanda ihre Karriere als Illustratorin für Zeitschriften und Kinderbücher. Ihr Lieblingsmedium ist Aquarell, mit dem sie farbenfrohe und lebendige Illustrationen erstellt, die ihre Heimatkultur widerspiegeln.

Im Laufe der Jahre hat Rosalyna ihren eigenen unverwechselbaren Stil entwickelt, der sich durch ausdrucksstarke Charaktere und detailreiche Schauplätze auszeichnet. Seine Illustrationen wurden für Bücher, Zeitschriften, Poster und Illustrationen für Kinder verwendet.

Derzeit arbeitet Rosalyna weiterhin als Illustratorin und Künstlerin und gilt als eine der talentiertesten Künstlerinnen ihrer Generation in Lateinamerika. Sie inspiriert junge Illustratoren mit ihrer Leidenschaft für die mexikanische Kultur, ihrer virtuosen Technik und ihrer Fähigkeit, durch ihre Werke Geschichten zu erzählen.

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Santhya Shenbagam Radhakrishnan

Santhya Shenbagam Radhakrishnan

Santhya Shenbagam Radhakrishnan ist eine autodidaktische Illustratorin, die in einem kleinen Dorf in Tamilnadu, Indien, geboren und aufgewachsen ist. Santhya zeichnet seit ihrer Kindheit auf jedem Papier und jedem Medium, das sie finden kann. Trotz dieser engen Verbindung zur Kunst verfolgte Santhya zunächst sechs Jahre lang eine Karriere als Ingenieur. Während sie ihrer Tochter Kinderbücher vorlas, verliebte sie sich in die Illustrationen dieser Geschichten und entdeckte ihre Vorliebe für Kunst wieder. Sie liebt die Freiheit, sich auszudrücken und durch Kunst Welten zu erschaffen. Santhya geht ihrer Leidenschaft für Illustration unermüdlich nach und arbeitet seit vier Jahren an der Illustration und Gestaltung von Kinderbüchern. Sie genießt es, in ihrer Arbeit neue Techniken zu erlernen und zu erforschen, und verwendet eine Mischung aus traditionellen und digitalen Medien. Santhya lebt derzeit mit ihrem Mann, ihrer Tochter und ihrem entzückenden Hund Brownie in Großbritannien.
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Sarah Bibang

Sarah Bibang

Sarah stammt ursprünglich aus Benin und ist eine unabhängige Künstlerin, die gerne mit verschiedenen künstlerischen Stilen experimentiert. Entdecken Sie sein magisches und farbenfrohes Universum

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Sheena Pike

Sheena Pike

Die kanadische Künstlerin Sheena Pike schafft einzigartige und farbenfrohe Bilder, die
von vielen verschiedenen Themen inspiriert sind. Fesselt sein Publikum mit komplizierten Details
komplizierte Details, die alles von saisonalen Mustern und der Natur bis hin zu Tieren und fantastischen Kreaturen wie seinen Babydrachen erforschen.
Fantasiewesen wie seine Babydrachen. Sheenas Lil Dragonz werden schnell zu den Lieblingen der Fans von Kreuzstich- und Diamantmalerei-Kunden.

Sie arbeitet sowohl mit traditionellen als auch mit digitalen Medien. Sie verwendet bei ihrer Arbeit keine KI und hofft, dass ihre Kunden und Fans von Menschen geschaffene Kunstwerke unterstützen. „Mainstream-Künstler brauchen und schätzen diese Unterstützung in der KI-Welt, in der wir leben, mehr denn je.“ Sie ist schon in jungen Jahren von Farben fasziniert und zeigt deren Schönheit, indem sie die herrliche Farbpalette, die unser Spektrum zu bieten hat, voll ausnutzt. Ihr Umgang mit Farben ist ihre Stärke.

Sheena wurde in der Winterausgabe 2015 im Color Pencil Magazine Student Digest vorgestellt und wurde 2016 wieder in das Magazin eingeladen, um ihre Mischtechniken zu besprechen. Sheena wurde auch in anderen Publikationen vorgestellt und über ihren Prozess der Erstellung von Fantasiebildern und ihre einzigartige Vorstellungskraft interviewt.

Sie wurde auch von Produkthändlern wie PanPastel zu ihren Techniken und Prozessen interviewt. Als umsatzstärkste Künstlerin auf dem Markt für Kreuzstich- und Diamantmalerei ist Sheena auf der ganzen Welt bekannt geworden. Sie ist kürzlich in den Puzzle-Markt vorgedrungen und hofft, in naher Zukunft viele weitere Produkte anbieten zu können.

Sheena hofft, weiterhin zu fesseln und wunderschöne Bilder zu schaffen, die ihren Weg in die Fantasie und die Häuser von Menschen finden viele Leute. „Strebe niemals danach, gewöhnlich zu sein“

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Simon Treadwell

Simon Treadwell

Simon Treadwell wurde 1961 geboren und widmet sich seit seiner frühen Kindheit dem Zeichnen und Malen. Im Alter von vierzehn Jahren beschloss er, Künstler zu werden, nachdem er im Guggenheim Museum einige Werke von Max Ernst entdeckt hatte. Nach dem Abitur spezialisierte er sich auf klassische Studien am Europäischen Institut für Design in Mailand und begann dann als Art Director in mehreren Werbeagenturen zu arbeiten. Als unabhängiger Illustrator entwickelte er sich zu einem Spezialisten für Hyperrealismus und verwendete Mischtechniken: Airbrush, Ölfarben, Acryl und Aquarelle. Wenig später begann er, mit seinem Mac, der ihm schon immer ein treuer Freund war, digitale Kunstwerke zu schaffen. Nachdem Simon viele Jahre als Illustrator in der Werbe- und Verlagsbranche gearbeitet hat, widmet er sich seit kurzem der Entwicklung großartiger Kunstwerke speziell für Weihnachtsprodukte. Simon erforscht ständig seine Kunst und entdeckt neue Ideen und Techniken, um die Wunder des Weihnachtsmanns und seiner magischen Welt am besten zu veranschaulichen. Derzeit lebt und arbeitet er in der wunderschönen Stadt Toskana
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Sofia Miller Salazar

Sofia Miller Salazar

Sofía wurde 1998 in Mexiko-Stadt geboren. Kunst war schon immer ihre größte Leidenschaft im Leben. Da ihre gesamte Familie irgendeine Kunstform ausübt, von der Bildhauerei bis zur Malerei, ist es kein Wunder, dass Sofia sich für eine Karriere als Illustratorin entschieden hat. Ihre Mutter legte immer Wert auf Selbstdarstellung und es gab keinen einzigen Moment in ihrer Kindheit, in dem sie nicht kreativ sein konnte. Sofia studierte digitale Animation am SAE Institute, wo sie die digitale Kunst entdeckte und seitdem nicht mehr zurückblickt. Sie glaubt, dass sie als Kind immer von der Welt fasziniert war, was sich heute in skurrilen und farbenfrohen Stücken mit vielfältigen und magischen Charakteren widerspiegelt. In ihrer Freizeit reist Sofia gerne und verbringt Zeit im Freien.
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Sofia Miller Salazar

Sofia Miller Salazar

Sofía wurde 1998 in Mexiko-Stadt geboren. Kunst war schon immer ihre größte Leidenschaft. Da ihre gesamte Familie irgendeine Kunstform ausübt, von der Bildhauerei bis zur Malerei, ist es kein Wunder, dass Sofia sich für eine Karriere als Illustratorin entschieden hat. Ihre Mutter bevorzugte immer den persönlichen Ausdruck, so sehr, dass es in ihrer Kindheit keinen einzigen Moment gab, in dem sie nicht kreativ sein konnte. Sofia studierte digitale Animation am SAE Institute, wo sie die digitale Kunst entdeckte und seitdem nicht mehr zurückblickt. Sie glaubt, dass sie schon immer ein kindliches Wunder für die Welt hatte, was sich heute in skurrilen, farbenfrohen Werken mit vielfältigen und magischen Charakteren niederschlägt. In ihrer Freizeit reist Sofia gerne und verbringt Zeit im Freien.
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Steve Crisp

Steve Crisp

Seit über 40 Jahren produziert Steve Crisp Kunstwerke und Illustrationen. Seine Blütezeit erlebte es in der Ära des „Athena-Plakats“. Er hat für alle großen Verlage gearbeitet und ist wahrscheinlich vor allem für die Cover von Stephen Kings Büchern und die Plakate für Filme wie „Aliens 2“ und „Mad Max“ bekannt.

Die Auswahl an Kunstwerken, die für Yolk erhältlich sind, ist vielfältig Steve hat sich auf die Erstellung einzigartiger PopArt-Bilder konzentriert, die in limitierten Auflagen und Kunstdrucken erhältlich sind. Im Jahr 2017 wurde Steve als einer der führenden einflussreichen Künstler der Horror- und Fantasy-Kunstbranche anerkannt.
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Steve Read

Steve Read

Steve ist in Cornwall aufgewachsen und die Küste war für ihn schon immer eine große Einfluss- und Inspirationsquelle. Er hatte das Glück, den kornischen Maler John Piper als Kunstlehrer an der Schule zu haben, und durch ihn erhielt er 1987 einen Platz an der Falmouth Art School. Anschließend war er über zehn Jahre in der Werbe- und Designbranche tätig , arbeitete in London und Amsterdam, bevor er 2003 an die Küste nach Dorset zurückkehrte.

Als Künstler interessiert sich Steve immer wieder für Küstenlandschaften und Meeresszenen, und seine Gemälde vermitteln oft ein Gefühl der Vorfreude darauf den Tag am Strand verbringen.

Steves Arbeit wurde stark von Reiseplakaten der 1920er und 1930er Jahre beeinflusst, bei denen Details auf ein Minimum beschränkt sind und flache Farbflächen und starke Formen verwendet werden, die durch Licht und Schatten erzeugt werden .

A Ein weiterer Motivator für seine Kunst ist die Farbe – er wählt eine begrenzte Palette entsättigter, erdiger Farbtöne.
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Tschandria

Tschandria

Hallo, mein Name ist Tschandria!

Ich bin einerseits Künstlerin und andererseits LKW-Fahrerin. Ich lebe gewissermaßen in zwei unterschiedlichen „Welten“, aber ich brauche diesen Kontrast zwischen roher Arbeit und filigraner Arbeit. Es inspiriert mich!
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Vayounette

Vayounette

Wer bin ich ?
Vayounette mit Pinsel, mit Leidenschaft fürs Zeichnen. So lange ich mich erinnern kann, habe ich immer gezeichnet (Bleistifte, Aquarelle usw.). Ich stelle mir gerne fabelhafte Welten voller Magie und Wunder vor. Konzentrieren Sie sich auf Details, die meinen Illustrationen eine kleine magische Note verleihen und Kinderaugen zum Strahlen bringen.

Warum sich an die Jugend wenden ?
Weil ich habe meine kindliche Seele bewahrt. Ich liebe es, ein Lächeln auf den Gesichtern von Kindern und Erwachsenen zu sehen, die meine Illustrationen entdecken. Ich möchte, dass sich jeder durch meine Zeichnungen wiedererkennen kann, dass jeder Erwachsene das Kind in sich findet. Diese kleine Welt ist ein Teil von mir und ich hoffe, sie wird dich berühren.

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Vicky Mitchell

Vicky Mitchell

Vicky ist eine amerikanische Künstlerin, die sich auf digitale Kunst spezialisiert hat. In diesen Kreationen stellt sie die Träume dar, die sie im Kopf hat, und teilt diese gerne mit ihrem Publikum. Betreten Sie mit Vicky eine Welt voller Träume und Zauber.
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Willow Rivers

Willow Rivers

Willow Rivers ist eine introspektive nicht-binäre Künstlerin aus den Vereinigten Staaten. Ihre Kunst spiegelt Einflüsse aus LGBTQ+-Empowerment, Natur, Träumen, persönlichem Ausdruck, leuchtenden Farben, Comics und verschiedenen kulturellen Inspirationen wider. Willows unverwechselbarer Stil zeichnet sich durch weibliche Figuren mit buntem, wallendem Haar aus, in das symbolische Elemente wie Blumen und Schmetterlinge eingewebt sind. Ihre Kunst reicht von detailliertem Realismus bis hin zu dynamischen, von Comics inspirierten Strichen und lädt den Betrachter ein, einen Raum der stillen Besinnung zu betreten. Mit einer ruhigen und kontemplativen Essenz zelebriert Willow die Individualität und fördert die Einheit innerhalb der LGBTQ+-Community. Mit ihren fesselnden Kreationen laden sie andere dazu ein, Trost und Inspiration zu finden und ihre künstlerische Reise mit einem unaufdringlichen und introspektiven Charme zu teilen.
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Yaakov Abergel

Yaakov Abergel

Geboren in Frankreich in Toulouse, der rosa Stadt, als Tochter von Hananiah Abergel und Esther Malka (geb. Berdah). Zweites von drei Kindern.

Bis zu seiner Jugend lebte er auf dem Land in St. Ferréol. Etwa im Alter von 12 Jahren ließ ihn seine Mutter Geigenunterricht nehmen, dem er zwei Jahre lang folgte, aber er beschloss, mit der Musik aufzuhören und sich dem Zeichnen und Malen zu widmen. Sein Vater, ein Möbel- und Antiquitätenhändler, hat eine Leidenschaft für Kunst und ermutigt ihn, seine Vorliebe für das Zeichnen zu entwickeln. Im Alter von 12 Jahren schenkte er ihr eine Staffelei. Diese zwischen ihnen entstandene Beziehung zwischen einem Bewunderer von Malern und einem angehenden Maler, der Rat und Wissen brauchte, hielt ihr ganzes Leben lang an.


Im Alter von 14 Jahren zog er nach der Scheidung seiner Eltern zu seiner Mutter und seinen beiden Schwestern nach Toulouse. In dieser Zeit entdeckte er B.D, dem er sich bis zu seinem 22. Lebensjahr weiterhin widmete. Während der Jahre in Toulouse suchte er viel nach sich selbst und begann sich neben seiner Leidenschaft für Fotografie und Kino auch für die Malerei zu interessieren. Nachdem er ein wissenschaftliches Studium begonnen hatte, erlangte er schließlich ein künstlerisches Abitur, das ihn dazu veranlasste, sich an der Fakultät für Architektur einzuschreiben, an der er zwei Jahre lang studierte. Bevor er seine Prüfungen für den Eintritt in das dritte Jahr ablegte, beschloss er, das Studium abzubrechen und an der B-Schule der St. Luc-Schule in Brüssel zu studieren.D Er wird dort zwei Jahre lang studieren. In dieser Zeit entdeckte er zeitgenössische Kunst und zeitgenössische Künstler und beschloss, B. zu stoppen.D, sich auch der zeitgenössischen Kunst zu widmen.


Er zog nach Italien, nach Florenz, um sich an einer Malschule einzuschreiben. Als er sich anmeldete, machte ihn der Schulleiter, als er seine Arbeit sah, darauf aufmerksam, dass er seine Zeit mit dem Studium verschwenden würde und dass es an der Zeit sei, ins Leben zu starten. Er wird auf ihren Rat hören und eine einsame Reise beginnen. Nach einem Jahr in Florenz verließ er das „Dolce Vita“ und kehrte nach Toulouse zurück, wo er am Beaux-Arts-Wettbewerb teilnahm, den er bestand. Er blieb jedoch nur ein paar Monate an der Beaux-Arts, die er schließlich verließ, um sich ganz der Malerei zu widmen . Während seines kurzen Aufenthalts im Beaux-Art de Toulouse lernte er Annie Merle kennen, die sein Werk sah und ihn unter den Künstlern auswählte, denen sie ein Werk widmete, das sie mit dem Titel „Die Maler der Schule von Toulouse“ veröffentlichte.

Bis zu seinem 27. Lebensjahr hörte er nie auf, sich mit Malerei und Zeichnung zu beschäftigen, ohne es jemals zu schaffen, sich in ein künstlerisches Umfeld zu integrieren, sei es in der Welt der Galerien oder in der Welt der Maler. Obwohl er seine Werke nicht ausstellen konnte, setzte er seine Forschungen fort. Er ist 27 Jahre alt und beschließt, seinen Lebensunterhalt wirklich zu verdienen. Seine Eltern, die im Möbelverkauf arbeiteten, halfen ihm, Verkäufer zu werden. Er arbeitete zunächst im Laden seines Vaters, dann nahm ihn seine Mutter mit, um ihm das Handwerk beizubringen. Nach einem schwierigen Anfang erlangte er eine gute Grundlage, die es ihm ermöglichte, allein in einem Geschäft in Paris zu leben und zu arbeiten. Er wird dort 3 Jahre lang arbeiten. Während dieser Zeit zeichnete er weiter, hauptsächlich auf den für den Verkauf verwendeten Blöcken. In seinen freien Tagen malte er einige Gemälde und fertigte zahlreiche Zeichnungen der Straßen von Paris an.


Seine ältere Schwester, die damals Nonne geworden war, schickte ihm Bücher über den tieferen Teil der Thora, den Chabad-Chassidismus und den Lubawitscher Rebbe.

In den Ferien unternahm er einen Ausflug nach Tahiti und Bora Bora. Diese Reise wird für sein Leben von entscheidender Bedeutung sein, denn sie wird seine Lust am Malen und Schaffen erneut wecken, so dass er nach dieser Reise beschließt, seinen Job als Verkäufer aufzugeben, um sich der Malerei zu widmen.  Anschließend reist er nach Montreal in Kanada, um seine jüngere Schwester zu besuchen, die dort seit einiger Zeit lebt. Dort trifft er Haim Sherff. Dieser israelische religiöse Maler, der in Montreal lebt, machte ihm bewusst, wie wichtig es ist, an seinen Wurzeln festzuhalten, und empfahl ihm, durch das Studium der Thora religiöser zu werden. Tatsächlich kann die Kunst seiner Meinung nach nicht vom göttlichen Geist getrennt werden, der in der Thora zum Ausdruck kommt.  Jaakow versteht diese Empfehlungen und beginnt parallel zu seiner Arbeit als Künstler eine religiöse Reise unter dem Einfluss des Meisters des Chabad-Chassidismus: des Lubawitscher Rebbe.


Seine neuen Gewohnheiten führen ihn natürlich dazu, jeden Morgen in der Synagoge in der Rue Pallaprat zu beten, wo auch der große Rabbi Eliahou Haik betet, und am Schabbat in der Synagoge der Chalia'h des Rebbe in Toulouse : Rav Yossef-Itz'hak Matusof, der ihn als erster mit dem Rebben und der chassidischen Welt bekannt machte. In dieser Zeit entdeckte er zusammen mit Rav Gabriel Sebagh das Buch Tanya. Er studierte auch Chabad Chassidut bei Rav Israel Zerdoun.

Er kehrt zurück, um in Toulouse zu leben. Ihre Mutter lernt Dany Simon kennen, der eine Kunstgalerie besitzt und ihre erste Ausstellung organisiert, die von der religiösen Welt inspirierte Werke vereint.

Zu dieser Zeit lernte er Liba durch David und Edith Hagège kennen, Freunde seiner älteren Schwester, die er am 22. Juni 1997 in Lyon heiratete. Ein Jahr nach ihrer Heirat beschloss das Paar, sich Yaakovs Schwester und ihrem Ehemann Samuel Marquès anzuschließen, die seit einem Jahr in Israel lebten und sich in Jerusalem niederließen.

Er verbringt immer weniger Zeit mit Malen und Zeichnen, weil er sich dem Studium der Thora widmet, zunächst an der Jeschiwa von Rav 'Haï Barkats, dann und insbesondere am Kollel von Rav Shimon Elituv unter der Leitung von Rav Avraham Kot. Er verbrachte vier Jahre am Kollel und erhielt die Rabbinerordination von Rav Itz’hak Yéhudah Yéroslavski.  In dieser Zeit traf er eine entscheidende Person in seinem Leben, Rav Ytz'hak-Tsvi Eizenbakh, mit dem er viele Jahre lang Chassidut und insbesondere das Buch Tanya studierte. Er besuchte zahlreiche Chassidut-Kurse, darunter Kurse von Rav Aaron-Morde’hi Zilberstraum, Rav Shmuel Weinfeld, Rav Shnéor-Zalman Gopin, Rav Avraham-Baroukh Pevzner und Rav Moshe Weiner. Besonders verbunden ist er mit Rav Yossef-Itshak Offen, dessen Unterricht er bis heute besucht.

Sein künstlerischer Geschmack führte ihn natürlich dazu, Sofrout in Bneï Brak bei Rav Gerschtenkorn zu studieren, der ihm von Rav Moshe Landau empfohlen wurde. Er erhielt den Smicha von Sofer von Rav Yéroslavski, der es ihm ermöglichte, den Beruf des Sofer bis heute auszuüben, indem er den Ktav von Admur Hazaken schrieb.

Außerdem erhält er auch eine Smi'ha von Cho'heth von Rav Shimon Elitouv, aber abgesehen von der Kapparoth, die er mit seinem Freund vom Kollel Rav Yaakov Cho'hat macht, wird er diesen Beruf nicht ausüben.

Im Jahr 2000 wurde seine Tochter „Haya-Mouchka“ am Purim Katan in Jerusalem geboren.

Er veränderte Kollel und begann, Dayanuth bei Kollel „Ariel“ und bis heute bei Rav Moshe Pinder zu studieren. Er widmete sich immer mehr der Malerei und malte zahlreiche Porträts der Meister von Chabad. Sein Schaffen wurde immer vielfältiger und er begann eine Serie von Meereslandschaften auf Holzpaletten. 

Parallel zu seinem Studium und seiner künstlerischen Arbeit widmet er viel Zeit dem Schreiben von Werken, die auf den Lehren der Meister von Chabad und des Rebbe und insbesondere auf dem Wesen der Seele basieren. Dieses Thema wird ihn nie verlassen. Er veröffentlichte somit 3 Bücher. 

Im Jahr 2009 wurden seine beiden Söhne am Lag Ba Omer geboren. 

Er schreibt weiterhin einen vor einigen Jahren begonnenen Roman, der Reiseerinnerungen (insbesondere die Reise nach Bora Bora) und Reflexionen über Teschuwa vereint. Sein Werk trägt den Titel „Farben in den Adern“ und offenbart seine Leidenschaft für die Kunst.

Seine Schwester organisiert eine Ausstellung seiner Gemälde in Raanana in der Galerie „Merkaz Giron“. Ihm wird die Gelegenheit gegeben, in großen Gemälden einen kleinen Überblick über sein Gesamtwerk zu geben, das im Wesentlichen auf der chassidischen Welt basiert.

Anschließend traf er Yaakov Benhaim und Moché Krieger von der Zeitschrift Météor LeMag, die diesem Anlass ein Video widmeten. Dieses Treffen markiert den Beginn einer Zusammenarbeit, die in der Produktion von Tora- und Chassidut-Kursvideos münden wird.

Die Verbreitung der Chassidut-Quellen steht im Mittelpunkt seiner Anliegen und während er sein Studium fortsetzt, gibt er zahlreiche Kurse zu diesem Thema. Seine künstlerische Tätigkeit intensivierte sich und zu seinen Gemälden kamen unzählige Zeichnungen hinzu.

Sein Freund Nissim Belma brachte ihn mit seinem Bruder Elie in Kontakt, mit dem er eine Website entwarf, deren Ziel es war, sein künstlerisches Werk bekannt zu machen und die Quellen des Chassidout nach außen zu verbreiten.

Seit seiner Ausstellung in Raanana hat er sich angewöhnt, Auszüge aus den chassidischen Reden des Lubawitscher Rebben auf seine Leinwände zu schreiben. Durch die Mischung von Worten und Bildern scheint der Maler endlich seine Liebe zur Malerei und zum Schreiben zum Ausdruck bringen zu können, die er auf seinen Leinwänden vereint.

„Sie wissen zweifellos, dass die Qualität eines Malers darin besteht, den äußeren Aspekt eines Objekts zu verdecken, seine Konturen zu vergessen, ihn zu durchdringen, seinen tiefen Aspekt und sein Wesen zu erfassen, um ihn dadurch auszudrücken.“ seine Leinwand. So wird jeder, der es betrachtet, etwas wahrnehmen, was ihm zuvor nicht aufgefallen war, als der Innenteil durch Zubehörelemente verdeckt war.”

Rabbiner von Lubawitsch
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Zorina Baldescu

Zorina Baldescu

Zorina Baldescu, rumänische Künstlerin, arbeitet seit mehreren Jahren als Illustratorin von Kinderbüchern. Sie ist auf die Erstellung von Märchenbildern mit Meerjungfrauen, Prinzessinnen, Feen, Einhörnern und mehr spezialisiert. Zorinas Bilder wurden weltweit in Lizenz für Puzzles und Schreibwaren verwendet. Ihre Bilder sind perfekt für alle Arten von jungen Mädchen.
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Fanny Offre

Fanny Offre

Fanny Offre est infographiste, illustratrice et auteur de plusieurs albums jeunesse. Elle produit aussi cartes, peinture sur toile, peinture sur tissu, bijoux, ...
Elle se présente sur son site : ""Les pieds sur Terre, la tête dans les nuages et un crayon dans la main.
Diplômée en infographie depuis 2015, je suis avant tout autodidacte et touche à tout.
Je m'amuse avec les techniques : crayons, peinture, encre, aquarelle et numérique. J'utilise souvent les matières pour créer des univers différents, aussi bien sombres que colorés.
...après les illustrations qui racontent des histoires, les histoires qui recherchent des illustrations...
C'est tout naturellement et comme une évidence que je me tourne vers la littérature jeunesse que j'affectionne depuis très longtemps.

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Finbar Coyle

Finbar Coyle

Finbar Coyle ist ein Illustrator und Charakterdesigner von der Ostküste Irlands. Seine frühe Liebe zur Kunst führte ihn zu einem Studium der Animation an der National Film School of Ireland, das er 2007 mit einem Diplom abschloss.

Seit seinem Abschluss hat er als Charakterdesigner für führende Animationsstudios an mehreren Kinderfernsehserien gearbeitet. Seine Liebe zu Animation und visueller Entwicklung wurde von künstlerischen Vorbildern wie Cory Loftis, Max Ulichney und Annette Marnat beeinflusst. Sein Hintergrund im Charakterdesign zeigt sich in seinem Illustrationsstil; starke, auf die Geschichte ausgerichtete Charaktere und lebendige Illustrationskonzepte sind seine Hauptspezialität. Im Jahr 2020 wandte sich Finbar der freiberuflichen Arbeit zu und zog nach Deutschland, um dort als Designer und Illustrator zu arbeiten.

Finbar arbeitet jetzt von seinem Heimstudio in Köln aus. Wenn er nicht gerade illustriert und designt, lernt er fleißig Deutsch und macht lange Spaziergänge in seinem örtlichen Park, um Inspiration für sein nächstes Design oder seine nächste Illustration zu finden.

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Liv Wan

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Schim Schimmel

Schim Schimmel

Schneeleoparden, weiße Tiger, Elefanten und Löwen; die Erde, der Mond, Galaxien und Nebel – das sind die Themen, die von einer Schimmel-Leinwand springen und die Herzen derer erobern, die seine Werke sehen. Seit über zwanzig Jahren malt Schim Schimmel in einem Stil, der einzigartig ist und auf Leinwand seine Liebe und Ehrfurcht für diesen unglaublichen Planeten, seine Tiere und das Universum, das sie erschaffen hat, zum Ausdruck bringt.

Schim Schimmel studierte Kunst bei seinem Vater, William Schimmel, einem bekannten Aquarellmaler und Kunstlehrer. Schim unterrichtete anschließend Aquarell-, Öl- und Acryl-Landschaftsmalerei für Tausende von Schülern über mehr als ein Jahrzehnt. Im Jahr 1987 gab er das Unterrichten auf, um sich voll und ganz der Entwicklung seines Kunststils zu widmen, einem Stil, für den er heute weltweit bekannt ist.

1991 wurden Schimmels Werke auf der Tokyo Art Expo in Japan ausgestellt. Seine Arbeiten wurden sofort von den Japanern geschätzt, und ein Jahr später wurde er von Shogakukan, einem der größten Buchverlage Japans, gebeten, ein Kinderbuch mit seinen Werken zu schreiben. Seitdem hat Schimmel sechs weitere Bücher produziert und ist über 50 Mal nach Japan gereist, wo er an Hunderten von Kunstausstellungen in Dutzenden von Städten auf den vier Hauptinseln des Landes teilgenommen hat. Schimmel nimmt weiterhin jedes Jahr an Kunstausstellungen mit Japans führendem Kunstunternehmen, Art Vivant, teil.

Schim und seine Frau JoAnn leben in Arizona, USA.
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Svetlana Yan

Svetlana Yan

Je m'appelle Svetlana Yanetskaya. Je suis une illustratrice avec plus de 10 ans d'expérience spécialisée dans la création d'illustrations pour livres pour enfants. Mes illustrations ont conquis le cœur de nombreuses mères et enfants à travers le monde.

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